Tercipelo Azul (1986)

FILMOGRAFÍA DAVID LYNCH._ “Fue la canción que desencadenó la película ... Había algo misterioso en ella. Me hizo pensar en cosas. Y las primeras cosas en las que pensé eran césped… césped y un vecindario.” Es así como Lynch describe a la canción que inspiró el nombre de esta película: Blue Velvet de Bobby Vinton.
     Después del fracaso comercial de “Dune” (1984) Lynch estaba obligado bajo contrato a dirigir dos películas más para De Laurentiis. Una de ellas iba a ser una secuela de “Dune”, pero por obvias razones, nunca se realizó. Lynch pidió expresamente a De Laurentiis el control total del siguiente proyecto. Tras una negociación, el productor le dio su palabra de que le daría control artístico y el final cut, además de que lo supervisarían poco durante la producción, pero con la condición de que la película fuera de dos horas, que Lynch se bajara el sueldo y que aceptara un presupuesto de us$6 millones.
     Lynch traía ideas para el guion revoloteándole dentro de la cabeza desde 1973. Aprovechando la oportunidad, y tras prometer que nunca más participaría en una super producción, volvió a sus raíces. Hizo algo totalmente alejado del cine mainstream de la época y liberó todo su genio creativo y su subconciente. El resultado fue una perturbadora película con toques surrealistas que pronto alcanzaría el estatus de culto. Además de dejar en la historia del cine, personajes memorables como Frank, interpretado por Dennis Hopper.
     Al final de la producción, Lynch tenía 4 horas de material, pero se vio nuevamente obligado bajo contrato a encajar todo en dos horas. En este caso, el resultado final no se vio tan afectado. También tuvo que quitar algunas escenas violentas para cumplir con requerimientos de la MPAA. (Se pueden ver algunas de las escenas borradas aquí.) Lo tan poco convencional de la película dificultó la distribución, lo que causó que De Laurentiis iniciara su propia compañía de distribución. Ah, también, el director recibe su segunda nominación al Oscar.
     Una anécdota interesante que encontré fue que durante el casting, Lynch e Isabella Rossellini fueron presentados en un restaurante. Lynch, impresionado por su belleza europea le dijo: “usted podría ser hija de Ingrid Bergman”. Luego el amigo que los presentó le dijo: “Idiota, ella ES hija de Ingrid Bergman”. Isabella y Lunch tuvieron una relación sentimental durante los siguientes cuatro años.
     Adjunto un muy interesante documental sobre la producción de la película, con mucha información, datos interesantes, entrevistas a todos los implicados, etc. Desafortunadamente, sin subtítulos. (Cris)

Blue Velvet
              
AÑO: 1986
DURACIÓN: 120 min.
PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch.
MÚSICA: Angelo Badalamenti.
FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes.
ELENCO: Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Laura Dern, Dean Stockwell, George Dickerson, Jack Nance, Hope Lange, Brad Dourif, Priscilla Pointer, Frances Bay.
PRODUCTORA: De Laurentiis Entertainment Group (DEG).
PREMIOS: Nominada al Oscar: Mejor director (David Lynch); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original; Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor película, fotografía; Círculo de Críticos de Nueva York: 3 Nominaciones; Premios Independent Spirit: Mejor actriz (Rossellini). 7 nominaciones; Festival de Montreal: Mejor actor (Dennis Hopper).

Una mañana, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), después de visitar a su padre en el hospital, encuentra entre unos arbustos una oreja humana. La guarda en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía, donde le atiende el detective Williams (George Dickerson), que es vecino suyo. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en una pequeña localidad de Carolina del Norte. (FILMAFFINITY)

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RESUBIENDA Julio/2017
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Dune (1984)

FILMOGRAFÍA DAVID LYNCH._ Tras el éxito de “The Elephant Man”, Lynch recibió una oferta de Geroge Lucas, admirador confeso de “Eraserhead”, para dirigir la 3er película de la saga Star Wars. Lynch lo rechaza sabiendo que tendría poco control creativo y creyendo que lo mejor para la saga era que Lucas continuara con su visión. Sin embargo, también es contactado por Dino de Laurentiis para dirigir una super producción que pretendía ser similar al tema que estaba de moda en esos años. Se trataba de la adaptación a la gran pantalla de la novela de ciencia ficción Dune, escrita en 1965 por Frank Herbert. Este proyecto ya llevaba algunos años de gestación pero no había podido ser materializado. Lynch acepta y queda a la vez obligado bajo contrato a dirigir dos películas más para De Laurentiis.
     La producción lleva tres años y medio en total de principio a fin, us$45 millones y un staff de 1700 personas. Se filmó en México. Lynch llama a su amigo Jack Nance para un papel secundario y trabaja por primera vez con el que se convertiría en uno de sus actores fetiche y amigo personal, Kyle MacLachlan.
     Al final del rodaje se tenían más de 4 horas de material. Los productores querían una película de aproximadamente dos horas, por lo que Lynch se ve obligado a hacer muchas modificaciones. En años posteriores se lanzaron dos versiones extendidas, pero Lynch no las aprueba y pide que en los créditos se coloque el seudónimo “Judas Booth” en vez de su nombre, inspirado por sus sentimientos de traición. Al cumplirse 30 años de su estreno, Lynch fue invitado a hacer una nueva edición, pero se negó completamente. Esta es probablemente una de las películas de las que más se arrepiente el director, por haber tenido tan poco control sobre el resultado final de la misma.
     Aunque en su tiempo fue un fracaso, con los años los fans del género y los fans de Lynch la convirtieron en película de culto. (Cris)

Dune aka Duna
              
AÑO: 1984
DURACIÓN: 137 min.
PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch (Novela: Frank Herbert).
MÚSICA: Toto, Brian Eno.
FOTOGRAFÍA: Freddie Francis.
ELENCO: Kyle MacLachlan, Francesca Annis, Jürgen Prochnow, Patrick Stewart, Kenneth McMillan, Sting, Max von Sydow, Sean Young, Virginia Madsen, Brad Dourif, Siân Phillips, José Ferrer, Everett McGill, Dean Stockwell, Freddie Jones, Alicia Witt, Richard Jordan, Jack Nance, Linda Hunt, Silvana Mangano, Ernesto Laguardia.
PRODUCTORA: Universal Pictures. Productor: Raffaella De Laurentiis.
PREMIOS: Nominada al Oscar: Mejor sonido.

Por orden imperial, la familia Atreides debe hacerse cargo de la explotacion del desértico planeta Arrakis, también llamado "Dune". Es el único planeta donde se encuentra la especia, una potente droga que es indispensable para los vuelos espaciales. Antes el planeta había sido gobernado por los Harkonen, cuyo despotismo había dejado una huella indeleble en la población. Cuando, con el beneplácito del emperador, los Harkonen atacan el planeta para recuperar el poder perdido, Paul, el hijo del duque Leto Atreides, tiene que huir al desierto. Allí, además de afrontar múltiples peligros, se le presenta una oportunidad de derrocar a los Harkonen. (FILMAFFINITY)

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El hombre elefante (1980)

