La Felicidad (1965)

Agnès Varda

LA NOUVELLE VAGUE._ Agnes Varda nos presenta un tercer rodaje poco ortodoxo, que se traduce también en un resultado poco ortodoxo: una película no convencional en forma y contenido que a menudo ha dividido a la crítica. Le Bonheur, suscitó numerosas controversias por su teorema anunciador del desorden amoroso de los años setenta.
El cine de Varda ha buscado caminos alejados del registro cinematográfico clásico, de la narrativa tradicional, de la idea de entretenimiento; La intencionalidad de la directora siempre es clara; brindar una forma de relato objetivado que ayuda a construir un distanciamiento entre obra y espectador y a imponer desde la dirección una necesaria actitud reflexiva del que mira. En todas sus películas Varda nos muestra vidas y conflictos humanos que son emotivos y emocionantes pero lo hace para pensar sobre ellos, no para llorar, ni para entretener.
La mirada es uno de los grandes temas de Varda. La construcción subjetiva de la realidad que nuestra mirada produce en cada parpadeo y que deviene en posiciones diversas y aun antagónicas.
A veces panfletaria, siempre excesiva y sin complejos Varda expone la variedad, nunca es sectaria o cerrada, Varda piensa y nos hace pensar.
Un hermoso documento filmico, que sigue ampliando el curso de un majestuosa Nueva Ola, es por sí mismo un bello ejemplo de la capacidad creadora de la madre, abuela y de la mayor culpable en la existencia del movimiento.
Es ahora el momento de acercarse a la silla, de sentarnos y sentirnos comodos, pues desde mi postura, no sólo les recomiendo éste otro imperdible film, sino que les invito a enlazar y encadenar dicho legado con los anteriores filmes y procurar hacer lo mismo con los venideros. Todos tienen un intencionalidad al ponerlos en la Muestra. (Ale)

Le bonheur

AÑO: 1965
DURACIÓN: 77 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Agnès Varda
GUIÓN: Agnès Varda.
MÚSICA: Jean-Michel Defaye.
FOTOGRAFÍA: Jean Rabier, Claude Beausoleil.
ELENCO: Jean-Claude Drouot, Marie-France Boyer, Claire Drouot, Olivier Drouot, Sandrine Drouot, Marc Eyraud, Sylvia Saurel, Paul Vecchiali.
PRODUCTORA: Parc Film.
PREMIOS: Berlín: Oso de Plata - Premio Extraordinario del Jurado, Interfilm (Recomendación).

François es un joven carpintero casado y con dos hijos. A pesar de que su vida conyugal con Thérese es placentera, cuando conoce a Emilie, no puede evitar sentirse atraído por ella y acaban teniendo una aventura. El verdadero problema es que no consigue aclararse con sus sentimientos: ama a su mujer y también a su amante, pero no sabe a cuál de las dos ama más. (FILMAFFINITY)

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Le Bonheur (1965) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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El Desprecio (1963)

