Mi tío (1958)

FILMOGRAFÍA JACQUES TATI._ Con la tecnología y el presupuesto disponibles, Tati filmó su primera película a color, cuidando minuciosamente todos los detalles, con especial énfasis en la geometría, el color, la iluminación y la banda sonora. La escenografía fue construida por Jacques Lagrange en 1956 en los antiguos estudios La Victorine en Niza y destruida poco tiempo después de la filmación. Se grabaron al mismo tiempo dos versiones, una en francés y una en inglés. Desafortunadamente, sólo pude conseguir la versión en francés.
&nbsp&nbsp&nbspInterpretando nuevamente al Sr. Hulot, Tati hace una especie de sátira al modernismo, el consumismo y la industrialización que iban transformando a la sociedad Francesa de posguerra, señalando especialmente la superficialidad de los nuevos ricos, que ponen más atención a las cosas materiales y a la ostentación, antes que a sus seres queridos, contraponiendo a un Sr. Hulot que disfruta de las cosas simples de la vida.
&nbsp&nbsp&nbspEsta fue su película más laureada, logrando el Oscar a mejor película extranjera y el Premio Especial del Jurado en Cannes, entre otros premios. Hoy en día es posible apreciar otra estatua del Sr. Hulot junto a su sobrino y un perro en Saint-Maur-des-Fossés. También se puede apreciar una réplica de la Villa Arpel, ubicada en el centro cultural Cent Quatre en París. (Cris)

Mon Oncle
              
AÑO: 1958
DURACIÓN: 120 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Jacques Tati
GUIÓN: Jacques Tati, Jacques Lagrange, Jean L'Hôte.
MÚSICA: Franck Barcellini, Alain Romans.
FOTOGRAFÍA: Jean Bourgoin.
ELENCO: Jacques Tati, Jean-Pierre Zola, Adrienne Servantie, Lucien Frégis, Betty Schneider, Jean-François Martial.
PRODUCTORA: Gaumont Distribution, Specta Films, Gray-Film, Alter Films.
PREMIOS: Premios Oscar: Mejor película extranjera; Festival de Cannes: Premio especial del jurado; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera; National Board of Review: Mejores diez películas extranjeras.

El señor Hulot (Jacques Tati) no tiene trabajo, ocupándose de llevar a su sobrino Gérard (Alain Becourt) a la escuela y traerlo después a la ultramoderna casa de su hermana (Adrienne Servantie), casada con el señor Arpel (Jean-Pierre Zola), quien intenta ocupar a su cuñado en la empresa de fabricación de tubos de plástico en la que trabaja. (FILMAFFINITY)

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Las vacaciones del señor Hulot (1953)

FILMOGRAFÍA JACQUES TATI._ Tati se hizo una reputación gracias a “Día de fiesta” pero con esta película alcanzó reconocimiento internacional. Es aquí donde vemos por primera vez a su icónico personaje: Monsieur Hulot, con el que encadenó una serie de 4 películas. Dicho personaje, indudablemente, estaba inspirado en otros personajes del cine mudo, pero a la vez era una especie de antítesis de los mismos, o una evolución de la comedia clásica. Este personaje sirvió de inspiración también para crear al contemporáneo Mr. Bean. Rowan Atkinson siempre ha confesado que el Sr. Hulot de Tati fue su inspiración e incluso en 2007 hizo su “Mr. Bean’s Holiday” ambientada en Francia, homenaje a esta película.
&nbsp&nbsp&nbspA partir de aquí comenzamos a apreciar el estilo que nuestro director desarrollaría durante los siguientes 20 años. Aunque casi no hay diálogos, tampoco es una película muda; el sonido juega un papel sumamente importante, dándole sentido cómico a muchas situaciones. Escenas con varios personajes meticulosamente coreografiadas son parte también del estilo Tati.
&nbsp&nbsp&nbspEsta película concursó por la Palma de Oro en Cannes y le dio a nuestro director su primera nominación a un Oscar en la categoría de Mejor Guion Original. También conquistó el Premio Louis Delluc. Hoy en día se puede apreciar una estatua del Sr. Hulot viendo hacia la playa en el pueblo de Saint-Nazaire, donde fue filmada esta película. (Cris)