FILMOGRAFÍA DAVID LYNCH._ Poco tiempo después de publicar “Eraserhead”, Stuart Cornfeld, quien quedó gratamente impresionado después de ver Eraserhead, contacta a Lynch con el propósito de apoyarlo con su siguiente proyecto. Lynch trabajaba por aquél entonces en el guion de “Ronnie Rocket”, una historia que al final nunca se materializó. Pero tras varios intercambios de ideas, Cornfeld le ofreció trabajar en uno de 4 guiones que estaban disponibles. Lynch escogió el primero que le fue ofrecido tras quedar encantado con el nombre: “The Elephant Man”. Tras ser rechazados por varias productoras, contactaron a Mel Brooks, quien no conocía a Lynch, y antes de decidirse a darle el financiamiento, vio una proyección en privado de "Eraserhead", Lynch sintió que ese era el fin, pero al salir de la sala de proyección, Mel Brooks lo abrazó, lo felicitó y le dio luz verde. Lynch hizo algunos cambios al guion que había sido creado por Eric Bergren y Christopher De Vore, quienes a su vez lo se habían basado en los libros The Elephant Man and Other Reminiscences (1923) de Frederick Treves (doctor y amigo de Merrick en la vida real) y The Elephant Man: A Study in Human Dignity (1971) de Ashley Montagu. Lynch comenzó a trabajar en el proyecto. No solo se encargó de la dirección y el guion sino también de la banda sonora e incluso intentó encargarse del maquillaje, pero terminó por cederle el trabajo a Christopher Tucker. El maquillaje utilizado se hizo a partir de los moldes originales del cuerpo y cabeza de Joseph Merrick, personaje en cuya vida está basado el guion.
   La cinta fue filmada en Londres y Lynch pudo contar por primera vez con un buen presupuesto, locaciones y equipo suficiente para materializar con poca dificultad sus ideas, además de contar con actores de buen nivel, como Anthony Hopkins y John Hurt.
   Esta conmovedora y bien lograda película fue reconocida con 8 nominaciones al Oscar, incluidas 2 para Lynch; una como Mejor Director y otra por Mejor guion adapatado, aunque al final de la noche, todos se fueron con las manos vacías. Queda como anécdota que mucha gente le reclamó a la Academia un reconocimiento por el buen trabajo en el maquillaje, cosa que la Academia no hizo, pero fue el motivo para que al año siguiente incluyeran una nueva categoría que premiaría a los mejores trabajos en esta rama. (Cris)

The Elephant Man
-Top 250 
AÑO: 1980
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch, Eric Bergren, Christopher De Vore.
MÚSICA: John Morris.
FOTOGRAFÍA: Freddie Francis (B&W).
ELENCO: Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones, Dexter Fletcher.
PRODUCTORA: Paramount Pictures. Productor: Mel Brooks.
PREMIOS: Premios César: Mejor película extranjera; 8 Nominaciones al Oscar, incluyendo actor (Hurt) y director ; Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo mejor película - Drama; Premios BAFTA: Mejor película, actor (Hurt) y diseño de producción. 7 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado drama.

A finales del siglo XIX, el doctor Frederick Treves descubre en un circo a un hombre llamado John Merrick. Se trata de un ciudadano británico con la cabeza monstruosamente deformada, que vive en una situación de constante humillación y sufrimiento al ser exhibido diariamente como una atracción de feria. (FILMAFFINITY)

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Cabeza borradora (1977)

FILMOGRAFÍA DAVID LYNCH._ David Lynch, con apenas 24 años de edad, comienza a trabajar en su Opera Prima en 1971, cuando se encontraba ya instalado en Los Ángeles, California y estudiando en el American Film Institute. Disgustado y a punto de irse del AFI, éste último, para convencerlo de quedarse, ofrece financiarle un guion propio y le permite utilizar sus instalaciones como escenario, además de darle un préstamo.
   El guion de esta película de horror, según cuentan, refleja algunos de los miedos del director y su estancia en la ciudad de Filadelfia, en un vecindario rodeado de “violencia, odio e inmundicia”. Su miedo a la paternidad y las deformidades en los pies de su propia hija, quien tuvo que ser intervenida quirúrgicamente varias veces, podrían verse también reflejados. Lynch comenta también que “La metamorfosis” de Kafka y la historia corta “The Nose” de Nikolai Gogol, fueron fuertes influencias. Lynch califica a Eraserhead como su película “más espiritual”, jajaja, bueno.
   La producción se extendió por años debido a la falta de fondos. El préstamo del AFI fue insuficiente. Su amigo de la infancia, Jack Fisk y su esposa, Sissy Spacek colaboraron con algo de dinero al igual que la esposa de su amigo y protagonista, Jack Nance. Incluso el mismo Lynch vendió periódicos durante esos tiempos, a los que él llamó “deprimentes”, para financiar y terminar el proyecto.
   Un detalle que sigue siendo un misterio hasta la fecha es el bebé. Lynch se ha negado completamente a hablar de él y los detalles de su creación siguen siendo un misterio. Para la filmación, Lynch vendaba los ojos de algunas personas para que no pudieran ver sus detalles, lo que generó cantidad de rumores y especulaciones. Cuentan que después de la filmación, fue enterrado en un lugar secreto.
   Eraserhead fue presentada en en el Filmex Film Festival, de los Ángeles el 19 de Marzo de 1977 (está a pocos días de cumplir 40 años desde su estreno). El primer día fue vista por 25 personas, el segundo día, por 24. Luego fue exhibida en el cine local “Cinema Village” durante un año en el horario de media noche.
   Pronto se convirtió en una película de culto. En 2004, la biblioteca del Congreso la escogió para ser conservada en el National Film Registry por ser “cultural, histórica y estéticamente significativa”.
   Esta película, como casi toda la filmografía de Lynch, puede provocar amor u odio. Podemos ver las opiniones encontradas de gente como Stanley Kubrick o el escritor Charles Bukowsky, quienes la consideraron una de sus películas favoritas, contra la de Terrence Mallick, quien la vio en proceso de producción con la intención de financiarla y terminó calificándola como una mierda.
   Adjunto dejo un documental hecho por Lynch, donde nos detalla la mayoría de sus experiencias en la creación de esta película. Desafortunadamente me fue imposible conseguirle subtítulos en español, pero igual lo dejo para quienes quieran verlo y no tengan problema con el inglés. (Cris)

Eraserhead
               
AÑO: 1977
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch.
MÚSICA: Peter Ivers.
FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes (B&W).
ELENCO: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts,Darwin Joston, T. Max Graham.
PRODUCTORA: David Lynch / The American Film Institute for Advanced Film Studies.
PREMIOS: Avoriaz Fantastic Film Festival: Antennae II Award (Lynch).

Henry Spencer, un joven depresivo y asustadizo, sufre desde pequeño unas extrañas pesadillas de las que intenta liberarse a través de su imaginación. Un día, su amiga Mary lo invita a cenar a casa; se entera entonces de que ha sido padre de un bebé prematuro e inhumano. Mary y el extraño bebé se instalan en casa de Henry, donde un escenario iluminado tras el radiador muestra la presencia de una mujer. (FILMAFFINITY) (FILMAFFINITY)

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Eraserhead (1977) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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Anexo
Eraserhead Stories
Documental que explora el proceso de creación del primer largometraje de David Lynch, "Eraserhead".

AÑO: 2001     DURACIÓN: 85 min.     PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch
FICHA COMPLETA EN FILMAFFINITY

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Eraserhead Stories (2001) / Audio Original - Sin subtítulos / DVDrip > rmvb
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Fuga da Rocinha (2016)

Recibí un e-mail de lo más interesante de una productora independiente de Rio de Janeiro.
Ellos están promoviendo su primera película de bajo presupuesto que relata una historia de amor enmarcada en medio de la situación social “sui generis” que vive la capital carioca.
Como me pareció interesante este proyecto junto con su resultado, les escribí pidiendo permiso para postarla en el blog. Así la comunidad de Cinemateca se entera de lo que se puede hacer también en su entorno. Para hacer cine no se necesita mucho, lo que si es imprescindible son ganas de hacerlo y algo de Talento (el Toño Jr. es Talentoso). Según ellos, el presupuesto fue de 1.000 U$.
Sabemos también que por aquí transitan muchas personas ligadas al medio. Vaya a ver que quieran convidar a La MáKina para participar de alguna Muestra o Festival.
La respuesta que me enviaron fue la siguiente:

Olá amigos!
Ficaremos extremamente felizes com o post. Segue um release sobre o filme.



