30 diciembre 2009

Directores - Quentin Tarantino

6 Cinéfilos Comentaron
Quentin Tarantino, (Knoxville, Tennessee, EEUU, 27 de marzo de 1963). Guionista, director y actor estadounidense ganador del Premio Óscar y de la Palma de Oro de Cannes.

Cuando tenía dos años, su madre (soltera) se mudó con él a South Bay, al sur de Los Ángeles, su hogar durante las siguientes dos décadas.Su barrio en la ciudad de Torrance era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años 70. Tarantino abandonó los estudios a los 17 años para dar clases de interpretación y mantenerse con trabajos esporádicos. A los 22 años encontró una especie de segundo hogar en Video Archives, en Manhattan Beach, donde sus grandes conocimientos en películas antiguas le fueron muy útiles.
Junto a Roger Avery y Jerry Martínez, Tarantino convirtió Video Archives en una improvisada escuela de cine. Empezó a escribir para poder ofrecer escenas prácticas en sus clases de interpretación.Tras un tiempo trabajando con Avery y otros amigos, Tarantino pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de su frustración por la dificultad de poder hacer una "película de verdad" con un escritor desconocido como director, Tarantino escribió en 1991 Reservoir Dogs , con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigotes de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, un ambicioso productor, Lawrence Bender leyó el guión de "Dogs" y le fascinó. Le pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar hacer de ella una "película de verdad". Fue Bender quien hizo llegar el guión al actor Harvey Keitel , y fue el entusiasmo de Keitel lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía a Michael Madsen , Steve Buscemi , Tim Roth , Lawrence Tierney , Chris Penn y el propio Tarantino, además de Keitel, Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo.
De repente, Tarantino estaba de moda y los dos guiones en los que había estado trabajando antes de "Reservoir Dogs" se vendieron enseguida: fueron True Romance (Amor a quemarropa) (1992, dirigida por Tony Scott ) y Natural Born Killers (Asesinos natos) (1993, reescrita y dirigida por Oliver Stone ). En 1994 llegó Pulp Fiction , un collage de ficción interpretada por John Travolta y Uma Thurman .Tras tres años de descanso, Tarantino escribió y dirigió Jackie Brown en 1997, un embrollo policíaco inspirado en la novela de Elmore Leonard , Rum Punch. Pam Grier logró estar nominada tanto a los Globos de Oro como a los premios SAG por su actuación en el papel principal, y el coprotagonista, Robert Foster , fue nominado al Premio de la Academia en la categoría de Mejor Actor Secundario. Completaban este reparto único Samuel L. Jackson (nominado también para un Globo de Oro), Robert De Niro , Bridget Fonda y Michael Keaton . El primer objetivo profesional de Tarantino era ser actor y ha seguido interpretando papeles en sus propias películas como en las de otros, como en Jackie Brown, Reservoir Dogs, Pulp Fiction, The Man From Hollywood, Four Rooms, Del crepúsculo al amanecer, Destiny Turns on the Radio y Girl 6 de Spike Lee. Durante los cuatro años que pasaron entre el estreno de Jackie Brown y la producción de Kill Bill, Tarantino trabajó duro en el guión de una película bélica, Inglorious Basterds, que se estrenó en agosto del 2009. En 2007 estrenó Death Proof, película nominada a la Palma de Oro, escrita y dirigida por Quentin Tarantino, y protagonizada por Kurt Russell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito y Jordan Ladd, entre otros. Death Proof y Planet Terror (Robert Rodriguez) componen la sesión doble de cine Grindhouse.

Filmografía (Como Director)
• 1987 – “El cumpleaños de mi mejor amigo” – My Best Friend's Birthday (Reconstruída/inconclusa)
• 1992 – “Reservoir dogs”
• 1995 – “Four Rooms”
• 1997 – “Jackie Brown”

Jackie Brown (1997)

10 Cinéfilos Comentaron
FILMOGRAFÍA QUENTIN TARANTINO._ História ideal, el malo recibe su merecido y los buenos (aparentemente buenos) también. Película nominada a los 3 premios más importantes de cine como mejor película. Historia fría y con moraleja: "Lo que se hace, se paga"...(ScH)

Jackie Brown
 Jackie Brown
(1997) on IMDb
Año: 1997
DURACIÓN: 154 min.
PAÍS: USA.
DIRECTOR: Quentin Tarantino, Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodríguez.
GUIÓN: Quentin Tarantino, Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodríguez.
MÚSICA: Varios.
FOTOGRAFÍA: Guillermo Navarro.
ELENCO: Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert De Niro, Robert Forster, Bridget Fonda, Michael Keaton, Michael Bowen, Chris Tucker, Lisa Gay Hamilton, Tommy 'Tiny' Lister, Sid Haig, Aimee Graham.
PRODUCTORA: Miramax Films / Band Apart /
GALARDONES: Oso de Plata 1998 a Samuel L. Jackson como mejor actor ; Quentin Tarantino Nominado al Oso de Oro. 2 Nominación al Globo de Oro 1998; 1 Nominación al Oscar 1998.

Jackie Brown (Pam Grier) es una azafata de vuelo que, necesitada de dinero, hace de correo para Robbie, un mafioso buscado por la policía. Todo parece ir bien, hasta que un día es sorprendida en la aduana y acusada de tráfico de drogas y evasión. Para evitar ingresar en prisión, la policía sólo deja a Jackie una salida: ayudarles a llegar hasta Robbie. (FILMAFFINITY)

Revisar otras críticas en FILMAFFINITY

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Jackie Brown (1997) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip - rmvb
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29 diciembre 2009

Directores – Andrei Tarkovsky

7 Cinéfilos Comentaron
Andrei Arsenyevich Tarkovsky (Zavrazhye, Unión Soviética, 4 de abril de 1932), Director, Guionista, Editor y escritor Ruso. Considerado uno de los grandes de la cinematografía Mundial. Murió en Paris el 29 de diciembre de 1986 con apenas 54 años.

