Cannes 2011. Un Certain Regard

64 Festival de Cannes 2011
Cannes siempre me pareció extraño por el poco acceso a las películas que teníamos, pero ahora con internet la cosa es mucho más fácil. Mismo así, hasta cierto punto me sigue pareciendo extraño por la variabilidad de la premiación y hasta por ciertas “raresas” que muchas veces se llevan los premios.
Este año "la cosa" pegó más leve y hay cierta coherencia con respecto a la premiación. Las cosas raras como “Sleeping Beauty” fueron dejadas de lado y no hubo nombre que valiese, como Pedro Almodovar, para que “Pieles como habitáculos", dieran algún revuelo.
A petición de varios usuarios, iremos haciendo este post más o menos en el formato de los ganadores que aparecen en FILMAFFINITY , a medida que vayan apareciendo por la web. (Bruz)

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EL ARBOL DE LA VIDA
PALMA DE ORO 2011
Reflexión sobre el existencialismo realizada por el mismo director de “La Delgada Línea Roja”. Podrá ser considerada una obra prima extraordinaria o un viaje visionario y sobrecojedor, pero también puede caer pretenciosa y tediosa.

AÑO: 2011     DURACIÓN: 139 min.     PAÍS: USA.
DIRECTOR: Terrence Malick
GUIÓN: Terrence Malick
ELENCO: Brad Pitt, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Sean Penn, Laramie Eppler, Tye Sheridan, Fiona Shaw, Crystal Mantecon, Pell James, Joanna Going, Kari Matchett, Michael Showers.
FICHA COMPLETA EN: FILMAFFINITY

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The Tree of Life (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / BRrip > rmvb
617 Mb en 3 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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EL NIÑO DE LA BICICLETA
GRAN PREMIO DEL JURADO. Compartido con “Era una vez en Anatolia”
Los Hermanos Dardene más una vez consiguieron conquistar un galardón con una obra preciosista, enmarcada en las más puras emociones del queacer humano.

AÑO: 2011     DURACIÓN: 87 min.     PAÍS: Belgica.
DIRECTOR: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
GUIÓN: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
ELENCO: Cécile De France, Thomas Doret, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione, Egon Di Mateo, Olivier Gourmet.
FICHA COMPLETA EN: FILMAFFINITY

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Le Gamin au Vélo (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
389 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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ERA UNA VEZ EN ANATOLIA
GRAN PREMIO DEL JURADO. Compartido con “El Niño de la Bicicleta”
Ganadora del premio a Mejor dirección en los APSA, compartio el Premio de Mejor película em Cannes com El niño de la Bicicleta..

AÑO: 2011     DURACIÓN: 157 min.     PAÍS: Turquia.
DIRECTOR: Nuri Bilge Ceylan
GUIÓN: Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan, Ercan Kesal
ELENCO: Muhammet Uzuner, Yilmaz Erdogan, Taner Birsel, Ahmet Mumtaz Taylan, Firat Tanis, Ercan Kesal.
FICHA COMPLETA EN: FILMAFFINITY

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Bir Zamanlar Anadolu'da (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
547 Mb en 3 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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DRIVE
PREMIO AL MEJOR DIRECTOR.
Por su trilogía “Pusher”, ha sido considerado como un provable director de culto en desarrollo, por eso no sorprende la premiación. Refn hace de Drive una especie de filme Noir moderno, sugestivo y hasta estremecedor.

AÑO: 2011     DURACIÓN: 100 min.     PAÍS: USA.
DIRECTOR: Nicolas Winding Refn
GUIÓN: Hossein Amini (Novela: James Sallis)
ELENCO: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Christina Hendricks, Bryan Cranston, Oscar Isaac, Albert Brooks, Tina Huang, Joe Pingue, Christian Cage, James Biberi.
FICHA COMPLETA EN: FILMAFFINITY

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Drive (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / SCRrip > rmvb
380 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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EL ARTISTA
PREMIO AL MEJOR ACTOR.
Película Nostalgica en Blanco y Negro y sin dialogos que anda arrasando premios en Festivales y academias. Fuerte candidata al Oscar..

AÑO: 2011     DURACIÓN: 100 min.     PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Michel Hazanavicius
GUIÓN: Michel Hazanavicius
ELENCO: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell, Joel Murray, Ed Lauter, Beth Grant, Bitsie Tulloch, Ken Davitian.
FICHA COMPLETA EN: FILMAFFINITY

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The Artist (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
350 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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MELANCOLÍA
PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ.
Para unos, obra maestra donde el director enjuaga sus tormentos; para otros, una forma tediosa de conciliar el sueño. Para mi, Von Trier está demasiado sobrevaluado.

AÑO: 2011     DURACIÓN: 136 min.     PAÍS: Dinamarca.
DIRECTOR: Lars von Trier
GUIÓN: Lars von Trier
ELENCO: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, Alexander Skarsgård, Stellan Skarsgård, Udo Kier, John Hurt, Brady Corbet.
FICHA COMPLETA EN: FILMAFFINITY

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Melancholia (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
510 Mb en 3 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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ELENA
Un Certain Regard: Premio Especial del Jurado.
Cuando digo que Cannes es raro no es juego, este es uno de los premios de consolación. Vale por la actuación de la Markina, a quien debieron darle el premio principal en vez de a la Dunst.

AÑO: 2011     DURACIÓN: 109 min.     PAÍS: Rusia.
DIRECTOR: Andrei Zvyagintsev
GUIÓN: Oleg Negin
ELENCO: Andrey Smirnov, Nadezhda Markina, Elena Lyadova.
FICHA COMPLETA EN: FILMAFFINITY

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Elena (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
411 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Directores – Stanley Kubrick

Stanley Kubrick (New York, USA, 26 de Julio de 1928). Fotógrafo, Guionista, Productor, y Director de Cine. Uno de los más influyentes cineastas del siglo XX. Ganador del Oscar y el BAFTA. Muere el 7 de Marzo de 1999 (a la edad de 70 años) en Harpenden, Hertfordshire, UK.