Jean-Luc Godard

LA NOUVELLE VAGUE ._ Jean-Luc Godard crea una adaptación de la novela homónima del escritor italiano Alberto Moravia (Le mépris), rodada en glorioso cinemascope, es un filme muy destacado en el plano formal: sobresaliente. Godard articula la dramaturgia a partir de largos planos secuencia donde la cámara sigue los movimientos de sus personajes. La utilización de los espacios arquitectónicos resulta magistral, tanto en las escenas de interior (ese larguísima, extrema secuencia en el apartamento del matrimonio protagonista en la que los tabiques y los marcos actúan como elementos materiales que metaforizan el progresivo distanciamiento entre Paul y Camille), como en las de exterior (los aledaños de la Casa Malaparte o la arquitectura natural de los acantilados de la isla mediterránea de Capri). El conjunto visual, mezcla de componentes modernos con otros arcaicos (mitológicos, como las estatuas de los dioses griegos), y con un extraordinario uso del color, desprende armonía y absoluta belleza. Un deleite envuelto por una de las composiciones musicales para cine más hermosas de todos los tiempos, obra de Georges Delerue.
La película El desprecio es una maravillosa obra de arte del “cine dentro de cine”, llena de espejismos, analogías, citas, paralelismos, prototipos, alegorías metafísicas, casualidades, intertextualidad y transtextualidad. Siendo la transtextualidad del largometraje representada como la integración del séptimo arte, con otras artes, como lo es, la literatura. El arte como concepto hipocrático de aproximación a la eternidad, es acerca de lo que trata la película, unido a la visión de que un arte nuevo sea capaz de resucitar y pervivir en otro arte supuestamente extinto. Los múltiples alter-ego que son creados de manera sutil por Godard forman un efecto espejo, cuyo reflejo mareante se multiplica hacia el infinito formando un casi inescrutable remolino cuyo efecto vertiginoso hipnotiza, debido a la utilización de la técnica denominada “mise en abyme“ o construcción en abismo. De este modo el drama se convierte en una analogía, que alcanza el grado de sincrodestino de la sociedad moderna con la tragedia griega, debido al eterno deseo de inmortalidad del ser humano y su obsesión con el “Eros” y el “Tanatos”.
El largometraje El desprecio trata del paulatino deterioro de un matrimonio; Curiosamente el largo enlace matrimonial del escritor con su entonces mujer, naufragó después de la publicación, El desprecio marcó el principio del fin del matrimonio entre el director de cine Godard y su mujer-musa (exmodelo fetiche de la controvertida diseñadora Coco Chanel) Anna Karina. (Ale)

Le mépris aka Contempt

AÑO: 1963
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Jean-Luc Godard
GUIÓN: Jean-Luc Godard (Novela: Alberto Moravia).
MÚSICA: Georges Delerue.
FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard.
ELENCO: Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Jack Palance, Georgia Moll, Fritz Lang, Jean-Luc Godard, Linda Veras.
PRODUCTORA: Les Films Concordia / Compagnia Cinematografica Champion / Rome Paris Films.
PREMIOS: En concurso por el Oso de Oro en el festival de Berlín 1960 y Ganadora del Premio al Mejor Director / Premio de Mejor Película 1961 por el Sindicato de criticos de Cine de Francia / Premio Jean Vigo 1960 a la Mejor Realización.

Paul Javal (Michel Piccoli), un dramaturgo francés, acepta reescribir algunas escenas para "La Odisea", una película que se va a rodar en Capri bajo la dirección del renombrado director alemán Fritz Lang (Fritz Lang). En un primer encuentro con el productor norteamericano, el arrogante Prokosch (Jack Palance), el escritor deja que su mujer, la bella Camille (Brigitte Bardot), se vaya en el coche con el productor a la finca de éste. Este hecho dará lugar a un grave mal entendido entre el Javal y su esposa, quien cree que la ha ofrecido como moneda de cambio para obtener un mejor pago. (FILMAFFINITY)

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Le mépris (1963) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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O si tambien prefieres puedes disfrutar de este corto fragmento del detras de camaras:

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Cleo de 5 a 7 (1962)