Release
“Fuga da Rocínha” aka “La Fuga”, es en largometraje independiente de Ficción, producido por “MáKina Cultural”, como parte de un proyecto social con jóvenes moradores de las comunidades de La Rocínha y de Vidigal.
AÑO: 2016
DURACIÓN: 109 min.
PAÍS: Brasil. IDIOMA: Portugues con Subtítulos en Español
DIRECTOR: Antonio Jr.
GUIÓN: Antonio Jr.
MÚSICA: Mc Dollores.
FOTOGRAFÍA: Antonio Jr.
ELENCO: Andrey Lopes, Maiara Queiroz, João Paulo Gonçalves, Hudson Carvalho. Dione Prado y Sérgio Mib, además de moradores de la Rocinha
PRODUCTORA: MáKina Cultural.
GALARDONES: Mejor Largometraje y Mejor Guión Original en el 7° CIVIFILMES (Festival de Cine Independiente de São Paulo)

La Rocínha es un Barrio localizado en la zona sur de Rio de Janeiro, muy cercano a la zona noble de las famosas Playas de Copacabana e Ipanema. Un joven de clase media alta conoce una chica del barrio. Cuando por primera vez va a La Rocinha, termina presenciando un asesinato, entonces es cazado por los narcotraficantes que creen en su participación en el crimen.

Para contactos:
www.makinacultural.com
www.facebook.com/makinaculturalprodutora
https://www.youtube.com/c/MakinaCultural
Makina Cultural Produtora: Rua da Conceição, nº 105, sl 409 - Centro, Rio de Janeiro, RJ
CEP: 20.051-011 - Celular e WhatsApp (21) 98624-0164

Que nadie se mueva

Como mudé de dirección mi antiguo proveedor me dejó casi 3 meses sin conexión hasta decirme que no había disponibilidad de fibra no local. Así que tocó contratar otro y me conectaron antes del Carnaval. Mi primer impulso fue abrir el blog, incluso antes que revisar e-mails o enterarme que había pasado en el mundo. Había decidido no usar ninguna otra Internet para ver si podría prescindir de ella, y realmente vivo feliz hasta sin celular. Pero en lo que tuve la conexión nuevamente lo primero que hice fue ir a ver el Blog.

Grande Lucy, amigos como tu es lo que nos mantendrían en línea. Cris ya me había dicho el año pasado que estaba deglutiendo Lynch y que le hacía falta el ejercicio de expresarse. Mantengo comunicación con Eliana y en lo que se anime a gastarse otro resto de sentimientos se vuelve a meter en otro proyecto para esta que es su casa en la red. Omam… Omam me dijo que no me diría nada, jejejeje, Y hasta reapareció Alejo preguntandome que programas usabamos para pegar los subtítulos. Aquí nadie se ha ido gente, solo que no tenemos la prioridad de tiempo que nos gustaría. También nos desentusiasma ver como se las llevan y pocos dicen algo. La gente como que no se ha enterado que este es un Blog para expresarse, para hablar sobre las películas en la forma de comentarios, por eso los uploader tienen el desafío de exponer primero lo que ellos piensan y urgamos sobre lo que estamos exponiendo para decir el primer comentario, pero esperamos que el resto diga algo también. Les colocamos links para IMDb y Filmaffinity en los posts para que se enteren más sobre la película y puedan viajar con sus impresiones. El que se puedan bajar los archivos es apenas un detalle del blog, el sentido del mismo es el intercambio de opiniones sobre cine. Y no basta con felicitar y agradecer una vez. Hay que intentar expresar lo que sienten por cada una que vean para que esto sea reciproco.
En 2016 estuve dedicado a otro proyecto en la red que me dio mucha satisfacción, pero mi asunto con el cine es una vieja pasión. Estuve leyendo los comentarios del Blog desde 2016. Borré todo reclamo de links caídos y preguntas sobre los archivos. Es que la gente no lee. El propio encabezado de los comentarios pide por favor no decir nada de links caídos y comunicarlo al mail. Y el tipo de archivo está en varias partes de la columna de la derecha. Queda claro que son archivos 7z, e incluso hay un tutorial de cómo descomprimir, pero la gente no lee.
Leí también casi 200 e-mails. A todos se les respondió. Una buena parte era para decir de links caidos, se les agradece, aunque sabemos que está caído por las herramientas de nCrypt.in. La mitad de los e-mails era preguntando como descomprimir, como se ven, como se unen. A todos les respondí con tardanza pero respondí. Agradezco a todos aquellos que felicitan y agradecen, pero igual esperamos que expresen lo que sienten.
Y hay claro, muchos que escriben cosas bizarras sobre lo que hacemos y exigen que lo hagamos como a ellos les gusta, jejejeje, que si quiero este director, que las quiero en BR, que es feo con subt incorporados y que las prefieren en MEGA, jejejeje. Gente que solo puede ver hasta donde le llega la nariz y no tiene noción de lo que es hacer algo para beneficio de otros.
Por eso quería aclarar ciertos PQs. Mi conexión de Internet es la más baja que pude contratar y es de 60 Mb, pero la Internet aún es muy pobre en la mayor parte de los lugares a donde queremos llegar. Por eso usamos un archivo de video bastante comprimido que emula la calidad de la copia original. También está el agravante de que propagar material original en formatos de video es un delito. El rmvb es un archivo de computadoras y para disminuir nuestra culpa aclaramos en cada película de que es apenas una muestra para la consideración de los usuarios (siiii, en eso se basa nuestra defensa. Nosotros facilitamos muestras a gente que viene a un Blog de debate sobre cine. Es como las muestras que le envian a jurados para su consideración. Lo mismo no es trampa). ¿Por qué las cortan y encriptan con 7z? Es justamente para favorecer a aquellos que tienen conexiones poco potentes y puedan bajarse de a partes menores. También los archivos menores son menos perseguidos por autoridades que los grandes. Y las encriptamos en 7zip porque no se puede leer. Los .rar pueden ser leidos y borrados con más facilidad por los hostings al verificar que es determinada pélícula. Les pegamos los subt. Porque mucha gente no sabe o no entiende como hacerlo. La idea es facilitárselo a todos. Después de bajar una película, la pueden pasar a avi fácilmente como mostramos en el tutorial y verla en cualquier TV más o menos moderna por intermedio de un USB. Muchas veces con la calidad de un BR. ¿Quieren más??... Mismo así hay gente inconforme… debe ser por eso que NO comentan.

Mis amigos, el Blog nadie lo va a cerrar. Creo que solo Blogger puede, o la justicia "bororo" por intermedio de S.O.P.A., NATO, UFA, que se yo… Necesitamos que comenten hasta porque esa es una forma de apoyar el Blog como cosa importante en la esfera de Blogger, ayudando incluso a escalar posiciones dentro de los motores de búsquela gracias a la cantidad de comentarios y notas positivas. Necesitamos que propaguen Cinematecaweb y el Proyecto CINE PARA TODOS por sus redes sociales. Eso traería más usuarios lo que ayuda al mantenimiento de los archivos en Depositfile. Recordemos que archivo que no tiene download en 3 meses es eliminado. ¿Y pq Deposit? ¿Y por qué no???, hasta ahora ha dado buenos resultados, y está alojado en Chipre. En 5 años hemos visto desaparecer la mayoría de los Hosting y Deposit permite bajar a TODOS.
Recibí algunos e-mails muy interesantes. Gente queriendo ayudar, Gente diciendo como Cinematecaweb los ha ayudado. Hubo 3 que preguntaban cuales eran las películas más bajadas del blog, cosa que nunca había pensado. Así que fui a nCrypt.in y me deparé con los botones de Download más clicados.