Nació en el barrio del Bronx en Nueva York, en el seno de una familia de clase media-alta de origen judío. Desde muy joven fue aficionado por la fotografía que practicaba con una cámara réflex. A los 18 años de edad entrar a trabajar como pasante en la Revista Look, donde tuvo la oportunidad de mostrar servicio en ensayos a personajes del mundo Fashion, pasando a trabajar de manera profesional. En este período, Kubrick frecuentava exibiciones de películas experimentais en el Museu de Arte Moderna de Nueva York, donde conoce el trabajo del diretor Max Ophuls, que utilizaba movimientos de cámara que más tarde influenciarón su propio estilo cinematográfico. Cuando Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Sergéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el segundo por su técnica de montaje.
En 1951 comienza a hacer micro-documentales de manera independiente para el noticiero “The March of Time”. Motivado por el suceso en su nuevo emprendimiento, Kubrick deja su trabajo en la revista Look y se dedica de cuerpo y alma a las filmaciones y montajes. Obtuvo financiamiento de la RKO pictures para el documental “Flying Padre”. Luego consigue el encargo de la pieza “The Seafarers”(Primer trabajo a colores), para la promoción de Seafarers Union. Su primera película de ficción fue “Fear and Desire” (1953), realizada con 13,000 dólares obtenidos con préstamos familiares. El film trata de un pelotón de soldados perdidos tras las líneas enemigas. Kubrick y su esposa Toba Metz era todo el equipo de filmación (se separaron al terminarla). Mismo que obtuvo buena crítica, la película no rindió los lucros esperados. El director luego la consideraría obra amateur e intentó eliminar todas las copias existententes.
Con lo que quedó de “Fear and Desire”, financía parte de su siguiente trabajo, “El beso del asesino” (1955), con presupuesto de 40,000 dólares, trata sobre un boxeador en final de carrera que se envuelve con la mafia. En la filmación conoce a quien sería su segunda esposa, Ruth Sobotka. Mismo contando con pocos medios, el trabajo de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la NBC. Kubrick y Harris se asociaron y de su unión surgió “Atraco Perfecto” (1956), su primer gran filme con un presupuesto de 320.000 U$ y un reparto con importantes actores de Hollywood. Partiendo de una novela de Lionel White y un guion de Jim Thompson, que relata la historia del atraco a un hipódromo. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick supuso una innovación para la época. En esta película se empiezan a sentar las bases del trabajo del director: la lucha de un antihéroe enfrentado al mundo y su conflictivo final.
“Atraco Perfecto” atrajo la atención de algunos personajes de Hollywood como Dore Schary, el jefe de producción de MGM. Entre ellos también se encontraba Kirk Douglas, que firmó con Harris-Kubrick un contrato para cinco películas. La primera de ellas “Senderos de Gloria” (1957), interpretada por el propio Douglas haciendo el papel del coronel Dax. En el rodaje de la película conocería a Christiane Harlan, que en los créditos aparece como Susanne Christian, y se convertiría en su tercera y última esposa. El siguiente trabajo fue junto a Marlon Brando en la preproducción de “El rostro impenetrable“ (1961), aunque sería despedido por desavenencias con el actor, quien terminó dirigiendo la película. Por su vez Kirk Douglas entró en conflicto con Anthony Mann, con quien estaba filmando “Spartacus”, y como era productor ejecutivo, llamó a Kubrick para que se encargara del proyecto. Kubrick aceptó de inmediato y el resultado lo catapultaría gracias a éxito en taquilla y premios. Pero el director quedó asqueado con todos los rollos que hubo en su producción. En adelante buscaría la forma de contar con el dinero de Hollywood sin abrir mano de producciones independientes.
Stanley Kubrick es considerado como uno de los cineastas más influyentes de la historia. Dueño de una aclamada y muchas veces considerada controversial filmografía de apenas 13 títulos, algunos de los cuales son tratados como obras maestras o Joyas del septimo arte. Sus películas atacan una diversidad de temas, abordando vários géneros donde el factor común es la existencia de un fuerte confronto o guerra abierta de por medio. Después de alcanzar fama, nunca más se importó con el tiempo. Sus películas tornaronse un lento proceso de trabajo, realizado con gran meticulosidad, sobretodo, con las espectaculares bandas sonoras montadas con la paciencia de un juego de ajedrez (del cual fue un apasionado). Director perfeccionista y de fuerte caracter, se volvió un hombre bisoño que no daba entrevistas, llegando a no saberse nada de su vida particular.
En 1962 se muda para Inglaterra - donde viviría hasta el resto de sus días - y filma “Lolita”, obra basada en el considerado obsceno libro de Vladimir Nabokov, donde se desdobla la vida sexual de una adolescente atraida por hombres más viejos, ocasionandole serios problemas con la censura. Su siguiente película “Dr Strangelove” (1964), basada en la novela “Red Alert” de Peter George, Resultó en otro rollo para Kubrick, ya que la Columbia Pictures también financiaban un proyecto similar de Sidney Lumet. Kubrick ganó la guerra particular, estrenó primero, y la película se convirtió en obra de Culto. Pasa 5 años desarrollando su próximo proyecto, que según él, sería una grandiosa y “proverbial” obra de ficción científica. Filmada con Super-Panavision 70 mm, y basada en el libro “El Sentinela” de Arthur C, Clark (el guión fue realizado por Clark y Kubrick), “2001: Una odisea del Espacio” se construye en varias partes con un enigma, un viaje estelar y un viaje psicodelico por el existencialismo. El director trabajó con la meticulosidad y perfeccionismo cada detalle, llegando a cambiar la banda sonora original a última hora, por un dechado de música clásica que le cae a la perfección. Es un film totalmente atemporal que si fuera lanzado hoy, rompería todos los records de taquilla y seguramente de aqui a 100 años sera más recordada que Avatar, Titanic y todos los sucesos de la actualidad. Cuestionado sobre el significado de la película, Kubrick declaró: “Prefiero no discernir sobre un asunto que es muy subjetivo, y que varia de espectador para espectador. En ese sentido, la película es lo que cada quien quiera ver. Si mezcla emociones y penetra en el subconciente colectivo, estimulando impulsos y creencias espirituales, entonces he cumplido el objetivo”. Allí es donde alcanza el grado de genio.
Después de lo trabajoso de “2001”, Kubrick quiso realizar un proyecto de bajo presupuesto que pudiera filmar rápido en Londres. Entonces dio de cara con el libro “Naranja Mecánica” de Anthony Burguess, que trata sobre un ambiente futurista caótico de una inglaterra influenciada por el socialismo sovietico. Con fuerte carga de violencia, la película enfrentó serios problemas con la censura, lo cual aumentó después de haberse tornado fuente de inspiración para diversidad de grupos violentos al rededor del mundo. Tan así, que Kubrick después sintió arrepentiemiento por este hecho, mismo considarada por muchos como obra maestra. En 1975, se decide por una historia de época, basada en el libro “Las Aventuras de Barry Lyndon” de Willian Makepeace. Obtiene un resultado que deja dividida la crítica. Unos piensan que es una película tediosa, fría e inexpresiva, otros la consideran una obra madura. Aunque obtuvo 7 indicaciones a los Oscares, “Barry Lyndon” fue un fracaso de taquilla en USA.
Entonces diminuyó el ritmo de vez. Pasaron 5 años hasta incursionar en una obra de horror. Basada en el Best Seller “El Resplandor” (1980) de Stephen King, y con magistral actuación de Jack Nicholson, Kubrick crea su obra maestra del Suspenso y entra en la era de la Steady-Cam, filmando casi todas las escenas claustrofóbicas de interiores con ese recurso que permite al operador moverse junto con la cámara. Alli el perfeccionismo de Kubrick llegó al límite repitiendo la misma escena decenas de veces, llegando a utilizar más de 1 millón de m. de film en el rodaje. El retorno financiero fue enorme, y hoy es considera una de las más famosas Cult-Movies del Cine de Terror. Se pasaron más 7 años hasta que por insistencia de la Warner, Kubrick se interese en plasmar la guerra de la forma que ella es, sin ningún tipo de referencia política. Basada en el libro “The Short Timers” de Gustav Hasford. “Nacido para Matar” (1987), es dividida en tres actos donde el director hace gala de toda su experiencia en el manejo de planos fílmicos y actores. Fue rodada completamente en Inglaterra, lo que supuso más un desafío técnico alcanzado con esmero. Y cuando parecía que no habría más Kubrick, eis que atrae la pareja joven del momento, Tom Cruisse y Nicole Kidman, para un drama romántico, donde la lujuria está presente en medio de sociedades secretas donde se rinde culto a practicas oscuras. Como Kubrick hizo que el rodaje fuera un secreto, la película ya enfrentaba problemas con la censura sin saberse nada de ella. "Ojor bien Cerrados" (1999), tuvo su primera exibición privada para la familia, ejecutivos de Warner y el eleco. 4 días después, Kubrick sufre un ataque Cardíaco que lo fulmina a la edad de 70 años.
Stanley Kubrick deja una obra tan controversa, que muchos consideran sus películas como perversas, cargadas de un clima pesimista, odio e ironía; mientras tanto otros, ven en ellas un cauteloso y subliminar optimismo. Júzguelo Ud. También.

FILMOGRAFÍA: LARGOMETRAJES (En negritas, a ser publicadas en el Blog)
• 1953 - “Fear and Desire“
• 1955 - “El beso del Asesino“ aka Killer's Kiss
• 1956 - “Atraco Perfecto“ aka The Killing - Casta de malditos
• 1957 - “Senderos de Gloria“ aka Paths of Glory- Patrulla infernal
• 1960 - “Espartaco“ aka Spartacus
• 1962 - “Lolita“
• 1964 - “Dr. Strangelove“ aka Teléfono rojo. Volamos hacia Moscú
• 1968 - “2001: Una Odisea del Espacio“ aka 2001: A Space Odyssey
• 1971 - “Naranja Mecánica“ aka A Clockwork Orange
• 1975 - “Barry Lyndon“
• 1980 - “El Resplandor“ aka The Shining
• 1987 - “Nacido para Matar“ aka Full Metal Jacket - La chaqueta metálica
• 1999 - “Ojos bien cerrados“ aka Eyes Wide Shut

Directores – William Friedkin

William Friedkin (Chicago - USA, 29 de Agosto de 1936). Guionista, Productor y Director de Cine y Televisión. Ganador del Oscar y del Globo de Oro (2 veces).