Hijo del Poeta Arseny Alexandrovich Tarkovsky (quien desapareció en la II Guerra) y Maria Ivanova Vishnyakova, graduada del Instituto de literatura Maximo Gorki.
Luego de ser evacuados y volver a Moscú, Tarkovsky continuó sus estudios a la vez que aprendía a tocar piano. Del 47 al 48, estuvo internado con tuberculosis. Al término de la escuela secundaria, ingresa en el Instituto Oriental de Moscú para estudiar Árabe. Después se cambiaría para el Instituto de Ciencias Geológicas, y participa de una expedición en la provincia de Krasnoyarsk. Cuando vuelve, toma la decisión de estudiar cine, y consigue entrar para el Instituto Estatal de Cine (VGIK). Allí conoce a Irma Raush con quien se casa en 1957.
La era Khrushchev ofrece una apertura a las artes, y hubo mayor acceso a películas del “Neorrealismo Italiano” y la “Nouvelle Vague francesa”, además de directores como Akira Kurosawa, Luis Buñuel, Ingmar Bergman, Bresson y Mizoguchi. Tarkovsky estaba convencido de que para crear era necesario transcribir la propia idea. Como estudiante dirige su primer cortometraje junto con Alexander Gordon “Los Asesinos” (1956), basada en una historia de Ernest Hemingway. Sigue el mediometraje “Hoy no habrá salida libre” (1959) de nuevo junto a Gordon. En la VGIK conoció a Andrei Konchalovsky, con quien escribió el guión “Antártica – País Distante”, lo enviaron a Lenfilm y fue rechazado. Tuvieron más suerte con el guión “La aplanadora y el violín”, el cual fue producido por Mosfilm. Con este mediometraje Tarkovsky alcanza su diploma en 1960.
De personalidad nerviosa, bravucón introvertido y extremadamente angustiado, el realizador mantuvo siempre control total de su trabajo. Su obra se caracteriza por los temas metafísicos y espirituales, largas tomas, estructura dramática poco convencional, agua (bastante agua), e imágenes oníricas de excepcional belleza. Su compromiso artístico queda plasmado en su libro “Esculpir el Tiempo” (obra de culto para todos los que aman el 7° arte), donde desarrolla la teoría de “la capacidad de fijar el tiempo”. Según Tarkovsky: “El cineasta debe esculpir un bloque de tiempo para dejar al descubierto la imagen cinematográfica”.
En 1962 realizaría su primer largometraje gracias a un proyecto abortado del cineasta Eduard Abalov. “La infancia de Iván” fue aclamada por la crítica, ganando el León de Oro en el Festival de Venecia y el Premio Golden Gate del Festival de San Francisco. Entonces Tarkovsky cayó sobre la mirada de las autoridades rusas, que temían que el realizador mostrase más allá de lo permitido. Su segunda película “Andrey Rublev” (1966), fue sometida a escarnios de la censura teniendo que hacer reiteradas ediciones. De esa manera mantuvieron al director parado durante años hasta que al fin fue estrenada en el Festival de Cannes de 1969. Mismo presentada a última hora, ganó el premio FIPRESCI (otorgado por La prensa especializada). En 1970 se divorció de Irma Raush, por causa del romance que mantuvo con su asistente Larissa Kizilova, con quien tendría a su hijo Andrei Tarkovsky en agosto de ese año.
Su siguiente película, “Solaris” (1972), basada en la novela homónima del escritor polaco Stanisław Lem, cayó en gracia de las autoridades rusas las cuales la presentaron como la respuesta Soviética a “2001 – Una Odisea en el Espacio”. Tarkovsky luego diria que jamás tuvo conocimiento de la película de Kubrick. Ese era el estado de trabajar en medio de la censura socialista, y para un realizador tan rebelde como Andrei era perder el tiempo y casi la libertad, como casi sucede con “El Espejo” (1975), la cual fue considerada peligrosa por las autoridades, pero al fin liberada después de algunos “ajustes”. La película es semibiográfica y considerada de un estilo innovador en cuanto a la estructura narrativa.
Las posibilidades de hacer cine en la URSS disminuían para Tarkovsky. Pero aún tenía muchos amigos ligados a los estudios Mosfilm y, a pesar de miles de contratiempos con las autoridades, discrepancias con su equipo técnico, pérdida de material en un incendio y un ataque cardíaco en 1978, consigue presentar “Stalker” (1979), película de corte fantástico inspirada en la novela “Roadside Picnic” de los hermanos Arkady y Boris Strugatsky. Ese mismo año viaja a Italia a convite de su amigo Tonino Guerra, y juntos realizarían el Documental para TV “Tiempo de Viaje” (presentado en 1983).
En el 81 vuelve a Italia para ultimar detalles de su primera coproducción, aunque aún bajo vigilancia de la censura soviética. Mosfilm se retira del proyecto y hubo que apelar a la RAI. En 1983 presenta “Nostalgia” en Cannes y es aclamada obteniendo el Premio del Jurado Ecuménico, el FIPRESCI y elegido como mejor director. Luego se exila en Suiza y a partir de 1984 comienza a trabajar en su primera película libre, donde aplicará todas sus teorías de cinematografía y tiempo. El resultado rodado en Suecia es “El Sacrificio” (1986), Aplaudida y galardonada en Cannes y, considerada como una de las grandes obras del 7° Arte. Tarkovsky no pudo ir a recoger los aplausos porque es aquejado con un cancer terminal de pulmon. Muere en Paris hace exactos 23 años de la fecha de este post. En su túmulo creado por el escultor ruso Ernst Neizvestny, se puede leer “Para el hombre que vio el Angel”... No se hasta que punto haya visto Andrei, pero nos ha dejado un legado demasiado intenso.