Agnès Varda

LA NOUVELLE VAGUE._ Agnès Varda nació con el nombre de Arlette Varda en Bruselas, Bélgica, en el seno de una familia de padre griego y madre francesa. Su padre pertenecía a una familia de refugiados griegos de Asia Menor. Estudió Historia del Arte en la École du Louvre antes de conseguir un trabajo como fotógrafa oficial del Teatro Nacional Popular ó Théâtre National Populaire (TNP) de París. Le gustaba la fotografía, pero estaba más interesada en el cine. Después de pasar unos días grabando la pequeña ciudad pesquera francesa de Sète, en el barrio «La Pointe Courte», para un amigo con una enfermedad terminal que no podría visitarla por sí solo, Varda decidió hacer una película. De este modo aparece en 1954 su primera película, La Pointe Courte, que narraba la historia de una triste pareja y su relación en la pequeña ciudad. La película es la precursora estilística de la Nouvelle vague francesa.
Más tarde aparecera su segundo film, el cual la encuadrará definitivamente como una de las precursoras de la Nouvelle Vague, asemejándosela así mismo a autores como Chris Marker, Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet, Jean Cayrol y Henri Colpi. Este grupo estaba fuertemente ligado al Nouveau roman, estilo literario que estaba posicionado políticamente en la izquierda. Varda estuvo casada con el director Jacques Demy desde 1962 hasta su muerte en 1990. Es considerada una de las pioneras del cine feminista.
'Cleo de 5 a 7', de Agnes Varda, es una obra fundamental, donde sabe captar con gran precisión la dinamica vida de su protagonista; hace del tiempo y el espacio, concreción y abstracción, inmediatez y reflejo del conflicto íntimo que se agita en Cleo, a veces signos de lo que teme o de lo que anhela. Registra lo que es la vivencia de esas dos horas, en el que el tiempo es también una experiencia interior, y además se trasciende a la condición alegórica de ésta mujer enfrentada a su forma de habitar la vida
El maravilloso blanco y negro de Rabier nos traslada a una época fascinante del cine, enmarcada en la “nouvelle vague”. El uso de exteriores, la estética de los interiores, la temática de la película, la selección de personajes, el manejo de los movimientos (travelling) de cámara, toda la cinta rezuma del espíritu de ese movimiento emblemático en la Historia del Cine. es imperdible para los amantes del Cine.(Ale)

Cleo de 5 à 7 aka Cleo from 5 to 7

AÑO: 1962
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Agnès Varda
GUIÓN: Agnès Varda.
MÚSICA: Michel Legrand.
FOTOGRAFÍA: Jean Rabier.
ELENCO: Corinne Marchand, Antoine Bourseiller, Dorothée Blanck, Michel Legrand, Dominique Davray, José Luis de Vilallonga, Loye Payen, Jean-Luc Godard, Anna Karina, Eddie Constantine, Jean-Claude Brialy, Sami Frey.
PRODUCTORA: Coproducción Francia / Italia.
PREMIOS: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película).

Cleo, una joven cantante, espera impaciente los resultados de un examen médico. Cuando una adivina que lee las cartas le revela que tiene cáncer y que puede morir, su inquietud aumenta. Tratando de ocupar su tiempo a la espera de los resultados, Cleo conoce a un joven soldado, a punto de partir para hacer el servicio militar en Argelia, al que confía su temor a la muerte. (FILMAFFINITY)

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Cleo de 5 à 7 (1962) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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O si prefiertes pueds ver esta comferencia de Agnes sobre Cleo:

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Jules y Jim (1962)