A inicios de los 70’s, conformó junto a Coppola, Scorsese y De Palma, el principal cuarteto de cineastas americanos de esa generación. Pero la historia de William, es uno de estos casos de ascensos vertiginosos que luego sobreviene caída tan estrepitosa que solo queda conjeturar.
Su gusto por el cine lo llevó a trabajar en la Televisión, donde llegó a dirigir teleseriados y hasta un episodio de “Alfred Hichtcok Presenta”. En lo que pudo se marcha a Hollywood, donde estrena con “Good Times”, una comedia con los cantantes populares Cher y Sonny en parodias del acontecer de la época. Le siguieron más dos comedias y una película dramática de porte homosexual que poco cuaja. Cuando le ofrecieron para adaptar la novela de Robin Moore, Friedkin se aferra al proyecto y monta un trabuco en el elenco y en la dirección técnica. “The French Connection” viaja en la estela neorrealista de “Midnight Cowboy”, ganadora de 3 oscares en 69, y presenta una Manhattan escrota y encardida. Gene Hackman se luce como Popeye Doyle en una de sus más fastanticas actuaciones. Bajo la dirección cinematográfica de Owen Roizman, la cámara se mueve a placer y el rodaje crea la más antológica de las persecuciones del cine. Mientras eso, Fernando Rey desborda Charm em um montaje espectacular donde los malos no son tan malos y los Buenos casi son criminales. Nominada a 7 oscares, arrasa com 5 y eleva al desconocido director a niveles de superstar.
Brillar una vez hasta que no es sorprendente, pero al año siguiente toma un proyecto totalmente diferente, muda del policial para el terror y realiza su obra maestra. Fue el propio William Blatty que después de ver la acción de “French Connection”, quiso que el mismo director imprimiese realismo en su obra sobrenatural basada en hechos reales. Es la acción en creciendo, es el cague que provoca la Blair, es el pasmo de Max Von Sydon, el constante zumbido de abejas y el hedor que trasciende la tela. No se trata de la fantasía habitual del género del terror. El guión es tan bien planteado que todo parece que pasa realmente con el espectador. "El Exorcista" fue indicada a 9 Oscares y solo se llevó 2. Dicen las malas lenguas que Friedkin se volvió arrogante y la academia no perdona. Su siguiente película - “Sorcerer” - demoró para salir hasta 1977. Fue un remake de una película francesa que para colmo era larga y, los distribuidores mandaron a cortarla perdiendo la esencia. Fracaso de billetería que se sucedió a otro fracaso al año siguiente con “The Brink’s Job” con todo y Peter Falk. En 1980 intenta la recuperación con Al Pacino, volviendo al genero policial en “Cruising”, película interesante que presentamos en esta muestra, pero las fichas de Friedkin ya estaban devaluadas.
Le siguieron cintas irregulares, la vuelta a dirigir televisión y otros periodos de depresión. Salvamos otras dos policiales que presentamos a Uds: “To Live and Die in L.A.” y “Jade”, dos Films que gozan de lampejos de brillantés, pero no fueron suficiente para alavancar de nuevo la carrera. “The Hunted”, es una película bastante entretenida, pero remedo de otras producciones genéricas. Muy poco para quien llegó a ser considerado como el más promisor director de la industria de Hollywood. Por último agregamos la más reciente producción. "Killer Joe" es sordida, cruel, noir. Muy poco para quien ya escandalizó Hollywood, pero sirve para mostrarnos a un Matthew McConaughey de estilo implacable rayando la loquera. Disfruten pues, de todo esto de Friedkin, que aún esperamos más una para ver si sorprende de nuevo.

Directores – Jean-Jacques Annaud

Jean-Jacques Annaud (Draveil, Essonne, Île-de-France, - Francia, 01 de Octubre de 1943). Escritor, Productor, y Director de Cine. Realizador francés de Grandes Producciones. Ganador del Oscar con su Ópera Prima.

Nacido en el seno de una familia Modesta, vive su infancia a unos 20 Km de Paris. Muestra desde temprana edad gusto por el cine y las letras. En su juventud sientre la atracción por el cine de Jean Renoir, lo que lleva a su madre a matricularlo en la prestigiosa escuela de cine “Institut des Hautes Études Cinématographiques” en Paris. Portesriormente, también estudiría literatura en la Sorvona. Tras graduarse en el IDHEC en 1964, empezó a trabajar en cine publicitario y luego se enrola en el ejercito, y marcha a Cameun como Director de Cine adjunto a las Fuerzas Armadas Francesas. En Camerun el joven Jean-Jacques comienza a rodearse de nuevos y desencontrados sentimientos. Ve la desigualdad imperante en el colonialismo. Pero principalmente obtiene experiencia en la filmación del calor africano y de gente diferente.
De vuelta a la vida civil se junta con el escritor George Conchon, para crear el guión de “La Victoria en Chantant” (1976), la cual realiza de vuelta a Camerum donde ya había visualizado locaciones. La película obtiene el Oscar 1978 a la mejor película no Anglófona, siendo relanzada con el nombre de “Blanco y Negro en Colores”. En 1979 estrena una comedia menos ambiciosa “El Cabezaso”, sobre un jugador de futbol que anda siempre metido en problemas. Pero ya con el prestigio aumentado, Jean-Jacques impone el cielo como límite.
En cuanto a locaciones fílmicas y temática, es el director francés más universal y ecléctico conocido (y no se si haya otro igual en el mundo). Ha conseguido conjurar el cine arte con el cine comercial. Cuenta siempre historias del pasado, ya sea la segunda o primera guerra mundial, el siglo XIX, la época medieval, 10.000 u 80.000 A.C., donde siempre hay un enfrentamiento. Lo que importa para Annaud es el desafío de lo dificil. Son apenas 10 películas, pero ha demostrado maestría técnica al dirigir grandes y fantásticas producciones, saliendo siempre airoso, aunque no haya agradado a la crítica en sus últimos trabajos. Es tachado de Perfeccionista y gusta de conducir todas las etapas de la formación de una película. Su fuerte caracter lo ha llevado a tener serios problemas con la prensa y con productoras.
(editando)

FILMOGRAFÍA: LARGOMETRAJES (En negritas, las publicadas en el Blog)
• 1976 - “Blanco y negro en color“ aka La victoire en chantant
• 1978 - “El cabezazo“ aka Coup de tête
• 1981 - “La Guerre du feu“ aka
• 1986 - “El nombre de la rosa“ aka
• 1988 - “El oso“ aka
• 1991 - “El amante“ aka
• 1995 - “Las alas del coraje“- Wings of Courage (Mediometraje)
• 1997 - “Siete años en el Tibet“ aka
• 2000 - “Enemigo a las puertas “ aka
• 2004 - “Dos hermanos“ aka
• 2007 - “Su majestad Minor“ aka Sa Majesté Minor
• 2011 - “Black Gold“ aka

Preambulo FESTIFrancia (2006-2010)

19 de Oct de 2011._ Montar una muestra de cine de Francia, es una tarea muy dura por la amplia producción del cine galo. Si pedimos opinión a un grupo, obtendremos una variada selección que nunca llegará a un consenso gracias a los gustos dispares de cada uno. Por eso, busqué conformar una lista entre las premiadas en Festivales y las de mejores notas referenciales en sites especializados. También recibí e-mails de usuarios con algunas indicaciones que fueron tomadas en cuenta, como al amigo Eduardo de Colombia, quien acotó que Resnais tenía dos films en ese período, y valdría la pena hacer mención a su nombre por sus más de 60 años en el cine. Pues bien, aqui vamos con el 1° FESTIVAL DE CINE FRANCES - FESTIFrancia -, con nuestra lista de las mejores 20 películas del 2006-2010, más 2 de Alain Resnais en su homenaje, y más 5 - refritas - indicadas por mi.

En su inicio, Resnais formó parte de la "Nouvelle Vague", pero su cine siempre supo adaptarse a su época. Entre sus cintas más destacadas cito: “Noche y Niebla” (1955), “Hiroshima, Mom Amour” (1959), “El año Pasado en Mariembad” (1961), “Muriel” (1963), “Providence” (1977), “El Amor ha Muerto” (1984), “Smoking, No Smoking” (1993) y “Amores Parisinos” (1997).
El FESTIFrancia abre con “Asuntos Privados en Lugares Públicos” (2006) y cierra con la deliciosa “Hierbas Salvajes” (2009), de Resnais, de quien ya estamos esperando “Vous n’avez encore rien vu”, con estreno previsto para 2012.
EPILOGO: 31 de Oct de 2011._ Empesamos este FESTIFrancia con un post de Medianoche y Resnais. 12 días después, Terminamos con otro post de medianoche y Resnais. Si hubiese sido en una cinemateca real, hoy estaría cansado y exhausto. Pero como todo es muy virtual... No jodan, igual estoy exhausto!. Pero cumplimos. Allí ahora las arman y las ven cuando quieran. También ofrecemos una Muestra del cine de Resnais dando clic AQUI .
Solo pido lo de siempre: “Comenten”.
Y que siga el cine...