Filmografía (toda en el Blog)
• 1956 – “Asesinos” – Ubiytsy [Убийцы] aka The Killers (Cortometraje)
• 1959 – “Hoy no habrá salida libre” - Segodnya uvolneniya ne budet [Сегодня увольнения не будет] aka There Will Be No Leave Today (Mediometraje)
• 1961 – “La aplanadora y el violín” - Katok i skripka [Каток и скрипка] aka The Steamroller and the Violin (Mediometraje)
• 1962 – “La infancia de Ivan” – Ivanovo detstvo [Иваново детство] Aka My Name Is Ivan
• 1969 [1965] – “Andrei Rublev” - Andrey Rublyov [Андрей Рублёв] aka The Passion According to Saint Andrew
• 1972 – “Solaris” - Solyaris [Сталкер]
• 1975 – “El Espejo” – Zerkalo [Зеркало] aka The Mirror
• 1979 – “Stalker” - [Сталкер] aka La Zona
• 1981 – “Tiempo de Viaje” - Tempo di viaggio aka Voyage in Time (TV-Documental)
• 1983 – “Nostalgia” - Nostalghiya [Ностальгия] aka Nostalghia
• 1986 – “El Sacrificio” - Offret aka The Sacrifice

Bibliografía >>> AndreiTarkovsky.org/bibliografía
- Tarkovsky, Andrei, Sculpting in Time (Faber, London 1989)
- Tarkovsky, Andrei, Time within Time: the Diaries 1970-86 (Faber, London, 1994)
- Andrei Tarkovski, Esculpir en el tiempo. Reflexiones sobre el cine, trad. Enrique Banús, Rialp, Madrid 1991.
- Andrei Tarkovski, Esculpir el tiempo, ed. Rodolfo Peláez, tr. Miguel Bustos García, Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, Universidad Nacional Autónoma de México, México D. F., 1993.
- Andrei Tarkovski, Andrei Rubliov (guión literario).Ediciones Sígueme (2006), Col. «El peso de los días», nº 50 - 288 páginas.

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22 diciembre 2009

Directores - Alexander Sokurov

4 Cinéfilos Comentaron
Aleksandr Nikolayevich Sokurov (Podorvikha, Union Sovietica, 14 de junio de 1951), Director y Guionista Siberiano, considerado como una de las vacas sagradas del cine Ruso.

Hijo del veterano de la segunda guerra mundial Nikolai Alexandrovich Sokurov y de Maria Andrianovna. Devido al padre militar, Sokurov realiza estudios primarios en varias localidades como el Turcomenistán, Polonia y Stavropol (Sur de Rusia). En 1968 ingresa al curso de historia en la Universidad de Gorky, ciudad industrial del centro Ruso ahora llamada Nizhni Novgorod. Trabaja como asistente de producción en la Televisora local, donde aprende sobre la realización audiovisual y tiene la oportunidad de dirigir algunos programas en vivo.
Al terminar sus estudios de historia en Gorky, buscó especializarse en la producción cinematográfica. Obtiene la beca Einsestein e ingresa en la Moskow Filmschool VGIK, famoso Instituto de Filmografía de la Unión Soviética. Es allí donde conoce a Andrei Tarkovski, quien queda impresionado por sus ideas y convierte a Sokurov en su principal discípulo. La amistad de estos realizadores durará a pesar del maestro migrar para occidente.
En 1979 se gradúa en la VGIK, y Gracias a la influencia de Tarkovski fue contratado por los Estudios LenFilm en 1980. Desde el comienzo su postura fue considerada como transgresiva y antisoviética. Todas sus películas son censuradas hasta la llegada de la Perestroika de Gorvachev, que es cuando hace parte de la Unión de Realizadores de Cine de Rusia y pasa a presidir el Consejo de Arte de los Estudios Lenfilm.
Aunque ha sido principalmente un Documentalista, Sokurov admite la influencia del lenguaje poético y plástico de “Serkalo” [El Espejo] de Andrei Tarkovski, imprimiéndole a su producción características propias del mundo de los sueños, en una deconstrucción del arte cinematográfico para llevarlo al plano de la pictografía en movimiento. En parte de su obra utiliza filtros de colores y de distorsión de imagen, la cual trabaja para darle un efecto que acentúe el motiv. Según él mismo, su estilo refleja el contenido que explora el dolor, la nostalgia, el aislamiento, la soledad y la muerte; todo esto dentro de una circunstancia histórica precisa. Algunas de sus obras son tan intimistas e incomprensibles, que el propio Sokurov ha tenido que desmentir lo que la crítica ha querido entender de ellas.
En 1987 estrena su primer largometraje de ficción “La voz Solitaria del Hombre”, ganadora del Leopardo de bronce en el Festival de Locarno. “Días de Eclipse” (1988) fue ganadora de menciones en el festival de Berlín y por los críticos de la Academia Europea de Cine. Durante el inicio de la década de los`90, las producciones de Sokurov marcaron presencia en diversos festivales, recibiendo premios internacionales como el Fipresci y el Tarkovski Award. El documental “Voces Espirituales” (1995) de 327 min divididas en 5 capítulos, impresiona por su lenguaje metafórico y austero sobre un puesto militar en la frontera Tayikistan-Afganistán.
Madre e Hijo” (1997) fue su primer largometraje de ficción internacionalmente aclamado, que tiene su contraparte títular “Padre e Hijo” (2003). Llama la atención su trilogía sobre políticos del siglo XX: “Moloch” (1999) sobre Hitler; “Taurus” (2000) sobre Lenin; y "El Sol" (2004) sobre el emperador Hirohito. En tanto, su película más exitosa ante la crítica como en taquilla, ha sido “El Arca Rusa” (2002), aplaudida por sus imágenes visuales hipnóticas y su laaarga toma sin edición, realizada en el Museo de La Hermitage en San Petesburgo. También ha realizado un trabajo de “Elegías”, constituido por cortometrajes y largometrajes, siendo la última a estrenarse “Elegía de Vida: Rostropovich, Vishnevskaya” (2006). En cuanto a su última ficción "Alexandra" (2007), es un reflejo de los efectos del mundo militar en los familiares de los soldados. La tan esperada “Fausto” extrena llevándose el León de oro en el Festival de Venecia 2011.