Les vacances de Monsieur Hulot aka Monsieur Hulot's Holiday
              
AÑO: 1953
DURACIÓN: 114 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Jacques Tati
GUIÓN: Jacques Tati, Henri Marquet.
MÚSICA: Alain Romans.
FOTOGRAFÍA: Jacques Mercanton, Jean Mousselle.
ELENCO: Jacques Tati, Nathalie Pascaud, Michèle Rolla, Valentine Camax, Louis Perrault, André Dubois, Valentine Camax.
PRODUCTORA: Cady Films.
PREMIOS: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película);
Círculo de críticos de Nueva York: Nominada a Mejor película extranjera; National Board of Review: Top Mejores películas extranjeras; Nominada al Oscar: Mejor historia y guión.

En un balneario de la costa atlántica, los veraneantes son incapaces de apartarse de sus rutinarias costumbres urbanas. Hasta que llega monsieur Hulot al volante de su viejo cacharro y rompe la calma estival. Para gran alegría de los niños, Hulot ofrecerá a los huéspedes del hotel unas vacaciones inolvidables. (FILMAFFINITY)

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Cosideraciones Finales de la Muestra Maestra!!

CONCLUSIONES ._Estás seran las apreciaciones mas importantes que recogemos de lo trabajado en los Posts, en gran medida mucha de la información que aquí presentaremos fue validada en investigaciones, tesis, libros, etc. Nosotros brevemente volveremos a dichos aspectos para darle un bonito cierre a un arduo trabajo hecho a tres manos por más de dos meses. (Ale)

Primera Consideración: La Nueva Ola del Cine Francés fue un movimiento cinematografico que surgió en francia a finales de los años 50s y principios de los años 60s; mucha parte de ésta iniciativa se debe a un grupo de jóvenes intelectuales, agrupados en torno a la revista Cahiers du Cinéma (ellos son el nucleo principal).
Segunda Consideración: los referentes, precursores y personajes que inspiraron a esta “nueva ola” fueron en gran parte, Jean-Pierre Melville, Alexandre Astruc y Roger Vadim; que sientan precedentes en los cambios del cine precentados en la Nueva Ola, siendo ya ellos mismos representantes del cine moderno. Hay otros directores de cine como Bresson, Renoir y Becker, que siguen trabajando para finales de los 50s y principios de los 60s, que sin pertenecer a la Nouvelle Vague ni proponer ninguna ruptura generalizada con lo anterior, influyen en la cinematografía de los jóvenes por la admiración que algunos de éstos les profesan. Tambien cabe destacar en este apartado a tres cineastas que, sin llegar a formar parte en sentido estricto de la Nouvelle Vague, son contemporáneos al movimiento y tienen ciertas vinculaciones con él: Jean Cocteau, Jean Rouch y Georges Franju. Y por ultimo es imposible no citar al célebre André Bazin influyente crítico de cine y teórico cinematográfico francés (Gracias a él existio la revista, entre otras cosas más).
Tercera consideración: Estas son las principales características que la Nouvelle Vague Apropia: Las películas son hechas con bajo presupuesto, el rodaje se hace en exteriores en París y con pocos medios técnicos, en el uso de cámaras se prefiere las ligeras para rodar en mano y con libertad, existe un cambio en la fotografía con movimientos novedosos, las tomas largas va ser muy similares al estilo del americano Preminger o del japonés Mizoguchi, los personajes casi siempre estaran sin rumbo ni expectativas (a veces seran más importantes las ideas que los personajes), en muchos momentos de las películas existen improvisaciones de rodaje o de los actores, algunas veces los montajes son discontinuos, los planos y tomas en las películas sirven para homenajear a otros autores o hacer publicidad, etc.
Cuarta Consideración Existio un contexto histórico-fílmico que envolvio a la Nouvelle Vague, en el cual varias situaciones se dieron para pensar a futuro; la crisis en el área de la política internacional, la aprobación por referéndum la V República, la iniciativa de André Malraux, en el Ministerio de Asuntos Culturales, el aumento en el número de hogares que disponen de aparatos de televisión, el volumen de público que asiste a las salas de cine desciende llamativamente, también disminuye de modo considerable el tiempo que permanece en cartel una película, muchos cines desaparecieron y, los que no, hicieron reformas, y por ultimo, se aumenta el precio de las entradas, el Estado toma una serie de medidas de apoyo económico a la cinematografía y, se potencia la realización cinematográfica con la revolución en el sistema de producción que supone el cine moderno.
Quinta y ultima Consideración El término Nouvelle Vague y sus Directores segun la historiografía, no tiene una postura definida, unos tienden a englobar dentro de la etiqueta Nouvelle Vague a todos los cineastas que rompieron con la dinámica de la Qualité y con su sistema de producción habitual; otros historiadores hablan de Nouvelle Vague para referirse únicamente a los miembros de la revista Cahiers du cinéma; entre muchas otras calificaciones popularizadoras; en definitiva, bajo esta etiqueta ha llegado hasta nuestros días como un movimiento que recoge entre sus filas a miembros muy dispares en estilo, ideología e intenciones, pero que llegarán a cambiar el modo de producción, la estética y los contenidos de las películas francesas.
El término Nouvelle Vague nace como un concepto más amplio que sólo un movimiento cinematográfico y se entiende su vinculación con el cine en un sentido sociológico; la Nouvelle Vague propuso un cine alternativo al convencional, tanto en los modos de producción como en la estética y los contenidos. Este cine supone la apertura de una brecha que da pie a los cineastas a actuar con mayor autonomía y desarrollar así su creatividad artística.