Santa Cachucha Batman!!!! Más de 7000 CLICS tiene "La Guerra del Fuego"!!!, debe ser el único lugar de la red donde se puede bajar. Ya nos han escrito al mail varios preofesores diciendo que la pasarían en clase, pero el número me agarró de sorpresa. ¿Quieren otro número importante??, Desde 2009 el Blog ha coleccionado poco más de 4000 comentarios y son más de 1000 post... Saquen Uds sus conclusiones, pero para mi esto es un proyecto fallido.
nCrypt.in también me dice que tengo 20% de mi parte caída. Prometo resubir todo y arreglar la estructura de posts dañados en los próximos meses. Lo hago porque tengo amor por lo que hemos hecho hasta ahora. Espero que muchos de Uds realmente se lo merezcan.
Comenten mi queridos, Hagan también su parte.
(Bruzqueando)

FILMOGRAFÍA LOUIS MALLE

Louis Malle, (Thumeries, 30 de octubre de 1932 - Beverly Hills, California, 23 de noviembre de 1995), Camarógrafo, Guionista y Director de Cine. Ganador de la Palma de Oro junto a Jacques Coustou por “Le monde du silence” (1956); Ganador del Cesar y del Premio BAFTA (2 veces). Nominado 3 veces al Oscar. Es considerado uno de los grandes del Cine Galo.

Malle provenía de una familia de industriales del azúcar. Creció en un ambiente muy acomodado y pasó por distintos internados católicos. A los 14 años, se inició en la dirección con la cámara de 8 mm de su padre. Estudió Ciencias Políticas en la Sorbona, y por estos años surge su determinación de convertirse en cineasta, pese a la oposición de la familia.
Louis trabaja con Robert Bresson para preparar (y rodar en parte) Un condamné à mort s'est échappé; le parece impresionante el trabajo con actores no profesionales de este director. En esa época arrancaba el movimiento de la Nouvelle vague, a la que Malle nunca perteneció, ya que desarrolló su propio camino en paralelo, solo, según sus propias motivaciones.
Dirigió su primer largometraje a los 25 años, Ascensor para el cadalso (1957). Luego, realizó Los amantes (1958).
Más adelante se decidió a adaptar uno de los relatos más difíciles de Raymond Queneau, Zazie en el metro (1960). Más tarde rodó Fuego fatuo (1963). El peso de Camus y el teatro del absurdo marcan su trayectoria.
En 1968 se alejó de Francia y de la ficción para rodar Calcuta. Malle rodó una película que provocó una gran polémica: El soplo al corazón (1971).
Con la Película Lacombe Lucien (1974),suscitó una nueva polémica, esta vez de carácter político con guión cuidadoso, compartido con el novelista Patrick Modiano, trabajó con actores no profesionales (como el protagonista) mezclados con profesionales, tal como hiciera Robert Bresson.
En el punto más agrio de las polémicas, Malle decidió emigrar a los Estados Unidos. En Hollywood filmó, entre otras películas, La pequeña (1978) con la joven Brooke Shields y sobre todo Atlantic City (1980).
Cuando regresó a Francia en 1987 volvió a tratar el tema que le había hecho marcharse: la ocupación nazi en Francia, a través de un film que será el punto más alto de su carrera, Adiós, muchachos (1987).
Filmó a continuación la comedia Milou en mayo (1989), así como Herida (1992). Su último film fue una magnífica adaptación de Vania en la calle 42 (1994), pieza teatral de Antón Chéjov; este Vanya on 42nd Street se estrenó el 19 de octubre de ese año en los Estados Unidos y el 25 de enero de 1995 en Francia. Murió de un linfoma el 23 de noviembre de 1995 en Los Ángeles, a los 63 años.

FILMOGRAFÍA LOUIS MALLE (largometrajes)

• 1955 – “El mundo del silencio” – (Le monde du silence).
• 1957 – “Ascensor para el cadalso” - (Ascenseur pour l'échafaud).
• 1958 – “Los amantes” - (Les Amants)
• 1960 – “Zazie” - (Zazie dans le métro)
• 1961 – “Una vida privada” - (Vie privée)
• 1963 – “Fuego fatuo” - (Le feu follet).
• 1965 – “Viva María!”
• 1966 – “Ladrón de París” - (Le Voleur)
• 1968 – “Narraciones extraordinarias” - (Histoires extraordinaires), episodio
• 1971 – “El soplo al corazón” - (Le souffle au cœur)
• 1974 – “Lacombe Lucien”
• 1975 – “El Unicornio” - (Black Moon).
• 1978 – “La pequeña” - (La petite)
• 1980 – “Atlantic City” -
• 1981 – “Mi cena con André” - (My Dinner with André)
• 1983 – “Crackers”
• 1985 – “Alamo Bay”..
• 1987 – “Adiós, muchachos” - (Au revoir, les enfants)
• 1989 – “Milou en mayo” - (Milou en mai)
• 1992 – “Herida” - (Damage)
• 1994 – “Vania en la calle 42” - (Vania on 42nd Street)

Muere Cineasta Argentino-Brasileño - R.I.P.

No podiamos dejar pasar sin comentar la muerte de Hector Babenco, cuyo cuerpo fue cremado hoy a las 5:00 pm en en el cementério 'Horto da Paz', en Itapecerica da Serra, Grande São Paulo.
Hector Babenco nació en Argentina. Tras un breve paseo por europa, migró a Brasil a los 19 años donde se naturalizó brasileiro. Fue indicado al Oscar de mejor director por la película "O beijo da mulher aranha" (1985). También dirigió clásicos como "Pixote: A lei do mais fraco" (1982) y "Lúcio Flavio, o passageiro da agonia" (1977), además de "Carandiru" (2003).

Babenco tenía 70 años. El miercoles 13 estaba internado en el Hospital Sírio Libanês para tratar una sinusitis. Segun su hija, la fotógrafa Janka Babenco. “Él estaba cansado y tuvo la parada cardiorrespiratória. Fue todo muy simples, muy básico, muy rápido”, dijo Janka.
...
Una vez me encontré a Babenco y le dije que teníamos un Blog de cine en el cual le hacíamos un homenaje junto a directores de la talla de Tarkovsky, Coppola, Forman, Wenders, Scorsese... A lo que me preguntó ¿A que debía ese honor?. Yo le dije que me era muy emblemático por tratar siempre a personajes perdidos. Mientras me esbozaba una sonrisa le dije que de repente había algo que no le iba a gustar, jejejeje. A ver, ¿dime qué??. Y yo le respondí que poniamos sus películas para que se las bajaran de gratis.
Babenco soltó una carcajada y me dijo que yo era un 'maldito pirata', pero que eso lo hacían todos. Siiiii!!!! - le dije yo - Pero nosotros lo hacemos con estilo.
Nos reimos ambos y le pedí que me diera un permiso por escrito para exibir su obra, que era importante ser más conocido aún por la gente de lengua hispana. Me dijo que si, que me mandaba un e-mail, y anotó el link del blog y mi e-mail... pero nunca me llegó nada.

No importa Hector. Tu obra será conocida y mismo sin tu permiso por escrito ahi va.
En su Homenaje. Disfruten de Babenco

Nota: La FILMOGRAFÍA DE HECTOR BABENCO fue publicada originalmente en Octubre de 2009, siendo una de las primera de este Blog. . .