Filmografía (14 Largometrajes ficción y 9 documentales) En Negrita las Postadas.
• 1981 – “Sonata para viola. Dmitri Shostakovich” – Altovaya sonata. Dmitriy Shostakovich Aka Sonata for Viola. Dmitri Shostakovitch (Documental)
• 1987 – “Penosa Indiferencia” – Skorbnoye beschuvstviye [Скорбное бесчувствие] aka Mournful Unconcern
• 1987 – “La Voz Solitaria del Hombre” – Odinokiy golos cheloveka [Одинокий голос человека] Aka The Lonely Human Voice
• 1987 – “Elegía de Moscú” - Moskovskaya elegiya Aka The Moscow Elegy (Documental)
• 1987 – “Y nada más” – I nichego bolshe Aka And Nothing More (Documental)
• 1988 – “Días de Eclipse” – Dni zatmeniya [Дни затмения] Aka The Days of Eclipse
• 1989 – “Seguro y Protegido” - Spasi i sokhrani [Спаси и сохрани] Aka Save and Protect
• 1990 – “El Segundo Círculo” - Krug vtoroy [Круг второй] Aka The Second Circle
• 1992 – “Piedra” - Kamen [Камень ] Aka The Stone
• 1993 – “Elegía desde Rusia” - Elegiya iz Rossii Aka The Elegy from Russia (Documental)
• 1994 – “Las Páginas Susurrantes” - Tikhiye stranitsy [Тихие страницы] Aka Whispering Pages
• 1995 – “Voces espirituales” - Dukhovnye golosa Aka Spiritual Voices (Documental)
• 1997 – “Madre e hijo” – Mat i syn [Мать и сын] Aka Mother and Son
• 1997 – “Una vida humilde” – Smirennaya zhizn Aka A Humble Life (Documental)
• 1999 – “Diálogos con Solzhenitsyn” - Uzel aka The Dialogues with Solzhenitsyn (Documental)
• 1999 – “Moloch” - Molokh [Molox]
• 2000 – “Dolce...” – [Nezhno] (Documental)
• 2001 – “Taurus” - Telets [Телец]
• 2002 – “El Arca Rusa” - Russkiy kovcheg [Русский ковчег] Aka Russian Ark
• 2003 – “Padre e Hijo” - Otets i syn [Отец и сын] aka Father and Son
• 2005 – “El Sol” - Solntse [Солнце] Aka The Sun
• 2006 – “Elegía de Vida: Rostropovich, Vishnevskaya” - Elegiya zhizni. Rostropovich. Vishnevskaya. Aka Elegy of Life: Rostropovich, Vishnevskaya (Documental)
• 2007 – “Alexandra” - Aleksandra [Александра]
• 2011 – "Fausto" - aka Faust

Filmografía en el site de Sokurov

29 noviembre 2009

Directores – Jim Jarmusch

6 Cinéfilos Comentaron
Jim Jarmusch, (Akron, EEUU, 22 de enero de 1953), Director, y guionista de cine norteamericano.

Jarmusch salió de Ohio para estudiar en la "Escuela Universitaria de Cine de Nueva York", y luego también en la “Cinematheque Francaise” de Paris. Su primer trabajo fue como asistente de una película de Nicholas Ray y Wim Wenders "Lightning Over Water" (1980).
Con propios recursos hizo su primer largometraje “Permanent Vacation” (1982), filmada con una sola cámara de 16 mm y cuyo presupuesto total fue la bagatela de 15,000 U$. En 1984 con un equipo de producción mínimo realiza “Stranger Than Paradise”, que le valió el Premio "Camera d'Or" del Festival de Cannes, junto a la aclamación de la crítica por crear una singularidad fílmica, convirtiéndose en marco del cine independiente Norteamericano.
Sus películas están cargadas de pesimismo, ocupándose de personajes marginados, atropellados por condiciones sociales o de conducta. Sus aperturas preferidas son paneos en movimiento mostrando vagas construcciones o bocas de lobo donde descansan mendigos, todo regado a Jazz o con los más sordidos raps de compositores como: Tom Waits, Joe Strummer, Iggy Pop, John Lurie y Screamin Jay Hawkings, quienes también aparecen como actores en sus producciones. En algunas ocasiones la musicalización es totalmente minimalista bien acorde con lo que quiere decir cuadro a cuadro. Otra característica que observamos, es que siempre emplea una variedad étnica que no llega a ser meollo de la trama. La diferencia racial apenas está allí, como fiel exponente de la mixigenación del mundo en que vivimos.
Su primera gran producción es “Down by Law” (1986), donde además de Waits y Lurie, participa Roberto Benigni, otro de sus amigos consecuentes. “Daunbailó” (como me encantó que la titularán los italianos y brasileros), fue fuerte concorrente a la Palma de Oro y se constituyó en su coronación ante la crítica, que aplaudió de pié el estilo Jarmusch. En sus dos siguientes producciones “Mystery Train” (1989) y “Night on Earth” (1991), abandonó el Blanco & Negro pero continuó con su estética, sus paneos de cámara, sus cortes y el relato de perdedores. En 1995 realizó “Dead Man”, un Western protagonizado por Johnny Depp y calificado como "Anti-Western" o "Póst-Western". La película en Blanco y Negro cuenta con la fotografía de Robby Müller y la banda sonora es compuesta y ejecutada por Neil Young, otro de sus "altos panas" con el cual haría el documental "Year of the Horse" (1997), sobre la tourne de Neil y su banda.
Considerado como uno de los pocos directores verdaderamente independiente y respetado por la crítica, y con la garantía de que millares de fans por todo el mundo iran a las salas de cine, se da el lujo de explorar hacia otro patatar de violencia con “Ghost Dog: The Way of the Samurai” (1999), donde aborda la mafia y el crimen en New Jersey. Film protagonizado por Forrest Whitaker y banda sonora original compuesta por RZA de Wu-Tang Clanen. En 2002 participa de un documental realizado por varios directores “Ten Minutes Older: The Trumpet”. Luego concreta una de sus obras más emblemática e idiosincráticas. “Coffee and Cigarettes” que remonta a una série de cortometrajes iniciados en 1986 con Roberto Benigni y el comediante Steve Wright; en 1989 los músicos Cinqué Lee, Joie Lee hacen lo suyo frente al comediante Steve Buscemi; El protagonizado en 1993 por Iggy Pop y Tom Waits se lleva la Palma de Oro en Cannes. La série va siendo progresivamente expandida con nombres como Cate Blanchett, RZA, GZA, Bill Murray, Steve Coogan, Alfred Molina e integrantes de los The White Stripes, Hasta ser completada y presentada como largometraje en Sept de 2003, en los Festivales de Venecia y Toronto.
En 2005 realizó “Broken Flowers”, una película con Bill Murray que será apreciada por cualquiera, no así "The Limits of Control" (2009), que es de un minimalismo para ser entendido como el espectador quiera, lo que la hace riquísima para fans y "sinsentido" para el resto. Con Uds... Jarmusch.