François Truffaut

LA NOUVELLE VAGUE._François Truffaut como director, dejo una huella imborrable, cómo actor puede decirse que tambien fue acreditado con talento, aparecio en varias de sus propias películas (sobre todo en L'enfant Sauvage) que toma un papel principal. Además actuó en una película de Spielberg "Encuentros en la tercera fase" de 1977.
Lector apasionado, Truffaut llevará al cine muchas novelas: de tipo policiales estadounidenses (La novia vestida de negro y La sirena del Mississippi de William Irish, Vivamente el domingo (o bien, más cercano al francés, Ojalá el domingo llegue pronto, de Charles Williams, Disparen al pianista de David Goodis y Una chica tan decente como yo de Henry Farrell); algunas satírico-costumbristas, destacadamente de Henri-Pierre Roché Jules y Jim y Las dos inglesas y el continente; otras de ciencia-ficción Fahrenheit 451 de Ray Bradbury; y entre otras, un relato de fantasmas de Henry James, en La habitación verde.
El resto de las películas de Truffaut surgen de guiones originales, a menudo en colaboración de sus grandes colaboradores, Suzanne Schiffman, o Jean Gruault. Son películas de temas muy diversos, que van desde Diario íntimo de Adèle H., basada en la vida de la hija de Víctor Hugo, con Isabelle Adjani, o La noche americana, un auténtico homenaje al cine, que fue premiado en la ceremonia de los Óscar de Hollywood con el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1973), y también El último metro, película que se desarrolla durante la ocupación alemana de Francia y con la que ganó diez Premios César concedidos por la Academia del Cine Francés.
La mayoría de las películas de Truffaut tenían un elemento semi-biográfico, lo que refleja su vida y sus estados de ánimo. Un hombre apasionado y abierto, que fue fuertemente atraído por las mujeres, y tenía una estrecha relación con muchos de sus actrices, particularmente Jeanne Moreau, Catherine Deneuve y Fanny Ardant.
Su tercer film está basado en la novela homónima y semi-autobiográfica del escritor francés Henri-Pierre Roché, que narra la relación que el mismo escritor (Jim) mantuvo con Franz Hessel (Jules) y su mujer Helen Grund (Catherine). Es considerada como una de las mejores películas hechas en francia durante muchos años, es una verdadera joya.
Adelante!! apreciad y disfutad!.(Ale)

Jules et Jim aka Jules and Jim

AÑO: 1962
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: François Truffaut
GUIÓN: François Truffaut, Jean Gruault (Novela: Henri Pierre Roché).
MÚSICA: Georges Delerue.
FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard (B&W).
ELENCO: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Marie Dubois, Vanna Urbino, Sabine Haudepin, Boris Bassiak, Kate Noelle, Anny Nielse.
PRODUCTORA: Les Films du Carrosse / Sédif Productions.
PREMIOS: Premios BAFTA: Nominada a Mejor Película y Actriz Extranjera (Moreau).

Desde que se conocieron en 1912, Jules (Oskar Werner) y Jim (Henri Serre) se hicieron amigos tan inseparables que se enamoraron de la misma mujer (Jeanne Moreau). Uno de ellos se casa con ella. Obra muy representativa del cine francés de los sesenta, que constituye un canto al amor y la pasión. (FILMAFFINITY))

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Jules et Jim (1962) / Audio Original - Subtítulos en Español / BRrip > rmvb
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Jules et Jim (1962) / Audio Original / BRrip > MKV x265
Subtítulos Flotantes en Español - Portugués - Inglés
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Paris nos pertenece (1961)