Muestra Alain Resnais

Anexo al FESTIFrancia 2011 (2006-2010 Films)._ La Fotografía al lado es de Resnais y los protagonista de LHF en Cannes 2010, donde le fueron otorgados sendos premios por su obra. Nosotros humildemente le prestamos homenaje dando una muestra de su filmografía, para que sea conocido donde normalmente no llegan sus DVDs. Con Uds, Resnais...

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Van Gogh
Elocuente cortometraje sobre la obra de Van Gogh. Rodado en B&N, habla de color y detalles.

AÑO: 1948
DURACIÓN: 20 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais
GUIÓN: Gaston Diehl, Robert Hessens.
MÚSICA: Jacques Besse.
FOTOGRAFÍA: Henry Ferrand (B&W).
ELENCO: Documental; Voz Claude Dauphin.

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Van Gogh (1948) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
95 Mb en 1 Parte / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Les Statues Meurent Aussi
Fantástico documental realizado junto a Chris Marker, con guión realizado por el própio Marker. Un paseo muy actual por la cultura del hombre, con enfasis sobre la cultura del negro. Indispensable.

AÑO: 1953
DURACIÓN: 30 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais y Chris Marker
GUIÓN: Chris Marker.
MÚSICA: Guy Bernard.
FOTOGRAFÍA: Ghislain Cloquet (B&W).
ELENCO: Documental; Narrador Jean Négroni.

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Les Statues Meurent Aussi (1954) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
185 Mb en 1 Parte / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Nuit et brouillard
Uno de los más crudos relatos sobre los campos de concentración y exterminios nazis ya realizados. Premio Jean Vigo al Mejor Cortometraje; Nominado al BAFTA.

AÑO: 1955
DURACIÓN: 32 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais
GUIÓN: Jean Cayrol.
MÚSICA: Hanns Eisler.
FOTOGRAFÍA: Ghislain Cloquet, Sacha Vierny.
ELENCO: Documental; Narrador: Michel Bouquet. Archivos fotográficos de: Reinhard Heydrich, Heinrich Himmler, Julius Streicher y Adolf Hitler.

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Nuit et brouillard (1955) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
170 Mb en 1 Parte / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Hiroshima Mon Amour
Primer Largometraje de ficción de Resnais. Muy aclamado en su época y a lo largo del tiempo. Materia obligatoria de Cinéfilos. Primera de la trilogía del Recuerdo.

AÑO: 1959
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais
GUIÓN: Marguerite Duras.
MÚSICA: Georges Delerue & Giovanni Fusco.
FOTOGRAFÍA: Sacha Vierny & Takahashi Michio (B&W).
ELENCO: Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Bernard Fresson, Stella Dassas, Pierre Barbaud.

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Hiroshima Mon Amour (1984) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
338 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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L'année dernière à Marienbad
Película muy onírica y barroca, entre el documental y la ficción, entre lo que es y lo que no es y, entre el pasado y el Presente. Materia obligatoria para cinéfilos.

AÑO: 1961
DURACIÓN: 94 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais
GUIÓN: Alain Robbe-Grillet.
MÚSICA: Francis Seyrig.
FOTOGRAFÍA: Sacha Vierny.
ELENCO: Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoeff, Françoise Bertin, Luce Garcia-Ville, Pierre Barbaud.

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L'année dernière à Marienbad (1961) / V.O. - Subtítulos en Español / BRrip > rmvb
373 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Muriel
Tercer largometraje de Resnais y a su vez, Tercero de la trilogía del recuerdo. Es una película muy Resnais, hablando de de Amor y jugando con la condición de sus personajes.

AÑO: 1963
DURACIÓN: 115 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais
GUIÓN: Jean Cayrol.
MÚSICA: Hans Werner Henze.
FOTOGRAFÍA: Sacha Vierny.
ELENCO: Delphine Seyrig, Jean-Pierre Kérien, Nita Klein, Jean-Baptiste Thierrée , Claude Sainval, Laurence Badie, Jean Champion, Martine Vatel, Philippe Laudenbach, Jean Dasté.

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Muriel (1963) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
434 Mb en 3 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Je t'aime je t'aime
Resnais explorando la mente con elementos del conciente y el subconciente. Es una ciencia ficción que más bien parece onírica. En su estreno un fracaso, hoy obra maestra adelantada a su época.

AÑO: 1968
DURACIÓN: 91 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais
GUIÓN: Jacques Sternberg.
MÚSICA: Krzysztof Penderecki.
FOTOGRAFÍA: Jean Boffety.
ELENCO: Claude Rich, Olga Georges-Picot, Anouk Ferjac, Annie Fargue, Bernard Fresson, Yvette Etievant.

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Je t'aime je t'aime (1968) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
318 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Providence
Ganadora de la Espiga de Oro en Valladolid 1978 y 7 Premios Cesar Una película de Resnais diferente. Rodada en Ingles. Un escritor enfermo divaga temas muy humanos entre personajes de una novela.

AÑO: 1977
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais
GUIÓN: David Mercer.
MÚSICA: Miklós Rózsa.
FOTOGRAFÍA: Ricardo Aranovich.
ELENCO: John Gielgud, Dirk Bogarde, Ellen Burstyn, David Warner, Elaine Stritch, Denis Lawson, Samson Fainsilber, Tanya Lopert.

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Providence (1977) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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L'Amour a mort
Resnais habla de Amor, Pasión, Desvarios, Muerte y Resurrección, jugando valores filosóficos y metafísicos para decir amor.

AÑO: 1984
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais
GUIÓN: Jean Gruault.
MÚSICA: Hans Werner Henze.
FOTOGRAFÍA: Sacha Vierny.
ELENCO: Sabine Azéma, Fanny Ardant, Pierre Arditi, André Dussollier, Jean Dasté, Geneviève Mnich, Jean-Claude Weibel, Jean-Claude Weibel.

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L'Amour a mort (1984) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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On Connait la Chanson
Ganadora de 7 Premios Cesar 1998 de 12 nominaciones. Comedia dramática donde los actores interpretan varias canciones del popular francés. Arrojada y éxitosa puesta en escena musical.

AÑO: 1997
DURACIÓN: 120 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Alain Resnais
GUIÓN: Jean-Pierre Bacri & Agnès Jaoui.
MÚSICA: Bruno Fontaine.
FOTOGRAFÍA: Renato Berta.
ELENCO: André Dussollier, Agnés Jaoui, Lambert Wilson, Jean-Pierre Bacri, Pierre Arditi, Sabine Azéma.

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On Connait la Chanson (1997) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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Directores – Christophe Honoré

Christophe Honoré (Carhaix-Bretaña - Francia, 10 de Abril de 1970). Escritor, Productor, Guionista y Director de Cine. Uno de los más interesantes realizadores de cine de autor de la actualidad Francesa.

Nacido en Cartaix en Abril de 1970, pasó su infancia y juventud en la villa de Rostrenen en la Bretaña francesa. Estudia Letras Modernas y cine en la vecina Rennes, y se dedica a escribir novelas juveniles. En 1995 se instala en París donde sigue escribiendo y pasa a colaborar com la revista “Les Cahiers du cinéma“. Em 1997 publica “L'Infamille”, primera novela de ficción, seguida en 1999 por “La Douceur”. Em 1998 presenta su primera pieza de teatro “Les debutantes”, en el marco del Festival de Avignon.
En el año 2000 inicia su periplo por el cine como coguionista junto a Anne Sophie Birot de la comedia juvenil “Les Filles ne savent pas nager”, ópera prima de Anne Sophie. En 2001 estrena tras las cámaras con el cortometraje “Nous deux”, escrito junto a Gilles Taurand. En 2002 da el salto grande para dirigir su propio guión en “17 fois Cécile Cassard”, mostrando estilo en 17 momentos, y narra la historia de una joven que migra después de perder su amor. Ese mismo año dirige para TV “Todos contra Leo”, único romance suyo adaptado por él, donde trata sobre un joven portador del virus del sida.
Christophe Honoré aborda de frente temas complicados que transitan en nuestro día a día, como Homosexualismo, Drogas, Suididio, SIDA, Inciesto, e intrincados secretos y problemas familiares. ¿Cine de autor? Definitivamente Sí. Aunque Honoré divague por una diversidad de caminos y estilos, siempre há buscado sorprender ya sea de manera escandalosa o presentando novedades, como al laureado director Checo-Americano Milos Forman, estelarizando y cantando junto a Catherine Devenue en “Les bien-aimés“ (escogido para encerrar Cannes 2011). Por eso se há tornado uno de los nombres más representativos del cine galo, con una legión de fanáticos que alcanza el mundo entero y esperan con ansiedad nuevas propuestas suyas (en apenas una década ya suma 10 títulos).
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FILMOGRAFÍA: LARGOMETRAJES (En negritas, los publicados en el Blog)
• 2002 - “17 fois Cécile Cassard“ aka Seventeen Times Cecile Cassard
• 2004 - “Ma mère“ aka Mi Madre / My Mother
• 2006 - “Dans Paris“ aka In Paris
• 2007 - “Les chansons d'Amour“ aka Love Songs
• 2008 - “La Belle Personne“ aka The Beautiful Person
• 2009 - “Non ma fille, tu n'iras pas danser“ aka Making Plans for Lena
• 2010 - “Homme au bain“ aka Man at Bath
• 2011 - “Les bien-aimés“ aka Los Bien Amados