FILMOGRAFÍA JIM JARMUSCH._ (largometrajes)
• 1980 – “Vacaciones Permanentes” – Permanent Vacation
• 1984 – “Estraños en el Paraiso” – Stranger than Paradise
• 1986 – “Dounbailó” - Down by Law
• 1989 – “Tren Misterioso” – Mystery Train
• 1991 – “Noche en la Tierra” – Night on Earth
• 1995 – “Dead man” – Dead Man
• 1997 – “Year of the Horse” - Year of the Horse
• 1999 – “Ghost Dog, el camino del samurái” - Ghost Dog: The Way of the Samurai
• 2002 – “Ten Minutes Older: The Trumpet” - (Dirige uno de los episodios)
• 2003 – “Sobre Café y Cigarros” - Coffee and Cigarettes
• 2005 – “Flores Rotas” - Broken Flowers
• 2009 – “Los límites del Control” - The Limits of Control

25 noviembre 2009

La Bella Michele Pfeiffer

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Michelle Marie Pfeiffer (Santa Ana, California; 29 de abril de 1958) es una actriz estadounidense. 3 veces nominada al Oscar; Ganadora del Globo de Oro, del BAFTA y del Oso de Oro.
Excelente actriz y siempre considerada como una de las mujeres más bellas del mundo. Comienza en los años 80's con la secuela "Greese 2", con la cual gana el premio de actriz revelación. Pero fue solo con "El Precio del Poder" y "Lady Halcon" que tiene verdaderamente reconocimientos, que termina por consolidarse en "Las Brujas de Eastwick", junto a Cher, Susan Sarandon y Jack Nicholson. En 1988 obtiene su primera nominación a los Globos de Oro por su interpretación en "Casada con Todos", y se anota otras nominaciones con su interpretacion en "Relaciones Peligrosas" de Stephen Frears, junto a Glen Close y John Malcovich; pero es en 1989 que gana casi todo con su Fabulosa interpretación en "Los Fabulosos Hermanos Baker". En 1992 protagoniza la mejor Mujer Gato de la historia en "Batman Regresa" de Tim Burton. En 1993 obtiene otro racimo de premios y nominaciones con gran interpretación en "La Edad de la Inocencia" de Martin Scorsese. En 1995 tuvo un éxito notorio con "Mentes Peligrosas", y luego aparece en varias comedias románticas. En el presente siglo se ha venido un poco abajo, pero siempre se le ha visto junto a grandes y noveles actores. En 2009 estrenó "Chery" y "Efectos Personales", las cuales traemos juntas en esta selección.
Bella Michelle. Siempre he estado enamorado no solo por su belleza sino por su trabajo. Si eres también fan, puedes acceder a fotografias y wallpapers apretando AQUI.

13 noviembre 2009

Directores - Milos Forman

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Jan Tomáš Forman, conocido artísticamente como Milos Forman (Cáslav - Checoslovaquia, 18 de febrero de 1932), Director, actor y guionista de cine naturalizado estadounidense. Con pocas películas ha ganado 3 Globos de Oro, 2 Oscares, 1 BAFTA y el Oso de Oro de la Berlinale.

Huérfano a los nueve años, después que sus padres fueron arrestados por la Gestapo al estar ligados a grupos de Resistencia Checa. Murieron en el campo de concentración de Auschwitz, dejando 3 hijos al cuidado de parientes.
En los años 50, Miloš estudió dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga. Tras graduarse en el 55, pasó a trabajar para la televisión, donde fue ayudante del realizador Alfred Radok y de Pavel Blumenfeld. Escribió sus primeros guiones y realizó obras semi-documentales al inicio de los 60. Su primera producción importante “Pedro el negro” (1964), trata de un adolescente en una pequeña ciudad Checa. Con esa cinta llamó la atención en varios festivales, incluyendo Cannes, Montreal y Nueva York. Realizó otros dos films en Checo, “Los amores de una rubia” (1965) y “¡Al fuego bomberos!” (1967).
Cuando la URSS invadió Checoslovaquia en el 68 para poner fin a la llamada "Primavera de Praga", Forman estaba en París negociando la producción de su primera película americana. Antes que volver a la instaurada cortina de hierro, se trasladó a Nueva York donde trabajó como profesor mientras estudiaba el guión de "Society For the Parents of Fugitive Children", el cual rodaría como “Juventud sin esperanza” [Taking Off](1971). En el año 72 se encarga junto al director Jim Clark de un proyecto documental sobre las Olimpiadas de Munich. A partir del 73 trabajó sobre el best Seller de Ken Kesey, filmando la obra que lo hizo conocer mundialmente, “Atrapado sin salida” (1975), obteniendo 5 oscares y catapultando la carrera de Nicholson.
Luego le sucedieron grandiosas puestas en escena, como los musicales “Hair” (1979) y “Amadeus” (1984), este último le significó el volver a dirigir en su tierra natal, y la obtención de 8 Oscares. Antes de "Amadeus", había filmado “Ragtime” (1981) que le valió 15 nominaciones entre Oscares y Globos de Oro y no se llevó un solo galardón. En (1989) rueda la coproducción USA- Francia “Valmont”, un drama de época que fue un poco ignorado por la crítica, para luego lanzarse sobre 2 personajes bastante controversos y llevarse otra andanada de premios: “El Pueblo vs Larry Flint” (1996) y “El Mundo de Andy” (1999), esta última con el impagable Jim Carrey en su mejor inerpretación.
Después solo ha presentado una coproducción con España, "Los Fatasmas de Goya" (2006), con el ganador del Oscar Javier Bardem. Tiene dos proyectos en andamiento. No ha sido un director muy prolífico, pero reúne lo mejor de la escuela europea y Hollywodiense, tiene fuerte personalidad dentro del set sacando lo mejor de quien dirige, y aprovecha a fondo el capital para crear fenomenales puestas en escenas. Como Mejor Director ha ganado el Óscar por “Atrapado sin Salida” y “Amadeus”; el BAFTA por “Amadeus”; El Oso de Oro del Festival de Berlín por “El Pueblo vs Larry Flynt”; y el Globo de Oro por “Amadeus”, “El Pueblo vs Larry Flynt” y “Atrapado sin Salida”. Sin lugar a dudas, uno de los grandes de la historia.