Estás son algunas de las conclusiones que fueron reseñadas en el transcurso de los distintos Posts, mucha de esta imformación fue tomada del escrito y analisis "La "Nouvelle Vague" vista desde un siglo nuevo" hecho por Teresa Nozal en el 2004.

Sólo queda agradecer a las miles de personas que dscargaron y siguen descargando el materia filmico, a los que comentaron y que seguiran comentando, a los que nos enviaron correos electronicos con nuevas ideas, felicitaciones y multiples asuntos por trabajar. a toods y cada uno de ustedes un abrazo fuerte, un brindis y un proximo y venturoso nuevo encuentro con el Cine!! Recordad que el cine es para todos y todas !!

Si quieres ir a la página de Nouvelle Vague en Wikipedia Dale CLIC AQUI

Bellísima (1951)

NEORREALISMO ITALIANO._ Como dijimos al principio, los escritores fueron tan responsables de este movimiento como los directores. Uno de los principales escritores fue Cesare Zavattini, prolífico guionista Italiano al que se le acreditan varios de los éxitos de la época. Se llegaron a filmar más de 80 películas con guiones suyos y escribió para todos los directores importantes de esos años.
    Esta película fue filmada, en parte, en los estudios Cinecittà, que después de haber sido bombardeados durante la guerra y haber servido como albergué durante dos años, finalmente fueron habilitados para hacer cine en 1950. Esta cinta contó con la muy buena actuación de la hermosa Anna Magnani, a quién ya tuvimos en “Roma, Citta Aperta” (1945), y qué tiene una personalidad que me encanta. El que se empezara a utilizar más frecuentemente a actores profesionales y que se habilitaran los estudios Cinecittà, era señal de que la cosa mejoraba y que este movimiento comenzaba a llegar a su fin, aunque como comentamos anteriormente, no desapareció por completo, sino que fue evolucionando. (Cris)

Bellissima

AÑO: 1951
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Luchino Visconti
GUIÓN: Suso Cecchi D'Amico, Francesco Rosi, Luchino Visconti.
MÚSICA: Franco Mannino.
FOTOGRAFÍA: Piero Portalupi (B&N).
ELENCO: Anna Magnani, Walter Chiari, Tina Apicella, Gastone Renzelli, Alessandro Blasetti,Tecla Scarano.
PRODUCTORA: Film Bellissima.
PREMIOS: Italian National Syndicate of Film Journalists, 1952: Mejor Actriz para Anna Magnani.