Directores – Héctor Babenco

Héctor Eduardo Babenco (Quilmes, Gran Buenos Aires - Argentina, 7 de febrero de 1946), guionista, productor, actor y director de cine naturalizado brasileño. Nominado al Oscar y ganador del Premio Independent Spirit. murió en São Paulo el 13 de julio de 2016.

En Argentina dicen que es brasileño, en Brasil le dicen argentino. Lo cierto es que nació y vivió en Argentina hasta los 17 años, donde trabajaba como aprendiz de sastre. Se mudó a Europa con su familia y estuvo deambulando durante el final de los 60s. Entre otros oficios fue figurante de directores españoles.
Como no podía volver a argentina por causa de ser desertor del ejercito, se instaló en Brasil definitivamente en el 71, donde comenzó a trabajar en documentales. Obtuvo la nacionalidad brasilera en 1977.
Junto Al cineasta Roberto Farias, realizó El documental "O Fabuloso Fittipaldi" (1975), sobre la vida y carrera del piloto de Fórmula 1. Luego vendría su primer largometraje de ficción “El Rey de la Noche” 1975. Siendo que su siguiente film, “Lucio Flavio, pasajero de la agonía” (1977), llevó 5 millones de personas a las salas de Brasil convirtiendose en un estrondoso éxito de billetería.
Al comienzo de los 80 estaba preparando una serie de entrevistas en la FEBEM (antiguo correccional de menores de São Paulo) para hacer un documental sobre el crimen infantil, pero como fue entorpecido por las autoridades, decidió contratar niños de los barrios pobres para que se interpretasen a si mismos. En vez de diálogos formales, la producción elaboró un plan de laboratorios de actuación e improvisación. El resultado fue “Pixote, la ley del más Debil”, donde los niños revelan elementos de su propia realidad, en una producción que significó la atención de Babenco en varios festivales mundo afuera.
Su primer proyecto internacional “El Beso de la mujer Araña”, le valió una indicación al Oscar como mejor director, pero quien lo ganó esa noche fue Willian Hurt, con la excelente interpretación del gay Molina. La película catapultó también a la actriz Sonia Braga en su carrera internacional.
Con el nombre en las luminarias de todo el mundo, los estudios Universal y Tristar le ofrecieron sendos proyectos “Tallo de Hierro” 1987, y “Jugando en los campos del señor” 1991. Pero a pesar de contar con grandes estrellas no obtuvieron el retorno monetario deseado.
En los 90 el director enfrentó un Cáncer linfático al cual sobrevivió gracias a haber hecho un trasplante de medula, por eso su siguiente película “Corazón iluminado” 1993, es en un tono bastante intimo. Mientras trataba el Cáncer, también conoció al medico oncólogo y escritor Drauzio Varella, El cual le mostró una serie de relatos cortos sobre la extinta mayor penitenciaria Brasileña. De esas conversaciones salió el premiado “Carandiru” 2003.
En su ultima producción, inserta al astro mexicano Gabriel García Bernal en Buenos Aires, haciendo el melodrama medio erótico-medio romantico "El Pasado" (2007), que despertó más bostezos que alabanzas. Se dice que ahora está trabajando en el desarrollo de “La Brasilera” (por su handicap, debe estrenar en dos años).

Filmografía (largometrajes)
• 1973 – “O Fabuloso Fittipaldi” (Documental)
• 1975 – “El Rey de la Noche” – [O rei da noite] aka King of the Night
• 1977 – “Lúcio Flávio, Pasajero de la Agonía" – [Lúcio Flávio, o passageiro da agonia] aka Lucio Flacio, Passenger of Agony
• 1981 - “Pixote – La ley del más Debil” - [Pixote - A lei do mais fraco] aka Pixote - The Survival of the Weakest
• 1984 – “A Terra é Redonda Como uma Laranja”
• 1985 - “El Beso de la Mujer Araña” - [Kiss of the Spider Woman - O Beijo da mulher Aranha]
• 1987 - “Tallo de Hierro” - [Ironweed]
• 1991 – “Jugando en los campos del señor” – [Play in the Fields of the Lord]
• 1996 – “Corazón iluminado” - [Coração Iluminado] aka Foolish Heart
• 2003 - “Carandiru”
• 2007 - “El Pasado”
• 2015 – “Mi Amigo hindú” - [Meu Amigo Hindu] aka My Hindu Friend

Tallo de Hierro (1987)

FILMOGRAFÍA HÉCTOR BABENCO._ Debido al éxito alcanzado con "El Beso de la Mujer Araña", los estudios Tristar le encargan a Babenco la dirección del laureado romance de Willian Kennedy. Aunque fueron nominados al Oscar los multigalardonados Jack Nicholson (3 Oscares en 12 nominaciones) y Meryl Streep (2 Oscares en 15 nominaciones), la película no tuvo el esperado retorno en taquilla. Pero los dos actores lucen convincentes en sus papeles, acompañados del siempre emblemático Tom Waits. (Bruz)

Ironweed

AÑO: 1987
DURACIÓN: 143 min.
PAÍS: USA.
DIRECTOR: Hector Babenco
GUIÓN: William Kennedy (Novela: William Kennedy).
MÚSICA: James Horner.
FOTOGRAFÍA: Lauro Escorel.
ELENCO: Jack Nicholson, Meryl Streep, Carroll Baker, Michael O'Keefe, Tom Waits, Fred Gwynne.
PRODUCTORA: TriStar.
GALARDONES: Meryl Streep y Jack Nicholson nominados al Oscar 1988; Jack Nicholson nominado al Globo de Oro 1988; Jack Nicholson ganador como mejor actor por la Asociación de críticos de Los Ángeles y por el Círculo de Críticos de New York

1938. Durante la época de la Gran Depresión Francis Phelan, un antiguo jugador de beísbol, abandona a su familia tras un trágico accidente, convirtiéndose en un borracho vagabundo que, junto a una antigua novia y compañera de borracheras, intentan escapar del doloroso recuerdo de un pasado que le persigue.... (FILMAFFINITY)

Revisar otras críticas en FILMAFFINITY

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Ironweed (1987) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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Muestra de Cine Chicano

 

- El Cine Chicano no existe- dijo el director estadounidense Gregory Nava, realizador de El Norte (1983) y Mi Familia (1995), entre otros films, en el transcurso de una entrevista aparecida en la revista mexicana Proceso en 2012, además de despacharse con una fuerte crítica a Barack Obama por haber traicionado sus promesas a la comunidad hispana, la cual lo acompañó con sus votos. Esta afirmación coyuntural y provocadora sirve para introducirnos de forma polémica, en el mejor sentido de esta palabra, en el mundo de la cultura chicana de la cual el Cine forma parte entroncando con las mejores tradiciones literarias, teatrales, musicales y plásticas de una comunidad en constante autoafirmación frente a una avasallante y hegemónica cultura anglosajona.

Pero no podemos avanzar más sin definir cual es el sujeto de estas manifestaciones culturales, y para ello debemos hacer un poco de historia y recordar que los estados del suroeste de los EEUU fueron hasta 1848 parte de la República de México, y antes, durante más de doscientos años colonia española. Los colonos anglosajones que comenzaron a llegar a esta región aún antes de la guerra mexicano-estadounidense y que lo hicieron con mayor fuerza luego de su anexión por parte de los EEUU, como parte de su doctrina del Destino Manifiesto, llegaron a una región que tenía una población con más de doscientos años de tradición cultural española-mexicana, además de pueblos originarios más o menos asimilados a esta cultura y aún mestizados con los descendientes de españoles como era costumbre en las colonias hispanoamericanas. A esta población estadounidense de orígen mexicano con el correr de los años se le fueron agregando diferentes capas de inmigrantes mexicanos que haciendo caso omiso de las fronteras la fueron haciendo más numerosa, la enriquecieron. Este universo popular mexicano o mexicano-estadounidense o chicano es el que trata de interpretar, mostrar, sentir, estudiar, entender, reconocer el Cine Chicano.