Jacques Rivette

LA NOUVELLE VAGUE ._ Jacques Rivette (Ruan, 1 de marzo de 1928 - París, 29 de enero de 2016) fue un director de cine francés, que junto con Jean-Luc Godard, es considerado uno de los directores más curiosos e influyentes de la nouvelle vague. Sus historias suelen desarrollarse de forma poco convencional; muchas veces mezclan romance, misterio y comedia, e incluyen además escenas improvisadas. Sus primeros pasos los dio al escribir críticas cinematográficas para la revista Gazette du Cinema. Fue asistente de dos grandes realizadores, como lo fueron Jacques Becker y Jean Renoir.
Rivette es considerado miembro fundacional y principal ideólogo de la nouvelle vague, el movimiento francés de los años cincuenta y sesenta que revolucionó la cinematografía de mediados del siglo pasado transgrediendo notoriamente las convenciones narrativas y estéticas del cine clásico de su época,siempre ha sido un autor fiel a sus principios, muy amante de la experimentación, poseedor de un espíritu libre y provocador, dotado de una ambigüedad compleja y misteriosa que incita a cada espectador a intentar enfocar las diferentes cuestiones que plantea de acuerdo con sus propias percepciones. La teatralidad es un aspecto importante en sus obras, y su estilo requiere cierta exigencia en el nivel de atención por parte de quien se enfrente a su lenguaje.
Aunque ya había dirigido tres cortometrajes, Jacques Rivette se dio a conocer en 1956 con Le coup du berger, un mediometraje de 27 minutos con evidentes guiños estéticos al cine Noir, producido por Claude Chabrol (antes de dedicarse a dirigir películas) que también hace las funciones de guionista junto al propio Rivette y Charles Bitsch.
Jacques Rivette partcipó en una histórica mesa redonda en torno a Hiroshima mon amour en la que afirmó que este filme era cubista, ya que dicho arte establecía "una especie de reconstitución de la realidad a partir de cierta fragmentación que puede parecer arbitraria al profano". Algo similar encontramos en la película con la que Rivette debutó en el largometraje, ya que la acumulación de situaciones sin aparente causalidad, engarzadas casi por acumulación, puede dar la impresión de que no existe una estructura regida bajo un signo organizador, de que se trata de una narración temeraria que tiene la desmesura como su principal valedor. La superabundancia existe, es innegable. Es una actitud contraria a la concisión casuística del cine clásico. Rivette reedifica la realidad desde la superposición de coyunturas.
Desde su primer largometraje, París nos pertenece, el director francés tuvo serios problemas con la producción y distribución de sus películas. En este caso tardó 4 años en estrenarse (en 1961) y curiosamente fue mencionada en Los 400 golpes con el fin de agilizar su estreno. Considerada por muchos como la obra fundacional de la Nouvelle Vague francesa, fue rodada con un presupuesto ínfimo (con parones cuando se agotaba el dinero hasta que llegaba nuevo capital). La cinta hace gala de un aspecto formal deudor del noir clásico de intriga y suspense con aroma de cine autor europeo; con un cariz reflexivo de aire bohemio y misterioso, absolutamente transgresor y existencialista interesado en el compromiso hacia el idealismo de una generación intelectual que siente la necesidad de replantearse todo para dar sentido a su vida. (Ale)

Paris nous appartient aka Paris Belongs to Us

AÑO: 1961
DURACIÓN: 141 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Jacques Rivette
GUIÓN: Jean Grault, Jacques Rivette.
MÚSICA: Philippe Arthuys.
FOTOGRAFÍA: Charles L. Bitsch (B&W).
ELENCO: Betty Schneider, Giani Esposito, Françoise Prevost, Daniel Crohem, Jean-Claude Brialy, François Maistre, Brigitte Juslin, Noëlle Leiris, Monique Le Porrier, Malka Ribowska, Louison Roblin, Anne Zamire, Paul Bisciglia, Claude Chabrol, Jean-Luc Godard.
PRODUCTORA: Ajym Films / Les Films du Carrosse.

Una estudiante de literatura acude a una fiesta. Allí conoce a un americano y a un director de teatro. Tras la fiesta, su vida ya no será la misma. Notable drama que supuso el debut en la dirección de Jacques Rivette, crítico de cine de la revista "Cahiers du Cinéma". (FILMAFFINITY)

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Paris nous appartient (1961) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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LA NOUVELLE VAGUE

MUESTRA ._ La Nueva Ola del Cine Francés surgió de la iniciativa de un grupo de jóvenes intelectuales, agrupados en torno a la revista Cahiers du Cinéma, donde aportan nuevas criticas e ideas a su "gran amor" el cine. Plantearon desde sus propios puntos de vista, nuevos métodos de producción, con presupuestos muy reducidos, que les permiten acceder a la industria por sus propios medios. (Ale)

Entre los referentes que inspiraron a esta “nueva ola”, es posible citar al célebre André Bazin. De manera similar, al director y crítico de cine Alexandre Astruc que proclamó un nuevo estilo fílmico, la "cámera-stylo"; un aspecto fundamental que va a favorecer el cambio en el cine francés es el hecho de que en 1958, terminada la guerra de independencia de Argelia, Charles De Gaulle, presidente de la República, nombra como ministro de cultura a André Malraux, que va a impulsar una legislación proteccionista favorable a los cineastas noveles y al cine de calidad. Además, en esa época se constituye una nueva ola de espectadores cinéfilos, formados en la asistencia a cineclubs, que se hallan dispuestos a acoger toda novedad en el terreno cinematográfico.

