25 junio 2011

Directores – Sidney Lumet

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Sidney Lumet (Filadelfia, EEUU, 25 de junio de 1924), Guionista, Productor y Director de Cine. Ganador del Oso de Oro (1957), el Globo de Oro (1976) y nominado 5 veces al Oscar el cual le fue otorgado en (2004) de manera Honorífica. Murió en Nueva York, NY - EEUU el 9 de abril de 2011, a la edad de 86 años.

Hijo de Baruch Lumet, actor judío de origen polaco y la bailarina Eugenia Wermus. Sus padres artistas lo inducen al teatro desde niño. Participa en varias piezas en teatros judíos y en seriados de Radio. En 1935 la familia se muda a Nueva York, lo cual abre las puertas de Broadway donde crece dentro del mundo del espectáculo. En 1939 trabaja junto con su padre en la película “One Third of a Nation” de Dudley Murphy. A mediados de los 40s deja la actuación y empieza a dirigir obras de teatro en el off-Broadway, trabajando con actores miembros del Actor's Studio.
La cadena de TV CBS lo recluta al principio de los 50s, para ser director de series y teledramatúrgia. Lumet fue uno de los pioneros de la incipiente época áurea de la TV “en vivo”, junto a John Frankenheimer (comenzó como asistente del próprio Lumet), Arthur Penn y Delbert Mann, quien fue el primero a saltar al cine con la superpremiada “Marty” (1955), decayendo en sus siguientes trabajos. El debut de Sidney Lumet en el cine se da por cuestiones circunstanciales. Siendo el responsable por la dirección del seriado “12 Angry Men” - trasmitido en vivo por la cadena CBS - obtuvo enorme suceso de audiencia y crítica. Entonces, Henry Fonda y el Roterista Reginald Rose, deciden producir una adapatación para el cine y ambos intuyen que el director debería ser el propio Lumet. En parte, el éxito comercial y de público estaba casi garantizado. Pero "12 Angry Men" (2007), fue mucho más allá, ganando el Oso de Oro en el Festival de Berlín y 3 indicaciones al Oscar en las categorías de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado.
Lumet siguió dividido entre Broadway y séries de TV, intercalando con películas adaptadas de piezas de dramaturgos consagrados, como: Tennessee Williams “That Fugitive Kind” (1960), Arthur Miller “View From the Bridge” (1961), y Eugene O’Neill “Long Day's Journey into Night” (1962). A partir del año 62 se decide por el 7° arte y, 50 años después nos sorprende con “Before the Devil Knows You're Dead” (2007).
Lumet no se destaca por gran derroche de genialidad ni por haber creado tendencia. Su cine resalta por su constancia, equilibrio, eficiencia y versatilidad de enfrentar varios géneros y una diversidad de tópicos. Fruto de la experiencia al actuar, dirigir y aprimorar estilos entre el teatro, la TV y el cine desde sus albores. Era de los últimos directores clásicos con gran conocimiento sobre puesta en escena, dramatugia y manejo de actores. Por eso su trabajo tiene una marca de control y seguridad de estilo propio, que al filmar una escena, él ya la había visualizado y exige la realización en pocas tomas. Reduciendo el trabajo de edición y post producción, posibilitando presentar hasta 2 películas por año.
En su libro “Making Movies” (1995), sobre las fases de producir una película y el oficio de Director, dice: “Una película se hace como un mosaico, donde cada parte se pinta y se lustra de la mejor forma posible. Solo cuando se juntan todas las partes es que se sabrá si resultó en algo”. Y agrega: “Una buena película es el resultado de un accidente, en el que el director prepara el terreno para que el accidente ocurra (Aunque otros trabajen para que no pase nada)”.