1° MUESTRA DE CINE IRANÍ

1° MUESTRA DE CINE IRANÍ._
2 de Septiembre, PROLOGO: Hace un tiempo comencé a buscar material para hacer una Muestra de “Cine del Medio Oriente”, y encontré muchas películas de Irán galardonadas en Importantes festivales y evaluaciones en IMDb por encima de los 7 Puntos. Tomé en cuenta que desconocía destacados directores de la actualidad como: Asghar Farhadi, Jafar Panahi, Majid Majidi , Bahman Ghobadi y el Clan Malkhmanbaf, entre otros.
Hice una recopilación de 10 películas de la última década, que rápidamente engordó para 15. Quiero disfrutarlas para conocer más sobre ese cine en Farsi (lengua hablada en el actual Irán, derivada del Persa).
Cuando escribo estas líneas, no he visto ninguna ni se de que tratan; Apenas tengo una larga lista de links para bajar, adecuarle los subtítulos, pasarlas a RMVB y verlas para poder emitir opinión. Espero que algunos amigos de este Blog, quieran acompañar los próximos días a esta aventura por el cine contemporáneo de Irán. También espero que emitan sus comentarios. Es la forma con que pueden compensar este esfuerzo.
La Producción de cine iraní es impresionante. Echenle una ojeada al site IranProud

28 de Septiembre, EPILOGO: Con "Nadie Sabe Nada de Gatos Persas" encerramos esta Muestra de Cine Iraní, que inició alla abajo el 2 de Septiembre com "A Proposito de Elly". Al final fueron apareciendo otras y otras y la lista engrosó para 25 películas, que junto con la Filmografía de Kiarostami, fueron casi 40 producciones en Farsi, en una inyección al cerebro de cultura Persa en estos dos meses. No conocía nada a excepción de 3 del maestro Abbas, pero ahora sé porque el cine iraní tiene su fama. Sé que varios amigos del Blog se las están llevado. Espero que las disfruten y que comenten. Por mi parte recomiendo seguir de cerca lo que hagan Farhadi y Ghobadi.

Mira también 2° MUESTRA DE CINE IRANÍ

Directores - Abbas Kiarostami

Abbas Kiarostami (Teherán - Irán, 22 de junio de 1940), Artista Plástico, Fotógrafo, Productor, Guionista, Documentalista y Director de Cine. Ganador de la Palma de Oro (1997). Muere en Paris, France, el 4 de Julio de 2016 a los 76 años.

Nacido en Teherán en junio de 1940, Abbas Kiarostami demostró un temprano talento por las artes plásticas, llegando a ganar un premio de pintura a la edad de 18 años. Ese interés lo lleva a matricularse en el curso de Diseño e Ilustración en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Teheran, trabajando como fiscal de transito para mantenerse. Obtiene la licenciatura en 1962 y pasa a desempeñarse como Diseñador e ilustrador para la TV iraniana. Al final de los 60s lo tenemos trampando en publicidad (llegando a acumular una experiencia de 150 campañas), hasta la realización de afiches, ilustraciones y diseños para películas, siendo sus primeros créditos en IMDb con el film “Gheysar” (1969) Masoud Kimiai.
En 1969 es convidado a crear el Departamento Cinematográfico del Instituto de Desarrollo Intelectual de Niños y Adolecentes, el cual funda con un amigo y pronto se convierte en uno de los más prestigiosos estudios de Irán. Allí comenzó su carrera de cineasta a los 30 años de edad, con el cortometraje “El Pan y el Callejón” [Nan Va Koutcheh] (1970). Le siguieron otros cortos, siendo su primer largometraje de ficción, “El Viajero” [Mossafer] (1974), donde construye una brillante parábola sobre un chico que abandona su alde natal, y viaja 500 km para ver un juego de futbol en Teheran. Durante los años 70s y 80s, el trabajo de Kiarostami se centra sobre todo en el campo del documental, donde se destaca por la visión realista que oferecia sobre la sociedad iraniana. Kiarostami pregaba qué: "El cine es la historia de la distancia entre el ser real y el ser ideal".
La película que lo proyectaría a nível internacional es, “¿Donde está la casa de mi amigo?” [Khane-ye Doust Kodjast?] (1987), Historia de un niño de una aldea pobre, que huye de casa para devolverle un cuaderno a un compañero. Premiado en Teheran como Mejor Director en el Festival de cine de Fajr (1987), le vale invitación al Festival de Locarno (1989), donde la película se lleva “El Leopardo d'Bronze” por la interpretación de Adam Kamien, además de obtener el Premio FIPRESCCI y Mención Especial del jurado Ecuménico. A partir de allí, comienza a ser invitado en diversos festivales.
Su estilo propio y particular tiende al minimalismo. Kiarostami dice: "El director debe apenas suministrar una historia lineal y el espectador sacar sus conclusiones". Inspirase en el Neorrealismo Italiano, realizando un cine muy natural, casi coloquial. Evita utilizar recursos artificiales para adornar el mensaje, basando su discurso en actores y guión. Muy a menudo mezcla realidad y ficción en un juego de reciprocidades que conducen a la ambigüedad. El sonido directo, la falta de música y los silencios prolongados, son también características del cine de Kiarostami, donde el éxito radica en perfectos encuadres y dialogos acertados, haciendo que la trama fluya y fije el interés del espectador. Es habil en el trabajo con niños y sus escenas dentro del carro, son casi su marca personal así como sus lentes oscuros.
Después del exito de Locarno, y en un abrir y cerrar de ojos siguieron: “Close up” (1990); “Y la vida continúa” (1992), y “A través de los olivos” (1994). En 1995 Kiarostami ya es una referencia, lo cual le vale invitaciones a participar de “Lumiere y Compañia” y “À propos de Nice, la suite”, com sendos segmentos. Ese año también fue productor de “El Balón Blanco” (1995), un guión suyo, con la que Jafar Panahi obtuvo el premio de Camara de Oro en el Festival de Cannes (mejor ópera prima). Su consagración definitiva viene con “El sabor de las cerezas”[Ta'm e guilass] (1997), Palma de Oro del Festival de Cannes, y Dos años después, “El Viento nos Llevará” [Bad Ma Ra Khahad Bord] (1999), Obtiene el Gran premio del jurado en el Festival de Venecia, además del Premio FIPRESCCI y de Mejor Película.

FILMOGRAFÍA: LARGOMETRAJES (En negritas, los publicados en el Blog)
• 1973 - “The Experience“ [Tadjrebeh ]
• 1974 - “The Traveler” [Mossafer]
• 1976 - “A Suit for Wedding“ [Lebassi Baraye Arossi]
• 1984 - “First Graders“ [Avaliha] (Documental)
• 1987 - “¿Dónde está la casa de mi amigo?“ [Khane-ye doust kodjast?]
• 1990 - “Primer Plano“ [Nema-ye Nazdik] aka Close-Up
• 1992 - “Y la Vida continua“ [Zendegi va digar hich]
• 1994 - “A través de los olivos“ [Zire darakhatan zeyton]
• 1995 – “À propos de Nice, la suite” (segmento "Repérages")
• 1995 - “Lumière y compañia“ (Lumière et compagnie)
• 1997 - “El sabor de las cerezas“ [Ta'm e guilass] aka Taste of Cherry
• 1999 - “El viento nos llevará“ [Bad ma ra khahad bord]
• 2001 - “ABC África“ (Documental)
• 2002 - “Diez“ (Ten)
• 2003 - “Five“ (Documental)
• 2004 - “10 on Ten“ (Documental)
• 2005 - “Tickets“
• 2007 - “A cada uno su cine“ (Chacun son cinéma ou Ce petit coup au coeur quand la lumière s'éteint et que le film commence) Segmento
• 2008 - “Shirin“
• 2010 - “Copia Certificada“ (Copie Conforme)
• 2012 - “The End“