Luis Valdez

El cine forma parte de un complejo de expresiones culturales paralelas de las cuales es heredera, en las que abreva y con las que interactúa para construir su discurso; en el caso puntual del Cine Chicano la literatura y el teatro son dos fuertes expresiones populares de honda raigambre y larga tradición que le aportan densidad y un firme sustrato a su discurso. La literatura chicana o mexicano-estadounidense desde Eusebio Chacón (1870-1948) “eslabón temprano de la novela chicana” (Francisco A. Lomelí) hasta el día de hoy se ha desarrollado, no sin dificultades, pero sin pausa.  El bandolerismo fue el tema recurrente a fines del siglo XIX, relatando aventuras a todo lo largo de la frontera protagonizadas por bandidos nuevomexicanos perseguidos por las autoridades anglos y protegidos por el pueblo. En la actualidad la producción literaria comprende una variedad de géneros desde el ensayo, pasando por la novela y la poesía, tanto en español como en inglés o ambos. El teatro toma impulso en los años 60 asociado a las luchas campesinas en California por mejorar las condiciones de trabajo, iniciandose el llamado Teatro Campesino de la mano del dramaturgo Luis Valdez y en estrecha relación con las acciones del sindicalista Cesar Chavez en pos de organizar a los recolectores. Las compañias de teatro recorrían las plantaciones y los lugares de asentamiento de los trabajadores, mexicanos en su gran mayoría, poniendo en escena dramas en los que los mismos trabajadores eran actores, llevando al escenario obras como La virgen de Tepeyac (1971), Las dos caras del patroncito (1964), La gran carpa de los Rasquachis (1972) basada en el corrido mexicano “Los deportados”, Los vendidos (1976), etc.,  esta aventura continua hasta hoy.


Edward James Olmos

Existen tres referentes ineludibles en el mundo del Cine Chicano, cine independiente por excelencia y por obligación: Luis Valdez (Delano, California, 1940) dramaturgo, director de cine (Zoot Suit, 1981 y La Bamba, 1987) y líder desde su creación del Teatro Campesino; Edward James Olmos (Los Angeles, California, 1947), actor (Stand and Deliver, 1987, y otras) y director de cine (American Me, 1992) y Gregory Nava (San Diego, California, 1949) director, productor y guionista. Porsupuesto que esta elección es arbitraria ya que desde los años 50 se han venido realizando films con esta impronta cultural, en un principio con preeminencia de documentales,los primeros largometrajes de ficción hacia fines de los 70 y desde los 80 en adelante con más continuidad. Esto no significa que desde prácticamente los inicios del cine estadounidense no haya estado presente lo mexicano o mexicano-americano en distintas producciones (A. Sing y los greasers (1910),  y The heart of Paula (1916), entre muchas otras), pero los personajes o historias que los presentaban estaban desde todo punto de vista teñidas de prejuicios rayando en el racismo y rechazo hacia la cultura que representaban, ¡cosa que aún hoy es evidente en muchas producciones cinematográficas!.

Dentro de la poca información y estudios en español que hay sobre Cine Chicano las listas de largometrajes adjudicados a esta corriente cultural difieren, algunas listas más acotadas incluyen solo films en los que en su producción, guión o dirección han participado gentes de ascendencia chicana o muy cercana a la comunidad, otras fuentes proponen además filmes que sin tener las características de producción antes mencionada desarrollan una historia en la que es relevante la temática chicana o mexicano-estadounidense o historias fronterizas. Dentro de estas últimas podemos mencionar Border Incident (1949), Espaldas Mojadas (1953), The Border (1982), The Milagro Beanfield War (1988), con historias relevantes y que no caen en el lugar común, o por lo menos tratan, de prejuicios y denigración del sector social a que nos referimos.  En esta Muestra de Cine Chicano, la 1ra por ahora, decidimos presentar filmes con una fuerte participación de representantes de la comunidad en la producción de los mismos y que presentan una mirada de las historias desde el mismo centro de la cultura chicana o mexicano-estadounidense, realizados hasta mediados de los 90s.


Gregory Nava

Finalmente citaremos, en uno de sus estudios fronterizos, a la ensayista, literata y filósofa Roxana Rodriguez Ortiz: “El concepto chicano tuvo en sus inicios una connotación peyorativa que se refería a la población pobre de origen mexicano, posteriormente se convirtió en un concepto que definía a la población trabajadora de origen mexicano, cuyos rasgos sobresalientes, además del color de su piel, eran la pobreza y la marginación social. Ahora tiene una perspectiva progresista como el sujeto que, a pesar de haber sido colonizado por una cultura dominante, ha reconstruido su identidad gracias a una actitud de resistencia cultural y sociopolítica constante que le ha permitido generar espacios de denuncia social, política y cultural.” (Alegoría de la frontera México-Estados Unidos. Análisis comparativo de dos escrituras colindantes. Tésis doctoral, 2008, Universidad Autónoma de Barcelona). Ahora amigos, esperando sepan disculpar mis tan largas palabras, con ustedes el Cine.

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Fuente:

Entrevista a Gregory Nava - Revista Proceso
Eusebio Chacón: eslabón temprano de la novela chicana
Lo mejor del Cine Chicano - Cineteca Nacional de México
Movimiento Chicano
Roxana Rodriguez Ortiz: "La Comunidad Chicana: Construcción Simbólica de su Identidad"
El Teatro Campesino
Lista Completa de Trabajos de El Teatro Campesino
Reflexiones sobre "El Norte" de Gregorio Nava
Literatura Chicana en Español
El Plan Espiritual de Aztlán

 

2ª Muestra Iraní

Se habla mucho de las restricciones del cine Iraní después de la revolución islámica, pero no se ha tenido en cuenta que ya desde antes el cine iraní era expuesto a la censura… es que antes de 1979 Iran ya vivía dentro de un régimen autocrático y lo lamentable es que la característica de estos sistemas políticos,

Imagen de La Vaca 1969

que solo quieren tener el poder, es atacar al individuo y su expresión, siendo el arte una rama muy afectada. Antes del Ayatola, se censuraba porque se tenía que cuidar la imagen del país, se tenía que mostrar un Iran moderno, en progreso y con supuestas ideas liberales; lo que hizo que películas como "La Vaca" de Dariush Merhjui (no la voy a publicar aquí pues tiene subs pegados en inglés y una caja negra para los de español), fueron vetadas solo siendo permitido un cine superficial muy influenciado por Hollywood. Después de la revolución las restricciones involucran mucho la expresión femenina, no se puede mostrar ni sexo ni violencia, ni contacto entre hombres y mujeres, nada que vaya contra el Islam o la política iraní.

Omar Khayyám

Dentro de todas estas restricciones se ha desarrollado un cine muy autentico, muy creativo, a mi me hace pensar que muchas veces los límites son internos, son cuestiones de la mente. El cine iraní es muy poético; es que ellos han sido cuna de grandes poetas, sabios milenarios como lo son Omar Khayyám, Saadi, Hafiz, Rumi; hoy en día en los parques de ciudades como Teherán se puede escuchar la lectura en público de las obras de estos grandes hombres bajo la sombra de viejos arboles, así que no es casualidad encontrarse con la riqueza narrativa de ellos….