Filmografía._ (largometrajes)
• 1960 – “Linterna Mágica II” - Laterna magika II
• 1963 – “Audición” – [Konkurs] – Audition
• 1964 – “Pedro el Negro" - [Černý Petr] Black Peter
• 1965 – “Los Amores de una Rubia” - [Lásky jedné plavovlásky] A Blonde in Love
• 1967 – “¡Al fuego Bomberos!” – [Horí, má panenko] The Fireman's Ball
• 1971 – “Juventud sin esperanza” – Taking Off
• 1975 – “Atrapado sin Salida” - One Flew Over the Cuckoo's Nest
• 1979 – “Hair”
• 1981 – “Ragtime”
• 1984 – “Amadeus”
• 1989 – “Valmont”
• 1996 – “El Pueblo vs Larry Flynt” – The People vs Larry Flynt
• 1999 – “El Mundo de Andy” – Man on the Moon.
• 2006 – “Los Fantasmas de Goya” - Goya's Ghosts

30 octubre 2009

Directores – Bigas Luna

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José Juan Bigas Luna , conocido artísticamente como Bigas Luna (Barcelona - España, 19 de marzo de 1946), Director y guionista de cine español. Ganador del León de Plata al Mejor Director. Muere el 5 de Abril de 2013 a los 67 años.

Después de estudiar diseño industrial, se introduce en el mundo del cine rodando pequeños formatos a mediados de los 70. Con su primer largometraje, “Tatuaje” (1976), inicia una trilogía que muestra la degradación de España en medio de la democratización. Adquiere prestigio internacional con “Bilbao” (1978), la cual es seleccionada para el Festival de Cannes. Con “Renacer” (Reborn, 1981), realiza su primera coproducción internacional conociendo el cine norteamericano y consiguiendo recursos para contratar actores independientes y de mayor prestigio. De vuelta a Barcelona rueda “Lola” (1986). Al año siguiente estrena “Angustia” (1987), un film de Terror diferente a su propuesta hedonista y erótica, tornándose un punto de incognita dentro de su filmografía. Luego se retira a Tarragona y decide dedicarse a la pintura.
Un retiro de 3 años donde se produce el cambio de estilo, ya que entrado los 90 el productor Andrés Vicente Gómez le encarga un nuevo proyecto que lo hará revivir. Con “Las Edades de Lulu” (1990) consigue llegar a un publico más diversificado obteniendo la atención de la crítica.
Siendo un glotón declarado, decide hacerle un homenaje a la comida con la “trilogía Gastronómica”, compuesta por “Jamón Jamón” (1992), “Huevos de Oro” (1993) y “La Teta y la Luna” (1994). Películas bastante hispánicas y menos agresivas que todas las anteriores, con lo cual se quitó un poco el mote de “director maldito” o “proscrito”. Las dos primeras de este ciclo sirvieron para darle notoriedad internacional a Penélope Cruz y a Javier Barden.
Bigas Luna también es considerado por muchos como heredero de Buñuel, ya que sus cintas están repletas de fantasías e irrealidades, pero es el erotismo el que marca la pauta de la historia en sus últimas realizaciones. Generalmente todo gira en torno de fuertes personajes femeninos, en busca de felicidad y placer en medio de sus bisoñas vidas; como en “Lola” (1985), “Las Edades de Lulu” (1990), “La camarera del Titanic” (1997) y “Yo soy la Juani” (2006). Ha rodado tanto en catalán como en castellano, francés e italiano, llevando su propuesta más allá de su Barcelona original. Sus últimos proyectos han sido propuestas experimentales. Hacia el clasismo con “Volavérunt” (1999), y la más evolutiva (o tal vez retro) “Yo soy la Juani” (2006), donde hay todo un estudio de comportamiento de periferia urbana y aplicación de nuevas formas de filmación y exposición de tecnología.

Filmografía (largometrajes)
• 1976 – “Tatuaje”
• 1978 – “Bilbao”
• 1979 – “Caniche”
• 1981 – “Renacer” - [Reborn]
• 1986 – “Lola”
• 1987 – “Angustia”
• 1990 – “Las Edades de Lulu”
• 1992 – “Jamón, Jamón”
• 1993 – “Huevos de Oro”
• 1994 – “La Teta y la Luna” - [La teta i la lluna]
• 1996 – “Lumiere y Compañía” (Director de uno de los cortos)
• 1996 – “Bámbola”
• 1997 – “La Camarera del Titanic” [La femme de chambre du Titanic].
• 1999 – “Volavérunt”
• 2001 – “Son de Mar”
• 2006 – “Yo soy la Juani”
• 2010 – “Di Di Hollywood”.

A Bigas Luna no le importa que los internautas se descarguen gratis sus películas. Al revés, le encanta. En medio de la controversia en torno a la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, y su polémica ley antipiratería, el cineasta español ironiza sobre el asunto: “Pondría una alfombra roja a quienes se descargan mis películas. Yo sólo quiero que la gente las vea. Ir contra las personas que se las descargan es una hipocresía brutal”. Para seguir leyendo PULSA AQUI

25 octubre 2009

Muestra Internacional de cine de São Paulo tiene El 1° festival Online

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La 33ª MUESTRA DE CINE DE SÃO PAULO y THE AUTEURS, en una iniciativa pionera, ofrecen el 1° FESTIVAL ONLINE del mundo.

Esta es la primera vez en la historia que un festival de cine importante dispone una vasta selección de películas de su programación, y esperamos que se torne un modelo para que todos los festivales promuevan el cine internacional más allá de su público local.