En los estudios de Cinecittà, el director Alessandro Blasetti está haciendo un casting para seleccionar a la niña que actuará en su nueva película. Entre las madres que han llevado a sus hijas está Maddalena Cecconi, una mujer de barrio que sueña con ver a su hija en el Olimpo de las grandes estrellas. Contra la voluntad de su marido, Maddalena no repara en medios para conseguir su objetivo: inscribe a María en un curso de baile y actuación, le paga fotógrafo y peluquera, le encarga vestidos a medida. En su obsesión, confía incautamente en Alberto Annovazzi, un especulador sin escrúpulos que dice tener los contactos necesarios para que María realice la prueba. (FILMAFFINITY)

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Milagro en Milán (1951)

NEORREALISMO ITALIANO._ Cuenta la leyenda que Cesare Zavattini y Vittorio De Sica concibieron Milagro en Milán como una reacción a la ola de críticas y censura que el movimiento neorrealista debió padecer en su país. Si bien películas como Roma, Ciudad Abierta y Ladrón de Bicicletas fueron grandes éxitos a nivel internacional; a la coalición democrata-cristiana que encabezaba el gobierno de posguerra no le gustaba nada la imagen que estos filmes presentaban de una Italia en supuesta “reconstrucción”. “Los trapos sucios se lavan en casa” pensaban muchos italianos a los que las películas neorrealistas les parecían amargas y deprimentes. La respuesta de Zavattini y De Sica sería “Hacemos estas películas justamente porque vivimos en una realidad amarga y deprimente”. Sin embargo, deciden tomar esa realidad y mostrarla pero en tono de fábula mágica y costumbrista. El resultado es una Obra Maestra absoluta llamada Milagro en Milán, que bebe en fuentes tan ricas como las de Charles Chaplin o René Clair, para crear una comedia fantástica que no traiciona en ningún momento su fondo neorrealista. (HarryHaller)

Miracolo a Milano aka Miracle in Milan

AÑO: 1951
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Vittorio De Sica
GUIÓN: Cesare Zavattini, Vittorio De Sica, Suso Cecchi D'Amico, Mario Chiari, Adolfo Franci.
MÚSICA: Alessandro Cicognini.
FOTOGRAFÍA: G. R. Aldo.
ELENCO: Emma Gramatica, Francesco Golisano, Paolo Stoppa, Guglielmo Barnabò, Brunella Bovo, Alba Arnova, Anna Carena.
PRODUCTORA: P.D.S. / E.N.I.C..
PREMIOS: Cannes 1951: Palma de Oro; Círculo de Críticos de Nueva York, 1951: Mejor película extranjera; Premios BAFTA, 1952: Nominada a mejor película y actor extranjero (Francesco Golisano).

Totó es un bondadoso huérfano que vive, igual que otros muchos desharrapados, en un mísero barrio de chabolas en las afueras de Milán. Cuando en los terrenos donde viven se descubre petróleo, Totó, tan ingenuo como bienintencionado, decide enfrentarse al poderoso señor Mobbi, el dueño del suelo. Aunque contiene elementos fantásticos, constituye con "Ladrón de bicicletas" y "Umberto D." la gran trilogía neorrealista de De Sica. (FILMAFFINITY)

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Europa ‘51 (1952)