También es un cine que se ve obligado a denunciar, es un cine político, es que es necesario siendo artista y sensible ver y mostrar lo que sufre un pueblo bajo la autocracia… Los Kurdos han sido tan usados, pisoteados y traicionados por todo el mundo que personas como Bahman Gohbadi son esenciales para la dignidad de su pueblo y la sensibilidad de nosotros…
Y bueno, aparecen muchos otros y unos cuantos con un estilo propio, se destaca Asghar Fahardi, ha sido merecedor de un Oscar, él no habla de política, no hace denuncia, habla de la gente, de los conflictos familiares, pero de una manera que llega a muchas personas, es que todos tenemos familia y fricciones y todos soñamos con el romance y bueno la expresión de este hombre se hace universal…

G. Farahaní

Es duro saber que Jafar Panahi está en prisión domiciliaria; que Kiarostami se exilió; que Dariush Merhjui vive en América; que Bahman Gohbadi tampoco está en Iran; que los Makhmalbalf tienen problemas legales; que hay actores que no llegan a la filmación por miedo a los guiones, como le sucedió a Rafi Pitts en El Cazador; que todo el elenco de Circunstancias no pudo volver de manera tranquila a Iran, sabían de las penas que tendrían que pagar; que Actrices como Golshifteh Farahaní vive en París sintiéndose como los siervos sin tierra; es duro, pero los hace tan valientes, no me imagino no poder vivir en mi pais … y sí, son valientes, ojalá pudiéramos mostrar todo lo que hacen los valientes alrededor del mundo, pero a veces la pelis no son fáciles de conseguir, se consiguen de mala calidad y sin subs en Español…

La muestra va con lo mejor que conseguimos entre Bruz, Iván y yo…. Con 8 de las 22 pelis traducidas por nosotros… personalmente estoy involucrada afectivamente con Iran... y quiero lo mejor para ellos…

Sé, por experiencia propia que la imagen que tenemos de los Iraníes y en general la gente del Medio Oriente no es del todo positiva y eso no es justo; así que talvez haga unas entradas de historia para contextualizarlos mejor y mirarlos de una manera objetiva y no de esa manera tan fragmentada y parcializada que los medios nos ofrecen de ellos, para intentar dejar de verlos con sospecha y de manera punzante… Es que ellos son forjadores de civilización, eternos, grandes y amables.

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Recomendamos Revisar También
1ª MUESTRA DE CINE IRANÍ y la Filmografía de Abbas Kiarostami

Cabeceras 2ª Muestra de Cine Iraní

Y con estas cabeceras yo termino esta muestra de cine Iraní. En mi corazón queda marcada la poesía de Antonio Machado, Gracias Omar. Siento gratitud con quienes comentaron, por el aporte de Bruz (Km O y 5pm) y muy agradecida por el interés, compañía y por la colaboración de Iván; hasta último momento me apoyó porque la verdad anoche encontré la última película de Mohammed Rasoulof y fue tan dura para mí, que quedé golpeada y no quería continuar publicando nada. Pero bueno hoy me dediqué, logré terminar y pues ahí queda. Ya le pertenece a la cinemateca.

Saludos a todos.

Directores – Terry Gilliam

Terry Vance Gilliam (Medicine Lake, Minnesota, USA - 22 de Noviembre de 1940). Cartunista, Diseñista y Escritor. Actor, Guionista y Director de cine británico. Fue uno de los principales miembros del Monty Python..

Hijo de Beatrice Née Vance y James Hall Gilliam. Su padre era un vendedor ambulante antes de convertirse en carpintero. Después de pasar su infancia en Minnesota, la familia se muda en 1952 a un barrio de Los Ángeles.
Estudió en la escuela secundaria Birmingham, graduandose con altas calificaciones. Desde niño se habia interesado y desarrollado habilidades para el dibujo y el diseño. En la adolescencia fue fanático de la Revista MAD, lo cual termina influenciando en su posterior trabajo. Estudió Ciencias Políticas en el Occidental College de California, mientras continuaba desarrollando su afición como cartunista. Al graduarse envió copias de su trabajo al maestro Harvey Kurtzman en Nueva York, creador de MAD, pero que entonces dirigía la revista “Help!”. Quedó impresionado con sus diseños, y cuando surgió un cupo, Gilliam tomó el puesto y pasó los próximos tres años escribiendo, diseñando y dibujando, pero le pagaban muy poco. Así que lo dejó cuando fue llamado al servicio militar. Se incorporó a la Guardia Nacional durante unos meses y al salir, se fue a Europa a viajar como mochilero. Por algún tiempo trabajó como dibujante en París. Gilliam regresó a América, y se trasladó de vuelta a su casa en Los Angeles, tomando un empleo en una agencia de publicidad.
Corria el final de la década de los 60’a y, “Los EEUU tenían un problema sério de inconformismo". Habia protestas por derechos civiles, Activistas en contra de la guerra de Vietnan y todo tipo de problemas con Drogas. Mientras trabajaba en la agencia de publicidad, compartía domicilio con el periodista británico Roberts Glenys. Y el mundo le dio un vuelco a camino de una fiesta, donde se encontraron con una manifestación en contra del Presidente Lyndon B. Johnson. La policía arremetió contra los manifestantes y Terry llevó su parte yendo a parar a la delegacia, golpeado y sindicado. Su desencanto con los EE.UU lo llevó a abandonar California en 1967 para intentar vida en Inglaterra, abdicando de su nacionalidad (cosa que al fin consiguió completamente en 2006). Se instaló en Londres con Glenys, consiguiendo el cargo de director de arte de una revista llamada “El Londinense”.
Al poco tiempo de estar en Londres, hizo contactos para ingresar al medio Televisivo. Encontró espacio para una o dos cosas que había escrito para un programa de televisión con Michael Palin, Terry Jones y Eric Idle. Luego Gilliam se convirtió en cartunista para otro show llamado “Tenemos maneras de hacerte reír”. Barry Took, un productor británico y experto en medios, incluyó a Gilliam en un nuevo proyecto humoristico que pretendía lanzar. El primer episodio de “El Circo Volador de Monty Python” fue al aire el 5 de octubre de 1969 por la BBC, y Gilliam tenía el rol de cartunista y animador. Se paraba frente a la cámara con montones de cartones pintados para mezclarlos acompañando los efectos de acción y sonido, pero terminó siendo uno de los principales del Programa. Seguía de cerca todo el proceso de los estudios de la BBC. Trabajaba 7 días por semana noches incluidas. Fue un rápido aprendisaje donde hasta hace de escritor y actor (en particular como el cardenal Fang en el Sketch de la Inquisición española). Los Monty Python se convirtieron en una referencia del irónico humor britanico e influyó de manera masiva en el humor contemporaneo de todo el mundo. Su estilo rompió esquemas, siendo importante la crítica social y política teniendo base en lo surreal y absurdo de ciertas situaciones. En ese tiempo Gilliam conoció a su esposa, Maggie Weston, quien estaba encargada del maquillaje del elenco.


El fenómeno "The Monty Python" (en), transcendió el mundo televisivo siendo sus miembros también responsables por la producción de varios largometrajes, el primero de ellos “And Now For Something Completely Different” (1971), dirigido por Ian MacNaughton, donde Gilliam como todo el elenco hacen varios personajes de los Sketchs del Show. En 1975 habiendo acabado el programa en TV, Gilliam co-dirige con Terry Jones la segunda película del grupo: “Monty Python y el Sagrado Grial”. Ganando una valiosa experiencia para posteriormente escribir y dirigir en 1977 “La Bestia del Reino”, una fantasía medieval protagonizada por Michael Palin y John Cleese (de los más influentes miembros del Grupo). Volvió a co-dirigir con Terry Jones otra película de los Monty: “El Sentido de la vida” (1983), Aunque en los años 80’s, Gilliam realmente se desmarca y crea tres películas absolutamente personales, aprofundamdo en lo surreal e imaginario: “Los bandidos del Tiempo” (1981), “Brasil” (1985) y “Las Aventuras del Barón Munchausen” (1989).