Lumet impresiona por la capacidad que tuvo de atraer grandes actores consagrados, desde Henry Fonda hasta Phillip Seymour Hoffman y Ethan Hawke, pasando por Sofia Loren, Marlon Brando, Joanne Woodward, Katharine Hepburn, Sean Connery (por 3 décadas), Omar Sharif, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Al Paccino, Paul Newman, Charlotte Rampling, Jane Fonda, Jeff Bridges, Dustin Hoffman, Nick Nolte, Andy Garcia, Anne Bancroft, Richard Burton, Peter Firth, Richard Dreyfuss, Sharon Stone, Richard Gere, Julie Christie, Gene Hackman, y hasta estrellas pop como Diana Ross y Michael Jackson. Generalmente, pide que los actores tengan un estilo realista e introspectivo, como fueron sus dos películas con Al Pacino: “Serpico” (1973) y “Dog Day Afternoon” 1975). El actor después de entrar en su personaje, debe mostrarse espontaneo y fluir. No hay otra forma de actuar.
El cine de Lumet posee una narrativa visual objetiva y vigorosa. Por lo general, sus películas abundan los sets en exteriores; aunque cuando es exigido, se maneja muy bien en atmosferas claustrofóbicas. De los temas recurrentes en su filmografía, destaca el enfoque sobre la fragilidad de la justicia y diversidad de denuncias sobre problemas que atingen a toda la sociedad o a minorías marginadas. Es un cine que declara, siembra discordia e incomoda. Y eso, junto con la amplitud de su obra, es lo que confirma a Sidney Lumet como un director de cine extraordinario. Hoy 25 de Junio cumpliría 87 años de no haber sucumbido ante un linfoma el 9 de Abril de este año.
Con enorme placer he estado revisando su filmografía, la cual compartiré con Uds en forma de tributo. Solo espero que Lumet haya llegado al cielo... 1/2 hora antes de enterarse don Sata.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes a ser publicados en el Blog)
• 1957 - “Doce hombres sin piedad“ (12 Angry Men)
• 1958 - “Stage Struck”
• 1959 - “Esa clase de mujer“ (That Kind of Woman)
• 1960 - “Piel de serpiente“ (The Fugitive Kind)
• 1962 - “Una mirada desde el puente“ (Vu du pont)
• 1962 - “Larga jornada hacia la noche“ (Long Day’s Journey Into Night)
• 1964 - “El prestamista“ (The Pawnbroker)
• 1964 - “Punto límite“ (Fail-Safe)
• 1965 - “La colina“ (The Hill)
• 1966 - “El grupo“ (The Group)
• 1966 - “Llamada para el muerto“ (The Deadly Affair)
• 1968 - “Bye Bye Braverman”
• 1968 - “La gaviota“ (The Sea Gull)
• 1969 - “Una Cita“ (The Appointment)
• 1970 - “Last of the Mobile Hot Shots”
• 1971 - “Supergolpe en Manhattan“ (The Anderson Tapes)
• 1972 - “Perversión en las aulas“ (Child's Play)
• 1972 - “La ofensa“ (The Offence)
• 1973 - “Serpico“ (Serpico)
• 1974 - “Lovin' Molly”
• 1974 - “Asesinato en el Orient Express“ (Murder on the Orient Express)
• 1975 - “Tarde de perros“ (Dog Day Afternoon)
• 1976 - “Network, un mundo implacable“ (Network)
• 1977 - “Equus“ (Equus)
• 1978 - “El mago” (The Wiz)
• 1980 - “Dime lo que quieres“ (Just Tell Me What You Want)
• 1981 - “El príncipe de la ciudad“ (Prince of the City)
• 1982 - “La trampa de la muerte“ (Deathtrap)
• 1982 - “Veredicto final“ (The Verdict)
• 1983 - “Daniel“ (Daniel)
• 1984 - “Buscando a Greta“ (Garbo Talks)
• 1986 - “Power“ (Power)
• 1986 - “A la mañana siguiente“ (The Morning After)
• 1988 - “Un lugar en ninguna parte“ (Running on Empty)
• 1989 - “Negocios de familia“ (Family Business)
• 1990 - “Distrito 34: corrupción total“ (Q & A)
• 1992 - “Una extraña entre nosotros“ (A Stranger Among Us)
• 1993 - “El abogado del diablo“ (Guilty as Sin)
• 1996 - “La noche cae sobre Manhattan“ (Night Falls on Manhattan)
• 1997 - “En estado crítico“ (Critical Care)
• 1999 - “Gloria“ (Gloria)
• 2006 - “Declaradme culpable“ (Find Me Guilty)
• 2007 - “Antes que el diablo sepa que has muerto“ (Before the Devil Knows You're Dead)