2° CICLO DE CINE ORIENTAL

2 CICLO DE CINE ORIENTAL._ El "1° CICLO DE CINE ORIENTAL" se tornó de las páginas más visitadas de este Blog. Estamos de vuelta con otras 17 películas del lejano oriente, de donde nos llegan fantásticas producciones o apenas geniales historias bien contadas. La idea es mostrar diversidad de estilos y temas. Nuestra base serán las premiadas en últimas ediciones de los “Asian Film Awards”, "Asia Pacific Screen Awards" y ganadoras de premios en otros Festivales mundo afuera, o las que simplemente vi y me parecieron buenas. Presentaremos 2 de Lee Chang-dong, otro de los buenos muchachotes Coreanos; Iremos a China atras de “Red Cliff I y II”, superproducciones del medio occidental John Woo; Intentaremos desvendar como coño “Tio Boonme...”; Los Japoneses y su culto a

la muerte, a la venganza, los Samurais y el sangrero de Sono; Veremos si Brillante sigue en la misma; Será Stephane Gauger Vietnamita?, Porque Tran Anh Hung si lo es, y se lanza un corintellado Japones.
En medio del Ciclo se colocó una encuesta durante 20 días, para que los usuarios del Blog escogieran la mejor Asiatica del 2010. "Confessions" de cara tomó la punta y fue la más votada. "13 Assassins" reaccionó al final pero no llegó. Mi Preferida "Poesía" quedó de tercera en la encuesta.
En Diciembre tendremos un 3° Ciclo Oriental para reforzar algunos directores ya publicados. Deja comentarios en los post de las películas. No queremos agradecimientos, queremos tu opinión sobre el film... Y que siga el cine.

Vea Tanbién 1° CICLO DE CINE ORIENTAL

Directores – Sidney Lumet

Sidney Lumet (Filadelfia, EEUU, 25 de junio de 1924), Guionista, Productor y Director de Cine. Ganador del Oso de Oro (1957), el Globo de Oro (1976) y nominado 5 veces al Oscar el cual le fue otorgado en (2004) de manera Honorífica. Murió en Nueva York, NY - EEUU el 9 de abril de 2011, a la edad de 86 años.

Hijo de Baruch Lumet, actor judío de origen polaco y la bailarina Eugenia Wermus. Sus padres artistas lo inducen al teatro desde niño. Participa en varias piezas en teatros judíos y en seriados de Radio. En 1935 la familia se muda a Nueva York, lo cual abre las puertas de Broadway donde crece dentro del mundo del espectáculo. En 1939 trabaja junto con su padre en la película “One Third of a Nation” de Dudley Murphy. A mediados de los 40s deja la actuación y empieza a dirigir obras de teatro en el off-Broadway, trabajando con actores miembros del Actor's Studio.
La cadena de TV CBS lo recluta al principio de los 50s, para ser director de series y teledramatúrgia. Lumet fue uno de los pioneros de la incipiente época áurea de la TV “en vivo”, junto a John Frankenheimer (comenzó como asistente del próprio Lumet), Arthur Penn y Delbert Mann, quien fue el primero a saltar al cine con la superpremiada “Marty” (1955), decayendo en sus siguientes trabajos. El debut de Sidney Lumet en el cine se da por cuestiones circunstanciales. Siendo el responsable por la dirección del seriado “12 Angry Men” - trasmitido en vivo por la cadena CBS - obtuvo enorme suceso de audiencia y crítica. Entonces, Henry Fonda y el Roterista Reginald Rose, deciden producir una adapatación para el cine y ambos intuyen que el director debería ser el propio Lumet. En parte, el éxito comercial y de público estaba casi garantizado. Pero "12 Angry Men" (2007), fue mucho más allá, ganando el Oso de Oro en el Festival de Berlín y 3 indicaciones al Oscar en las categorías de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado.
Lumet siguió dividido entre Broadway y séries de TV, intercalando con películas adaptadas de piezas de dramaturgos consagrados, como: Tennessee Williams “That Fugitive Kind” (1960), Arthur Miller “View From the Bridge” (1961), y Eugene O’Neill “Long Day's Journey into Night” (1962). A partir del año 62 se decide por el 7° arte y, 50 años después nos sorprende con “Before the Devil Knows You're Dead” (2007).
Lumet no se destaca por gran derroche de genialidad ni por haber creado tendencia. Su cine resalta por su constancia, equilibrio, eficiencia y versatilidad de enfrentar varios géneros y una diversidad de tópicos. Fruto de la experiencia al actuar, dirigir y aprimorar estilos entre el teatro, la TV y el cine desde sus albores. Era de los últimos directores clásicos con gran conocimiento sobre puesta en escena, dramatugia y manejo de actores. Por eso su trabajo tiene una marca de control y seguridad de estilo propio, que al filmar una escena, él ya la había visualizado y exige la realización en pocas tomas. Reduciendo el trabajo de edición y post producción, posibilitando presentar hasta 2 películas por año.
En su libro “Making Movies” (1995), sobre las fases de producir una película y el oficio de Director, dice: “Una película se hace como un mosaico, donde cada parte se pinta y se lustra de la mejor forma posible. Solo cuando se juntan todas las partes es que se sabrá si resultó en algo”. Y agrega: “Una buena película es el resultado de un accidente, en el que el director prepara el terreno para que el accidente ocurra (Aunque otros trabajen para que no pase nada)”.
Lumet impresiona por la capacidad que tuvo de atraer grandes actores consagrados, desde Henry Fonda hasta Phillip Seymour Hoffman y Ethan Hawke, pasando por Sofia Loren, Marlon Brando, Joanne Woodward, Katharine Hepburn, Sean Connery (por 3 décadas), Omar Sharif, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Al Paccino, Paul Newman, Charlotte Rampling, Jane Fonda, Jeff Bridges, Dustin Hoffman, Nick Nolte, Andy Garcia, Anne Bancroft, Richard Burton, Peter Firth, Richard Dreyfuss, Sharon Stone, Richard Gere, Julie Christie, Gene Hackman, y hasta estrellas pop como Diana Ross y Michael Jackson. Generalmente, pide que los actores tengan un estilo realista e introspectivo, como fueron sus dos películas con Al Pacino: “Serpico” (1973) y “Dog Day Afternoon” 1975). El actor después de entrar en su personaje, debe mostrarse espontaneo y fluir. No hay otra forma de actuar.
El cine de Lumet posee una narrativa visual objetiva y vigorosa. Por lo general, sus películas abundan los sets en exteriores; aunque cuando es exigido, se maneja muy bien en atmosferas claustrofóbicas. De los temas recurrentes en su filmografía, destaca el enfoque sobre la fragilidad de la justicia y diversidad de denuncias sobre problemas que atingen a toda la sociedad o a minorías marginadas. Es un cine que declara, siembra discordia e incomoda. Y eso, junto con la amplitud de su obra, es lo que confirma a Sidney Lumet como un director de cine extraordinario. Hoy 25 de Junio cumpliría 87 años de no haber sucumbido ante un linfoma el 9 de Abril de este año.
Con enorme placer he estado revisando su filmografía, la cual compartiré con Uds en forma de tributo. Solo espero que Lumet haya llegado al cielo... 1/2 hora antes de enterarse don Sata.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes a ser publicados en el Blog)
• 1957 - “Doce hombres sin piedad“ (12 Angry Men)
• 1958 - “Stage Struck”
• 1959 - “Esa clase de mujer“ (That Kind of Woman)
• 1960 - “Piel de serpiente“ (The Fugitive Kind)
• 1962 - “Una mirada desde el puente“ (Vu du pont)
• 1962 - “Larga jornada hacia la noche“ (Long Day’s Journey Into Night)
• 1964 - “El prestamista“ (The Pawnbroker)
• 1964 - “Punto límite“ (Fail-Safe)
• 1965 - “La colina“ (The Hill)
• 1966 - “El grupo“ (The Group)
• 1966 - “Llamada para el muerto“ (The Deadly Affair)
• 1968 - “Bye Bye Braverman”
• 1968 - “La gaviota“ (The Sea Gull)
• 1969 - “Una Cita“ (The Appointment)
• 1970 - “Last of the Mobile Hot Shots”
• 1971 - “Supergolpe en Manhattan“ (The Anderson Tapes)
• 1972 - “Perversión en las aulas“ (Child's Play)
• 1972 - “La ofensa“ (The Offence)
• 1973 - “Serpico“ (Serpico)
• 1974 - “Lovin' Molly”
• 1974 - “Asesinato en el Orient Express“ (Murder on the Orient Express)
• 1975 - “Tarde de perros“ (Dog Day Afternoon)
• 1976 - “Network, un mundo implacable“ (Network)
• 1977 - “Equus“ (Equus)
• 1978 - “El mago” (The Wiz)
• 1980 - “Dime lo que quieres“ (Just Tell Me What You Want)
• 1981 - “El príncipe de la ciudad“ (Prince of the City)
• 1982 - “La trampa de la muerte“ (Deathtrap)
• 1982 - “Veredicto final“ (The Verdict)
• 1983 - “Daniel“ (Daniel)
• 1984 - “Buscando a Greta“ (Garbo Talks)
• 1986 - “Power“ (Power)
• 1986 - “A la mañana siguiente“ (The Morning After)
• 1988 - “Un lugar en ninguna parte“ (Running on Empty)
• 1989 - “Negocios de familia“ (Family Business)
• 1990 - “Distrito 34: corrupción total“ (Q & A)
• 1992 - “Una extraña entre nosotros“ (A Stranger Among Us)
• 1993 - “El abogado del diablo“ (Guilty as Sin)
• 1996 - “La noche cae sobre Manhattan“ (Night Falls on Manhattan)
• 1997 - “En estado crítico“ (Critical Care)
• 1999 - “Gloria“ (Gloria)
• 2006 - “Declaradme culpable“ (Find Me Guilty)
• 2007 - “Antes que el diablo sepa que has muerto“ (Before the Devil Knows You're Dead)