El estilo Gilliam es diferenciado desde la puesta en escena. Su fotografía se vuelca a crear una atmósfera surrealista y un mundo fuera de equilibrio. Usa con frecuencia inusuales tiros de cámara desde el suelo, o grandes ángulos zenitales. Crea un mundo alucinante trabajando la casi totalidad de las tomas con rectilíneas lentes de Gran Angular; Va desde los 28 mm de distancia focal, hasta el “Ojo de pescado” -8 mm, como la lente Zeiss empleada en “El imaginario del Doctor Parnassus”- con el fin de lograr un tipo de distorsión extrema de la perspectiva, consiguiendo enfoques profundos con la riqueza de detalles que dan los grandes angulares. Sus guiones transitan por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo como “Los héroes del tiempo” y “Doce Monos”, o, la realidad confundida por los sueños, la fantasía y la imaginación como “Brazil”, “Las Aventuras del Barón Munchausen”, “El Rey Pescador”, “Miedo y Asco en Las Vegas”, “El Imaginario del Doctor Parnassus” y “Un Mundø Conectado”. Sus historias van siempre aderezados con mucho humor e ironía, Y siempre las autoridades son una mierda.

Digno de un estilo muy particular, ha tenido una carrera elogiada por la crítica, pero no todo ha sido un mar de rosas. Luego de gastarse un presupuesto de 46 millones de dólares para la época, “Las Aventuras del Barón Munchausen” se constituyó en un fracazo de billeteria, aumentando aún más la quiebra de Columbia. Y a pesar de anotarse dos exitos en los 90’s (“El Rey Pescador” y “Doce Monos”), tuvo todo tipo de problemas y no pudo llevar a cabo “Los héroes del tiempo 2” y una versión de un cuento de Charles Dickens, ni su tan soñada adaptación de uno de los cuentos de Alan Moore. En 1999 iniciaba el rodaje de “El hombre que mató a Don Quijote”, y tuvo que ser cancelada por otro resto de problemas (al fin la película fue concluida casi 15 años después con probable estreno para 2016). Más recientemente y durante el rodaje de “El imaginario del Doctor Parnassus”, muere el actor principal, Heath Ledger, pero la película concluyó gracias a que todo es válido en el cine de Gilliam. Un director que hace meritos para haberse llevado grandes premios, pero que su estanteria aún permanece vacia... Apenas ha recibido unos cuantos reconocimientos por su trayectoria. (Bruz)
PD: Acomodense que vale la pena, ojalá se animan y también comentan.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes en el Blog)
• 1975 - “ Los Caballeros de la Mesa Cuadrada” - Monty Python and the Holy Grial
• 1977 - “La Bestia del Reino” - Jabberwocky
• 1981 - “Los Ladrones del Tiempo” - Time Bandits
• 1983 - “El Sentido de la Vida” - Monty Python's The Meaning of Life
• 1985 - “Brasil” - Brazil
• 1989 - “Las Aventuras del Barón Munchausen” - The Adventures of Baron Munchausen
• 1991 - “Pescador de Ilusiones” - The Fisher King
• 1995 - “Doce Monos” - Twelve Monkeys
• 1998 - “Pánico y Locura en Las Vegas” - Fear and Loathing in Las Vegas
• 2005 - “Los Hermanos Grimm” - The Brothers Grimm
• 2005 - “Tideland”
• 2009 - ”El Imaginario del Dr Parnassus” - The Imaginarium of Dr Parnassus
• 2013 - “Un Mundø Conectado” - The Zero Theorem
• 2016 - “El Hombre Que Mató a Don Quijote” - The Man Who Killed Don Quixote

5° CICLO DE CINE ORIENTAL

5° CICLO DE CINE ORIENTAL._ En el 4° Ciclo de Cine Oriental alertabamos que de las 13 películas presentadas, nada menos que 8 eran de Corea del Sur, a lo que nuestro amigo "Fer Figueras" clavó en su comentario: "Sin duda que los coreanos estan adelante...". Pero... ¿Será?. Por eso decidimos hacer un "Mano a Mano 8 X 8 y medio" entre la nueva potencia (Corea del Sur) y el pais que con sus producciones le abrió las puertas de occidente al Cine Oriental (Japón). Son apenas algunas películas de nuestro gusto estrenadas entre 2010 y 2014, que de alguna forma han sido notorias o, de autores de culto; por eso iniciamos con una de Kawase y finalizamos con otra de ella. De hecho, casi todos los directores son conocidos, siendo que Hirokazu, Takashi y Ki-duk también mandan con 2. Como malandraje le quisimos dar la ventaja a Japón con un medio metraje de animación. Pero Cabe a Uds diagnosticar y concluir, si el dominicano Figueras tiene la razón (Disculpa Fer por ponerte en medio del meollo). Digan como ven el Cine Oriental y cual creen uds que sea la tendencia. ¿Que nos recomiendan para los Próximos Ciclos?.
Aprovechen para darle una revisada a los 4 Ciclos anteriores. Y seguimos ladillando con el asunto de los comentarios. Solo así sabemos si de verdad vale la pena seguir compartiendo. Comenten meus queridos, que eso mantiene la bagaza. Un Blog donde nadie comenta no merece el esfuerzo para que continue.

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Concluyendo: Intentamos hacer una presentación por renglones para mostrar como vemos el cine japonés y el de corea del sur. Corea insurge, pero el cine japonés es viejo y resiste cualquier embate. El coreano se internacionaliza y es epectáculo, pero como dice Fede, nadie como los japoneses para pintar retratos de época, grandes maestros han tenido. Y en el anime nadie les da la pelea. Resultado: 8 X 8 1/2
Sorpresiva cantitad de downloads ha tenido "Rent-a-neko", así como frías se han quedado las de Miike y las dos de acción coreanas. No me sorprende la cantidad de downloads de Kore-eda, pero igual se están llevando a la Kawase, y como siempre Kim tiene sus incondicionales. Ya tenemos suficiente material para el 6° Ciclo, y debo agradecer a los amigos que comentan, en especial a Sonia y Nury, que creo se las vieron todas. Cuando la gente responde comentando, nos dan ganas de seguir postando.
Sería interesante que Uds también dejen sus conclusiones o impresiones. Para eso es este Blog. El que se puedan bajar las películas, es apenas un detalle.

POSTER 5° CICLO DE CINE ORIENTAL

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RIP RapidShare

NOTA: Ya todos deben haberse enterado, pero este 31 de Marzo se apagará de la red el site de Rapidshare. Quien quiera informarse puede ver Libertad Digital INTERNET. Parece que el cierre es devido a que el negocio no funcionó al verse obligados a retirar el material que violaba el derecho de Copyright y "Prestar servicio decente"...
Los problemas comenzaron hace mucho como pueden leer Cierre de Rapidshare????. No le pararon muchas pelotas, pero luego del cierre de Megaupload por el FBI, la situación se tornó complicada. Otros desaparecieron por su propia cuenta como Fileserver o Filejungle, siendo que Hotfile cerró por presiones judiciales. Aún hay varias alternativas que no sabemos hasta cuando durarán. Puedes verlas aqui junto con la Nota de JDownloader.
Asi pues, se va el servicio más viejo para compartir archivos en la red. Ya llevaba 12 años funcionando y comenzamos con ellos. Por eso Nuestro "Boton de Descarga" muda para una "versión retró" en homenaje a quien se nos va. R.I.P. Rapidshare.

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