Otra serie de factores:

A.- La eclosión en Europa y Latinoamérica de un nuevo cine, al que, en cierta medida se adelanta la Nouvelle Vague, con reivindicaciones similares: ruptura expresiva con el canon clásico, historias basadas en la realidad y, en gran medida, situados al margen de los procesos industriales establecidos.
B.-La importancia de la Cinemateca, con un fuerte apoyo estatal, surgida en 1946 y que es foco de debate y reflexión sobre cine, -incluido el norteamericano-, y publicaciones como Cahiers du Cinéma que surge en 1951, dirigida por André Bazin, revista emblemática y refugio de los cinéfilos que habrían de ser directores significativos del movimiento.
C.-El cine norteamericano. Curiosamente y a la vez que rechazan el cine de calidad, valoran los cineastas de la Nouvelle Vague el cine comercial estadounidense de Alfred Hitchcock o John Ford, porque confirman su teoría de que el autor de la película es solamente el director, que logra plasmar su personalidad a pesar de las presiones e influencias del sistema de estudios.

La Nouvelle Vague comienza a tomar forma a finales de los años 50s cuando se van dando un cumulo de acciones que se fueron fortaleciendo desde la revista Cahiers du Cinéma (expuestas en forma de lista mas adelante). Para muchos la existencia de la Nueva Ola se debe a la emblemática Agnés Varda (considerada como la madre y abuela de éste movimiento cinematográfico) que para 1954 ya había iniciado su trabajo con muchos criterios que posteriormente se abordados por los demás directores; recapitulando, las primeras producciones de Chabrol, de Truffaut, de Varda, de Vadim, de Godard, de Alain Resnais, etc. Crean una nueva forma de vivir el cine. Sus obras despertaron la atención Mundial y sentenciaron un nuevo rumbo del séptimo arte.

No debemos olvidar que los cineastas que formaron este movimiento son muy heterogéneos.

Éstas son las principales características que la Nouvelle Vague Apropia:

– películas de bajo presupuesto
– rodaje en exteriores en París y con pocos medios técnicos
– uso de cámaras ligeras para rodar en mano y con libertad
– cambio en la fotografía con movimientos novedosos
– tomas largas (al estilo del americano Preminger o del japonés Mizoguchi)
– personajes sin rumbo ni expectativas
– momentos de improvisación de rodaje y de los actores
– montaje discontinuo
– planos-homenaje a otros autores

Si quieres ampliar más a cerca del Movimiento, puedes ver este video

Ésta sera la lista de las Películas que se han seleccionado para la Muestra Maestra de la Nouvelle Vague (por varios criterios, que pueden ser discutidos en el espacio de los comentarios, solo estarán por ahora los finales de los 50s y los 60s):

La Pointe-Courte (1955) Agnès Varda
Et Dieu créa la femme (1956) Roger Vadim
Le Beau Serge (1958) Claude Chabrol
Les Amants (1958) Louis Malle
Les quatre cents coups (1959) François Truffaut
Hiroshima mon amour (1959) Alain Resnais
Le signe du lion (1959) Eric Rohmer
Les liaisons dangereuses (1959) Roger Vadim
Les cousins (1959) Claude Chabrol
À bout de souffle (1960) Jean-Luc Godard
Tirez sur le pianiste (1960) François Truffaut
L'année dernière à Marienbad (1961) Alain Resnais
Paris nous appartient (1961) Jacques Rivette
Jules et Jim (1961) François Truffaut
Une femme est une femme (1961) Jean-Luc Godard
Lola (1961) Jacques Demy
Vie privée (1962) Louis Malle
Cleo de 5 à 7 (1962) Agnès Varda
Vivre sa vie (1962) Jean-Luc Godard
La jetée (1962) Chris Marker
Muriel (1963) Alain Resnais
Le mépris (1963) Jean-Luc Godard
Le feu follet (1963) Louis Malle
Une femme mariée (1964) Jean-Luc Godard
La religieuse (1966) Jacques Rivette
La guerre est finie (1966) Alain Resnais
La collectionneuse (1967) Eric Rohmer
2 ou 3 choses que je sais d'elle (1967) Jean-Luc Godard
Baisers volés (1968) François Truffaut
La femme infidèle (1969) Claude Chabrol
Ma nuit chez Maud (1969) Eric Rohmer
Domicile conjugal (1970) François Truffaut