Directores - Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki, (Tokio - Japón, 5 de Enero de 1941) Economista, Ilustrador de comics (Mangas), Director, Guionista, diseñista y Productor de cine de animación (Anime). Ganador del Oso de Oro 2002 y el Oscar 2003.

Hayao Miyazaki nació en el barrio Akebono, subdistrito Bunkyo, de la ciudad de Tóquio, el 5 de enero de 1941. Segundo de tres hijos de Katsuyiki Miyazaki y su esposa. Su padre trabajaba en una fábrica localizada en la ciudad de Kanuma, la cual era propriedad de su hermano y producía partes de aviones. Eso terminó influenciando al joven Hayao al diseño de aeronaves, lo cual explica el porqué los aviones y prototipos de naves voladoras son una constante en su filmografía.
En 1958 termina los estudios secundarios en la escuela Toyotama High, y es exactamente durante ese último año de colegio, que Hayao tiene la oportunidad de ver el primer largometraje animado colorido de Japón, “Hakuja Den”, dirigido por Yabushita Taiji, una producción de Toei Animation (Toei Douga), quedando para siempre interesado en el mundo del diseño animado. Luego después ingresó al curso de Economía en la Universidad Gakushuin en 1959. Allí participó en un club de investigación de literatura infantil, que era más bien un Grupo que le gustaban los comics. Miyazaki se forma en el año de 1962 con el grado de Economista con especialización en ciencias políticas.
Mismo formado en economía, prefirió seguir su pasión por el diseño y consigue trabajo en la Toei Animation con el cargo de intercalador (encargado de dibujos entre movimientos). En este tiempo Hayao se casó con Akemi Ota, una colega de trabajo con quien tuvo 2 hijos. Miyazaki fue ganando posiciones en sus primeros años de trabajo en la Toei Animation hasta 1971, cuando se junta a Isao Takahata y Yoichi Otabe en la productora A-Pro, para luego después entrar en la Zuiyo Pictures (que más tarde se convertiría en Nippon Animation), donde trabajaron en los anime "Heidi", "Marco", "Ana de las Tejas Verdes" y "La abeja Maya". Fue solo en 1978 que Hayao dirigió su primer trabajo: la série “Conan el niño del Futuro”, y en 1979 dirige su primer largometraje “Rupan sansei: Kariosutoro no shiro”, para la productora Tokyo Movie.
Miyazaki cria en 1982 el mangá “Nausicaä del Valle de los Vientos”, que fue un gran éxito, llevándo al director a transformarlo en anime. El largometraje fue lanzado en 1984 siendo otro enorme suceso. Entonces Hayao e Takahata abren su próprio estúdio. De los Estúdios Ghibli fueron saliendo: “Laputa, El Castillo en el Cielo”(1986), “Mi Vecino Totoro”(1988), “Servicios de Entrega de Kiki”(1989), “Porco Rosso”(1992). Fue entonces que los estudios Disney hacen un acuerdo con los estudios Ghiblis para la distribución internacional. En 1997, “La Princesa Mononoke” lanza el nombre de Miyazaki al estrellato mundial, para luego en 2001 ”El viaje de Chihiro” ganar sus primeros premios de importancia internacional.
El cine de Miyazaki tiene una gran influencia de su vida particular. Como ya dijimos, los aviones vienen del trabajo de su padre. En “Mi vecino Totoro” trata una fase biográfica de cuando era niño, incluso haciendo mención a su madre que en la vida real estuvo hospitalizada durante años. Sus inclinaciones marxistas las deja notar en Porco Rosso, o en El castillo en el cielo, donde Miyazaki muestra una imagen idealizada de la clase obrera. En la actualidad ya no se considera marxista y ha adoptado otras posiciones ideológicas tales como el mistisismo, la ecología y el pacifismo, lo cual se ha vuelto constante en sus películas. Además de la maestría demostrada en el fino arte del diseño detallista, el desarrollo de las historias y la objetiva dirección, hacen que las 10 películas que conforman su filmografía sean maravillosas puestas en escena que coronan una bella carrera de este "Genial Cuentacuentos".

FILMOGRAFÍA (En negritas: largometrajes publicados)
• 1979 – “Lupin III: El Castillo de Cagliostro” – [Rupan sansei: Kariosutoro no shiro],
• 1984 – “Nausicaä del Valle del Viento” – [Kaze no tani no Naushika],
• 1986 – “El castillo en el Cielo” – [Tenkū no shiro Lapyuta],
• 1988 – “Mi vecino Totoro” – [Tonari no Totoro],
• 1989 – “Kiki, entregas a domicilio” – [Majo no takkyūbin], / Nicky la aprendiz de Bruja / El Delivery de Kiki.
• 1992 – “Porco Rosso” – [Kurenai no buta]
• 1997 – “La princesa Mononoke” – [Mononoke Hime],
• 2001 – “El viaje de Chihiro” – [Sen to Chihiro no kamikakushi],
• 2004 – “El castillo ambulante” – [Hauru no ugoku shiro], / El increíble Castillo Vagabundo.
• 2008 – “Ponyo en el acantilado” – [Gake no ue no Ponyo], / El secreto de la Sirenita.

Hayao Miyazaki, Web en Español

Site de los Studios Ghibli,

Directores – Ingmar Bergman

Ernst Ingmar Bergman (Uppsala, Suecia, 14 de julio de 1918), Escritor, Guionista y Director de Cine. Considerado como uno de los más grandes creadores. Fue nominado muchísimas veces a los "Premios Mayores" de cine, y solo ganó el Oso de Oro y el León de Oro (por su carrera). Murió en Fårö, Gotland - Suecia el 30 de julio de 2007, a los 89 años.