El acceso en streaming, estará disponible para los primero 300 que accedan después de la primera exhibición de la película dentro de la programación de la 33ª MOSTRA, dentro del período de su realización, en la página www.theauteurs.com/saopaulo

THE AUTEURS es la mayor comunidad online de películas independientes y clásicos de todo el mundo, con películas incluidas en el archivo por cinéfilos. Fundada en 2007, es patrocinada por la Celluloid Dreams, la mayor productora de cine independiente del mundo; Criterion Collection, mayor sello internacional de DVDs de arte; y la Costa Films, la cual es asociada exclusiva de la World Cinema Foundation, fundación para la preservación de películas presidida por Martin Scorsese, con oficinas en Palo Alto (EUA), Nueva York, Paris y Londres.

“Así mismo, las ideas más visionarias cuando no encuentran resonancia en otros y no son seguidas, acaban por morir. Es maravilloso ver este espíritu en equipo (con la Muestra). Estamos lanzando juntos el primer festival online del mundo y haciendo historia. La Muestra de São Paulo está al frente de otros Festivales”, afirmó Hengameh Panahi, dueña de Celluloid Dreams, una de las más importantes productoras independientes de cine del mundo, responsable por películas vencedoras de grandes festivales, como Cannes 2009 (Un Profeta – Gran Premio del Jurado 2009) y Venecia (Hana-Bi, León de Oro 1997; Lebanon, León de Oro 2009).

Vea los títulos y las fechas de exhibición online en el programa del 1° FESTIVAL ONLINE:
(fuente: Jornal da Mostra)

Mismo tema en otros Blogs:
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Technorati: - -

18 octubre 2009

Amores Etilicos

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Vivió una vida de mierda, pero la providencia lo hizo famoso después de cumplir 50, y jamás abandonó su amor a la bebida.
Charles Bukowski es considerado por muchos como un escritor maldito, de prosa basura con olor a mugre, aunque algunos ven solo la verdad de un hombre sin complejos. Lo cierto del caso es que pudo gozar parte de ese culto aún en vida y recien cumple 15 años de fallecido.
No conozco a fondo la prosa de Buk más allá de ciertos extractos, pero me cayó por casualidad el interesante documental "Bukowski - Born into this", por el que pude adentrarme en la figura. El documental es preciso y bien logrado, al punto que consideré crear una Muestra sobre cine de Amores etilicos, para acompañar el doc en el Blog.
Pues bien, afinen que el menú es bueno. Hay cine de mano de los excelentes chefs: Babenco, Schroeder, Figgis y Payne. El plato principal es la opera prima de John Dullaghan. Disfruten... y comenten. (Bruz)

Tallo de Hierro (1987)

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MUESTRA DE AMORES ETÍLICOS._ Después del éxito alcanzado con "El Beso de la Mujer Araña", los estudios Tristar le encargan a Hector Babenco, la dirección del laureado romance de Willian Kennedy. Aunque representó nominaciones al Oscar a los multigalardonados Jack Nicholson (3 Oscares en 12 nominaciones) y Meryl Streep (2 Oscares en 15 nominaciones), la película no tuvo el esperado retorno en taquilla. Pero los dos actores lucen convincentes y aparentemente peos de bola, acompañados del siempre emblemático Tom Waits. (Bruz)

Ironweed
 Ironweed
(1987) on IMDb
AÑO: 1987
DURACIÓN: 143 min.
PAÍS: USA.
DIRECTOR: Hector Babenco
GUIÓN: William Kennedy (Novela: William Kennedy).
MÚSICA: James Horner.
FOTOGRAFÍA: Lauro Escorel.
ELENCO: Jack Nicholson, Meryl Streep, Carroll Baker, Michael O'Keefe, Tom Waits, Fred Gwynne.
PRODUCTORA: TriStar.
GALARDONES: Meryl Streep y Jack Nicholson nominados al Oscar 1988; Jack Nicholson nominado al Globo de Oro 1988; Jack Nicholson ganador como mejor actor por la Asociación de críticos de Los Ángeles y por el Círculo de Críticos de New York

1938. Durante la época de la Gran Depresión Francis Phelan, un antiguo jugador de beísbol, abandona a su familia tras un trágico accidente, convirtiéndose en un borracho vagabundo que, junto a una antigua novia y compañera de borracheras, intentan escapar del doloroso recuerdo de un pasado que le persigue.... (FILMAFFINITY)

Revisar otras críticas en FILMAFFINITY

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Ironweed (1987) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
564 Mb en 3 links / No Pass / Film alojado en Depositfiles
AQUI DOWNLOAD
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10 octubre 2009

Directores - Wim Wenders

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Wilhelm Wim Ernst Wenders (Düsseldorf - Alemania, 14 de agosto de 1945), guionista, productor, actor y director de cine alemán.

De 1967 a 1970 frecuenta la Hochschule für Film und Fernsehen en Munich, pero ya en 1967 realiza su primer corto Escenario (Schauplätze). Al año siguiente hace otros tres: El mismo jugador dispara de nuevo (Same Player Shoots Again), Klappenfilm, dirigido junto a Gerhard Theuring, y Victor I. El mismo año empieza a colaborar como crítico en "Filmkritk" y "Suddeutsche Zeitung".
Habiendo nacido en una época en la que Alemania comenzó a girar hacia la cultura estadounidense para olvidar su propio pasado, Wenders tiende a explorar en sus películas la presencia estadounidense en el inconsciente europeo, o más concretamente la americanización de la Alemania de posguerra.
Con su película El amigo americano (1977), basada en la novela El juego de Ripley, de Patricia Highsmith, Wenders obtuvo reconocimiento internacional. A partir de ese momento Wenders comenzó lo que podría denominarse su etapa más prolífica, encadenando títulos experimentales como Lightning Over Water (Relámpago sobre el agua) (1980), documental sobre la agonía y muerte del director Nicholas Ray, que lo co dirigió, y El estado de las cosas (1982) con historias intimistas y más convencionales como Paris, Texas (1984), Cielo sobre Berlín (1987) o su secuela Tan lejos, tan cerca (1993) .