01 junio 2011

Directores - Hayao Miyazaki

3 Cinéfilos Comentaron
Hayao Miyazaki, (Tokio - Japón, 5 de Enero de 1941) Economista, Ilustrador de comics (Mangas), Director, Guionista, diseñista y Productor de cine de animación (Anime). Ganador del Oso de Oro 2002 y el Oscar 2003.

Hayao Miyazaki nació en el barrio Akebono, subdistrito Bunkyo, de la ciudad de Tóquio, el 5 de enero de 1941. Segundo de tres hijos de Katsuyiki Miyazaki y su esposa. Su padre trabajaba en una fábrica localizada en la ciudad de Kanuma, la cual era propriedad de su hermano y producía partes de aviones. Eso terminó influenciando al joven Hayao al diseño de aeronaves, lo cual explica el porqué los aviones y prototipos de naves voladoras son una constante en su filmografía.
En 1958 termina los estudios secundarios en la escuela Toyotama High, y es exactamente durante ese último año de colegio, que Hayao tiene la oportunidad de ver el primer largometraje animado colorido de Japón, “Hakuja Den”, dirigido por Yabushita Taiji, una producción de Toei Animation (Toei Douga), quedando para siempre interesado en el mundo del diseño animado. Luego después ingresó al curso de Economía en la Universidad Gakushuin en 1959. Allí participó en un club de investigación de literatura infantil, que era más bien un Grupo que le gustaban los comics. Miyazaki se forma en el año de 1962 con el grado de Economista con especialización en ciencias políticas.
Mismo formado en economía, prefirió seguir su pasión por el diseño y consigue trabajo en la Toei Animation con el cargo de intercalador (encargado de dibujos entre movimientos). En este tiempo Hayao se casó con Akemi Ota, una colega de trabajo con quien tuvo 2 hijos. Miyazaki fue ganando posiciones en sus primeros años de trabajo en la Toei Animation hasta 1971, cuando se junta a Isao Takahata y Yoichi Otabe en la productora A-Pro, para luego después entrar en la Zuiyo Pictures (que más tarde se convertiría en Nippon Animation), donde trabajaron en los anime "Heidi", "Marco", "Ana de las Tejas Verdes" y "La abeja Maya". Fue solo en 1978 que Hayao dirigió su primer trabajo: la série “Conan el niño del Futuro”, y en 1979 dirige su primer largometraje “Rupan sansei: Kariosutoro no shiro”, para la productora Tokyo Movie.
Miyazaki cria en 1982 el mangá “Nausicaä del Valle de los Vientos”, que fue un gran éxito, llevándo al director a transformarlo en anime. El largometraje fue lanzado en 1984 siendo otro enorme suceso. Entonces Hayao e Takahata abren su próprio estúdio. De los Estúdios Ghibli fueron saliendo: “Laputa, El Castillo en el Cielo”(1986), “Mi Vecino Totoro”(1988), “Servicios de Entrega de Kiki”(1989), “Porco Rosso”(1992). Fue entonces que los estudios Disney hacen un acuerdo con los estudios Ghiblis para la distribución internacional. En 1997, “La Princesa Mononoke” lanza el nombre de Miyazaki al estrellato mundial, para luego en 2001 ”El viaje de Chihiro” ganar sus primeros premios de importancia internacional.
El cine de Miyazaki tiene una gran influencia de su vida particular. Como ya dijimos, los aviones vienen del trabajo de su padre. En “Mi vecino Totoro” trata una fase biográfica de cuando era niño, incluso haciendo mención a su madre que en la vida real estuvo hospitalizada durante años. Sus inclinaciones marxistas las deja notar en Porco Rosso, o en El castillo en el cielo, donde Miyazaki muestra una imagen idealizada de la clase obrera. En la actualidad ya no se considera marxista y ha adoptado otras posiciones ideológicas tales como el mistisismo, la ecología y el pacifismo, lo cual se ha vuelto constante en sus películas. Además de la maestría demostrada en el fino arte del diseño detallista, el desarrollo de las historias y la objetiva dirección, hacen que las 10 películas que conforman su filmografía sean maravillosas puestas en escena que coronan una bella carrera de este "Genial Cuentacuentos".

FILMOGRAFÍA (En negritas: largometrajes publicados)
• 1979 – “Lupin III: El Castillo de Cagliostro” – [Rupan sansei: Kariosutoro no shiro],
• 1984 – “Nausicaä del Valle del Viento” – [Kaze no tani no Naushika],
• 1986 – “El castillo en el Cielo” – [Tenkū no shiro Lapyuta],
• 1988 – “Mi vecino Totoro” – [Tonari no Totoro],
• 1989 – “Kiki, entregas a domicilio” – [Majo no takkyūbin], / Nicky la aprendiz de Bruja / El Delivery de Kiki.
• 1992 – “Porco Rosso” – [Kurenai no buta]
• 1997 – “La princesa Mononoke” – [Mononoke Hime],
• 2001 – “El viaje de Chihiro” – [Sen to Chihiro no kamikakushi],
• 2004 – “El castillo ambulante” – [Hauru no ugoku shiro], / El increíble Castillo Vagabundo.
• 2008 – “Ponyo en el acantilado” – [Gake no ue no Ponyo], / El secreto de la Sirenita.

Hayao Miyazaki, Web en Español

Site de los Studios Ghibli,