Hijo del pastor protestante Erik y de Karin Åkerblom (dominante madre de origen valón), quienes impusieron una rígida educación basada en los conceptos luteranos de "pecado, confesión, castigo, perdón y redención", que marcan a Ingmar para el resto de su vida y Percola a lo largo de toda su filmografía.
En medio de una niñez un tanto sombría y estricta, Bergman describe en sus memorias su primer encuentro con el cine a la edad de 9 años: "Lo que yo más deseaba en el mundo era un cinematógrafo. Un año antes había ido al cine por primera vez y había visto una película que trataba de un caballo, creo que se titulaba "Belleza Negra" y estaba basada en un famoso libro infantil. La pasaban en el cine Sture y nosotros estábamos en la primera fila del anfiteatro. Para mí ése fue el principio. Se apoderó de mí una fiebre que no desaparecía. Las sombras silentes vuelven sus pálidos rostros hacia mí y hablan con voces inaudibles a mis más íntimos sentimientos. Han pasado sesenta años y nada ha cambiado, sigue siendo la misma fiebre."
A partir de los trece años estudió escuela secundaria en una institución privada de Estocolmo, para luego licenciarse en Letras e Historia del Arte en la Universidad con una tesis sobre August Strindberg, otro sufridor nato. Se mueve por ambientes bohemios, cultiva el existencialismo. Interesado por el teatro, dirige piezas estudiantiles, que le abren el campo profesional. Entre los autores que representa, aparte de piezas propias y de Strindberg, se cuentan obras de Shakespeare, Ibsen y Molière. Los escenarios varian hasta llegar a dirigir en el Drámaten de Estocolmo.
En 1943, la productora Svensk Filmindustri (SF) lo contrata para el departamento de guiones. Un año más tarde, la misma empresa produjo una película a partir de su novela corta "Tormentos" (1944), que dirigió Alf Sjöberg y se le da a Bergman la oportunidad de ser asistente de director, encargandose de sus primeras escenas. Entre 1944 y 1955 fue responsable artístico del teatro municipal de Helsingborg, etapa en la que también dirigiría su primera película, "Crisis" (1946), producida por la SF, mereciendo cierto reconocimiento entre el público y la crítica de su país. Sin embargo, solo después de dirigir la comedia "Sonrisas de una noche de verano" (1955) es que el nombre de Bergman empieza a ser internacionalmente conocido. El éxito alcanzado por esta película en el Festival de Cannes de 1956 lo convirtió en el autor de moda dentro del cine europeo, habiendo una búsqueda de sus anteriores films.
Bergman encuentra en el cine la forma de expresar su complejo mundo interior y su potencial creativo, que es influenciado por recuerdos y valores de su niñez, llevándolo al conflicto de entidades metafísicas: Dios, el Demonio, la muerte, la vida, el dolor y el amor. El cine de Bergman recoge la influencia formal del expresionismo de tradición sueca, en especial la de Victor Sjöström, y destaca por su gran sentido plástico, casi pictórico, junto al aprovechamiento de las posibilidades del blanco y negro. Pocos han sacado tanto partido como él al rostro de sus actores, mediante el uso recurrente del primer plano. Todos sus filmes tienen un toque personal y elementos autobiográficos donde revela su inquietud de vida. En "Un verano con Mónica" (1953) presenta huellas de sus amores juveniles, así como hace eco de sus experiencias conyugales en "Secretos de un matrimonio" (1973). Su búsqueda de lo trascendente comprende un largo recorrido fílmico, que va desde "El séptimo sello" (1957) una lúgubre alegoría que indaga en la relación del hombre con Dios y la muerte, para la cual empleó recursos narrativos basados en la iconografía cristiana, pasando por "Fresas salvajes" (1957) donde su virtuosismo técnico se hace evidente utilizando una estructura de narraciones superpuestas. Le siguen grandiosas puestas en escena como: "El rostro" (1958), "El manantial de la doncella" (1960), hasta la trilogía "Como en un espejo" (1961), "Los comulgantes" (1963) y "El silencio" (1963), donde aboca en un agnosticismo desesperado. En "Gritos y Susurros" (1972), foca un alucinante estudio sobre los últimos días de vida de una mujer enferma de cancer, Pero es en “Fanny y Alexander” (1984), donde realmente expresa y pincela su vida de infancia, con todo el peso y la influencia de sus progenitores. A posteriori dirigió apenas con la ayuda de otros y con elementos del medio televisivo; Varias producciones que parecieran ser “Bergman experimental”, pero sin duda alguna, de gran valor filosófico. Ingmar Bergman fallece el 30 de julio de 2007 a los 89 años en la isla de Fårö, dejando una filmografía espectacular que vale la pena atesorar.

FILMOGRAFÍA (En negritas: largometrajes publicados)
• 1944 - “Tormentos“ - [Hets] (Ayudante de dirección de Alf Sjöberg)
• 1945 - “Crisis“ - [Kris]
• 1946 - “Llueve sobre nuestro amor“ - [Det regnar på vår kärlek] aka It Rains on Our Love
• 1947 - “Barco a la India“ - [Skepp till India Land] aka A Ship to India
• 1948 - “Música en la oscuridad“ - [Musik i mörker] aka Music in Darkness
• 1948 - “Ciudad Portuaria“ - [Hamnstad] aka Port of Call / Puerto
• 1949 - “Prisión“ - [Fängelse] aka Prison / El demonio nos gobierna
• 1949 - “La sed“ - [Törst] aka Thirst / Tres amores extraños
• 1950 - “Hacia la felicidad“ - [Till glädje] aka To Joy / La Alegria
• 1950 - “Esto no puede ocurrir aquí“ - [Sånt händer inte här] aka High Tension
• 1951 - “Juegos de verano“ - [Sommarlek] aka Summer Interlude
• 1952 - “Secretos de mujeres” - [Kvinnors väntan] aka Secrets of Women / Tres mujeres
• 1953 - “Un verano con Mónica“ - [Sommaren med Monika] aka Monika
• 1953 - “Noche de circo“ - [Gycklarnas afton] aka Sawdust and Tinsel
• 1954 - “Una lección de amor“ - [En lektion i kärlek] aka A Lesson in Love
• 1955 - “Sueños“ - [Kvinnodröm] aka Dreams / Sueño de mujer
• 1955 - “Sonrisas de una noche de verano“ - [Sommarnattens leende] aka Smiles of a Summer Night
• 1957 - “El séptimo sello“ - [Det sjunde inseglet] aka The Seventh Seal
• 1957 - “Fresas salvajes“ - [Smultronstället] Wild Strawberries
• 1958 - “Tres almas desnudas” - [Nära livet] aka Brink of Life / So Close to Life ; En el umbral de la vida
• 1958 - “El rostro“ - [Ansiktet] aka The Magician
• 1959 - “El manantial de la doncella“ - [Jungfrukällan] aka The Virgin Spring
• 1960 - “El ojo del diablo“ - [Djävulens öga] aka The Devil's Eye
• 1961 - “A través del espejo” - [Såsom i en spegel] aka Through a Glass Darkly / Detrás de un vidrio oscuro
• 1963 - “Luz de Invierno” - [Nattvardsgästerna] aka Winter Light / Los comulgantes
• 1963 - “El silencio“ - [Tystnaden] aka The Silence
• 1964 - “¡Ni hablar de esas mujeres!” - [För att inte tala om alla dessa kvinnor] aka All These Women / ¡Esas mujeres!
• 1966 - “Persona”
• 1968 – “La hora del lobo” - [Vargtimmen] aka The Hour of the Wolf
• 1968 - “Vergüenza“ - [Skammen] aka Shame
• 1969 - “El rito“ - [Riten] aka The Rite (TV)
• 1969 - “La Pasión de Anna” - [En passion] aka The Passion of Anna
• 1971 - “El contacto” - [Beröringen] aka The Touch
• 1972 - “Gritos y susurros“ - [Viskningar och rop] aka Cries & Whispers
• 1973 - “Secretos de un Matrimonio“ - [Scener ur ett äktenskap] aka Scenes from a Marriage / Escenas de la vida Conyugal (TV)
• 1974 – “Misantropen” aka The Misanthrope (TV)
• 1975 – “La flauta mágica” - [Trollflöjten] aka The Magic Flute (TV)
• 1976 – “Cara a cara” - [Ansikte mot ansikte] aka Face to Face
• 1977 – “El huevo de la serpiente“ - [The Serpent's Egg] aka Ormens ägg / Das Schlangenei
• 1978 - “Sonata de otoño“ - [Höstsonaten] aka Autumn Sonata
• 1980 - “De la vida de las marionetas“ - [Aus dem Leben der Marionetten] aka From the Life of the Marionettes (TV)
• 1982 - “Fanny y Alexander“ - [Fanny och Alexander] aka Fanny & Alexander
• 1983 - “[Hustruskolan] (TV)
• 1984 - “Después del ensayo“ - [Efter repetitionen] aka After the Rehearsal (TV)
• 1985 - “Don Juan” (TV)
• 1986 - “Los bienaventurados“ - [De Två saliga] aka Áldottak (TV)
• 1992 - “La marquesa de Sade“ - [Markisinnan de Sade] aka Madame de Sade (TV)
• 1993 - “Backanterna” aka The Bacchae (TV)
• 1995 - “El último grito” - [Sista skriket] aka The Last Gasp (TV)
• 1997 - “En presencia de un payaso“ - [Larmar och gör sig till] aka In the Presence of a Clown / Lágrimas y actuaciones (TV)
• 2000 - “Creadores de imágenes“ - [Bildmakarna] aka The Image Makers (TV)
• 2003 - “Saraband” (TV)

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