NEORREALISMO ITALIANO._

Europa ‘51 aka Europe ‘51 aka The Greatest Love

AÑO: 1952
DURACIÓN: 113 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Roberto Rossellini
GUIÓN: Roberto Rossellini, Sandro De Feo, Mario Pannunzio, Ivo Perilli, Brunello Rondi.
MÚSICA: Renzo Rossellini.
FOTOGRAFÍA: Aldo Tonti (B&N).
ELENCO: Ingrid Bergman, Alexander Knox, Ettore Giannini, Teresa Pellati, Giulietta Masina, Marcella Rovena, Tina Perna, Sandro Franchina, Giancarlo Vigorelli, Maria Zanoli,Silvana Veronese, William Tubbs, Alberto Plebani, Eleonora Barracco, Alfred Brown, Alfonso Di Stefano.
PRODUCTORA: Ponti-De Laurentiis Cinematografica.
PREMIOS: 1952: Festival de Venecia: Premio Internacional. Nominada al León de Oro (mejor película).

Un rico matrimonio estadounidense que lleva en Roma una vida despreocupada, ve cómo su hijo se suicida. La madre, traumatizada y sintiéndose culpable por no haber atendido más a su hijo desde la infancia, decide ayudar a la gente más necesitada en los barrios más humildes de la ciudad. Sin embargo, su ayuda a un delincuente la pondrá bajo sospecha a ojos de la policía. (FILMAFFINITY)

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Umberto D. (1952)

NEORREALISMO ITALIANO._ Nuevamente en colaboración con Cesare Zavattini, Vittorio De Sica nos lleva por otra historia muy real y humana. En “El Limpiabotas” (1946) nos mostró a un grupo de niños y sus sueños, en “Ladrón de Bicicletas” (1948) la aflicción un hombre adulto. Esta vez, nos muestra el sufrimiento y lucha de un anciano, al que sus años productivos se le fueron, y sobre eso, tiene que enfrentarse a la dura vida en la Italia de posguerra, sin más apoyo que el de su perro. De Sica cuenta que tomó inspiración de la vida de su propio padre, a quién le dedicó esta película.
    “Umberto D.” fracasó en taquilla y fue muy criticada en su tiempo. Hoy es considerada una Obra Maestra. En 2005, la revista Time la incluyó en su lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos (All-Time 100 Movies). Para la mayoría de los expertos, esta fue la última película del Neorrealismo Italiano.
    Como hemos venido comentando, la situación económica mejoraba. Italia comenzó a vivir, más o menos a partir de 1950, el llamado “Milagro Económico Italiano” y el público demandaba otro tipo de Cine. Las autoridades tampoco consideraban correcto mostrar al mundo dichas películas; querían que se mostrara una mejor cara de Italia y preferían que “La ropa sucia se lavara y tendiera en casa”. Esta forma de hacer cine no desapareció, solo evolucionó. Dejó una gran marca en la historia y su influencia en el Cine Mundial se sintió por muchos años.
    Nosotros seguimos nuestro viaje por Italia, no solo conociendo su cultura y sus lugares, sino también su historia, a través del Cine de cuatro de sus mejores exponentes. (Cris)

Umberto D. aka Humberto D.

AÑO: 1952
DURACIÓN: 84 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Vittorio De Sica
GUIÓN: Cesare Zavattini, Vittorio De Sica.
MÚSICA: Alessandro Cicognini.
FOTOGRAFÍA: G. R. Aldo.
ELENCO: Carlo Battisti, Maria Pia Casilio, Lina Gennari, Memmo Carotenuto, Alberto Albani Barbieri.
PRODUCTORA: Rizzoli Film.
PREMIOS: Nominada al Oscar 1956: Mejor guión; Círculo de Críticos de Nueva York, 1955: Mejor película extranjera; Cannes 1952: Nominada al Gran Premio del Festival.

Umberto Domenico Ferrari es un jubilado que intenta sobrevivir con su miserable pensión. Sumido en la pobreza, vive en una pensión, cuya dueña lo maltrata porque no consigue reunir el dinero necesario para pagar el alquiler de su habitación. Los únicos amigos que tiene en este mundo son una joven criada y sobre todo su perro Flike. (FILMAFFINITY)

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