Filmografía (largometrajes)
• 1970 – “Verano en la ciudad” - Summer in the city
• 1971 – “El miedo del arquero al tiro penal” - [Die Angst des Tormanns beim Elfmeter]
• 1972 – “La letra escarlata” - [Der scharlachrote Buchstabe]
• 1974 – “Alicia en las ciudades” - Alice in the Cities [Alice in den Städten]
• 1974 – “Falso movimiento” - [Falsche Bewegung]
• 1975 – “En el curso del tiempo” - [Im Lauf der Zeit]
• 1977 – “El amigo americano” - [Der amerikanische Freund]
• 1980 – “Relámpago sobre el agua” - [Lightning over water]
• 1982 – “El estado de las cosas” - [Der Stand der Dinge]
• 1982 – “Hammet - El Halcón Maltes” - Hammett
• 1984 – “París, Texas”
• 1985 – “Tokio-Ga”
• 1987 – “Cielo sobre Berlín” - Wings of desire [Der Himmel über Berlin].
• 1991 – “Hasta el fin del mundo” - Until the end of the world [Bis ans Ende der Welt].
• 1993 – “¡Tan lejos, tan cerca!” - [In weiter Ferne, so nah!].
• 1994 – “Lisboa Story” - [Lisbon Story].
• 1995 – “Más allá de las nubes” - [Par delà les nuages]
• 1996 – “Lumiere y Compañía” (Director de uno de los cortos)
• 1996 – [The Gebrüder Skaladanowsky].
• 1997 – “El final de la violencia” - The end of violence
• 1999 – “Buena Vista Social Club”
• 2000 – “El hotel del millón de dólares” - The Million Dollar Hotel
• 2002 – “Ten Minutes Older: The Trumpet” - (Dirige uno de los episodios)
• 2003 – “The soul of a man”
• 2004 – “Tierra de abundancia” - Land of Plenty.
• 2005 – “Llamando a las puertas del cielo” - Don´t come knocking
• 2007 – “Crímenes invisibles” - Invisibles (capítulo)
• 2008 – “Palermo Shooting”
Fuente: Wikipedia

23 septiembre 2009

Naqoyqatsi [Vida como la guerra] (2002)

1 Cinéfilos Comentaron
Naqoyqatsi [Life as War]
 Naqoyqatsi
(2002) on IMDb
AÑO: 2002
DURACIÓN: 86 min.
PAÍS: USA
DIRECTOR: Godfrey Reggio
GUIÓN: Godfrey Reggio
MÚSICA: Philip Glass
FOTOGRAFÍA: Russell Lee Fine
REPARTO: Planeta Tierra y Seres vivos del Planeta
PRODUCTORA: Miramax Films

En esta tercera y última parte de la trilogía, Godfrey Reggio nos muestra al hombre en conflicto consigo mismo, como todo en el planeta vive en una continua lucha por ser el más apto.
La fotografía está a cargo de Russell Lee Fine, y la banda Sonora continua bajo del mismo Philip Glass . Si las vistes todas, nos gustaría saber sus impresiones sobre la Trilogía de las Quatsi por medio de un comentario.

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AQUI DOWNLOAD
Naqoyqatsi (2002) / Musicalización Minimalista / DVDrip > rmvb
547 Mb en 3 Partes / No Password / Archivos alojados en Depositfiles
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Powaqqatsi [Vida en Transformación] (1988)

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Powaqqatsi [Life in Transformation]
 Powaqqatsi
(1988) on IMDb
AÑO: 1988
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: USA
DIRECTOR: Godfrey Reggio
GUIÓN: Godfrey Reggio & Ken Richards
MÚSICA: Philip Glass
FOTOGRAFÍA: Graham Berry & Leonidas Zourdoumis
REPARTO: Planeta Tierra y Seres vivos del Planeta
PRODUCTORA: Qatsi Productions

Segunda parte de la trilogía Quatsi. En Powaqqatsi se hacen analogías de cómo la vida en el planeta es pura transformación. La receta es la misma que la de Koyaanisquatsi para mostrar como las cosas cambian tras los efectos externos, o apenas por simple proceso natural de vida. La fotografía está a cargo de Graham Berry & Leonidas Zourdoumis, y la música continua al commando de Philip Glass . Disfruten … y espero puedan dejar comentarios.(Bruz)

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AQUI DOWNLOAD
Powaqqatsi (1988) / Musicalización Minimalista / BRrip > MKV
557 Mb en 3 Partes / No Password / Archivos alojados en Depositfile
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Koyaanisqatsi [Vida en desequilibrio] (1982)

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A través del poder de las imágenes y la banda sonora minimalista de Philip Glass, podemos viajar y hasta alucinar con secuencias de imágenes que van desde la placidez blanca atravesando un cielo azul, hasta el estridente rojo de los faroles de vehículos a alta velocidad en medio de convulsionadas ciudades. Es considerado como uno de los principales documentales producidos hasta ahora. IMPERDIBLE.(Bruz)
Koyaanisqatsi [Life Out of Balance]
 Koyaanisqatsi (1982) on IMDb
AÑO: 1982
DURACIÓN: 86 min.
PAÍS: USA
DIRECTOR: Godfrey Reggio
GUIÓN: Godfrey Reggio, Ron Fricke, Michael Hoenig
MÚSICA: Philip Glass
FOTOGRAFÍA: Ron Fricke
REPARTO: Planeta Tierra y Seres vivos del Planeta
PRODUCTORA: IRE Production

El proyecto comenzó a ser realizado en el año 1975, y fue presentado por primera vez ante 5000 personas el 4 de Octubre de 1982 en el Radio City Hall de Nueva York. Le siguieron Powaqqatsi (1988) y Naqoyqatsi (2002), convirtiéndose en una trilogía de documentales de CULTO. Koyaanisqatsi refleja la colisión entre la vida de los hombres en la sociedad moderna (vida urbana y occidental: tecnología, ciencia y consumismo), y la naturaleza en el ambiente del planeta Tierra en franca aleatoriedad.

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AQUI DOWNLOAD
Koyaanisqatsi (1982) / Musicalización minimalista / BRrip > MKV
524 Mb en 3 Partes / No Password / Archivos alojados en Depositfiles
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