Si quieres ir a la página de Nouvelle Vague en Wikipedia Dale CLIC AQUI

CRISIS EN EL CINE ARGENTINO

Nuestra buena amiga Sonia, siempre tan crítica y dispuesta a una pelea en defensa de derechos conquistados, nos hace llegar la información del rollo que se presenta actualmente con el cine Argentino.
La crisis deviene de acciones gubernamentales que ante la actual planificación de recuperación económica, intenta realizar acuerdos y enroques con tal de conseguir apoyo. En busca del vital "curruño" con el sector de difusión privado, el Gobierno Makri terminó tocándole las barbas al INCAA / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, Pilar fundamental del Cine Argentino, de Festivales y talleres e instalaciones Afines.

Pues bien, metieron su elefante en la tienda de cristales y se prendió el avispero. Ya hay un grupo de personalidades ligadas o que simplemente aman al CINE, bastante organizadas para plantearle oposición a cualquier acción que venga a diminuir la capacidad del INCAA. Pero dejemos que el propio Luis Puenzo nos explique la sampablera. Dale Luis.



Ha habido reuniones y se ha creado una Asamblea en defensa del cine Argetino. Hay una altísima movimentación por las redes sociales. Para mayor información pueden dirigirse a la pag. del Facebook de la Asamblea Permanente o al Facebook #YoApoyoINCAA donde podrán estar al tanto de lo que sucede.

Le pedimos a Sonia que nos elevara su protesto ante la crisis para finalizar la nota. Dale Sonia:
"Argentina hace un cine que arrasa con premios internacionales. El desarrollo territorial de los últimos tiempos ha generado fuentes de trabajo para técnicos, actores, músicos y artistas. Delante y detrás de cámara se pudo cubrir un espacio audiovisual con contenido propio.
Un país que pierde su cine, su arte, su cultura... pierde también su historia y su identidad como pueblo.
Por ello se ha creado un vínculo a través de las redes sociales. La llamada "Asamblea permanente en defensa del cine argentino"
En este blog en face, sus miembros publican toda actividad que se está llevando a cabo en estos días. Asambleas, reuniones de estudiantes y profesores del instituto del cine, declaraciones de artistas, técnicos, cineastas, músicos.... todos aquellos que delante o detrás de cámara se ven beneficiados con esta industria.
La industria del cine no solamente nos muestra como una identidad cultural argentina... es también una industria que da trabajo a muchas familias. Una cosa no se despega de la otra. Defendamos nuestra identidad, defendamos nuestro cine."

Todo lo que tiene que ver con cine entra dentro del radio de CPT.

Directores - David Lynch

David Keith Lynch (Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946), mejor conocido como David Lynch; es un director, guionista, productor, actor, pintor, músico y fotógrafo estadounidense.

Sus inicios: Hijo de Edwina Sundholm y Donald Walton Lynch. Fue Boy Scout, y logró el más alto rango, un Eagle Scout. Gracias a esto pudo estar presente en la Casa Blanca junto con otros Boy Scouts en la toma de posesión del presidente John F. Kennedy, en 1961. Se interesó por la pintura y el dibujo desde muy temprana edad. En 1964 comenzó sus estudios en la School of the Museum of Fine Arts de Boston. Sin embargo, abandonó los estudios después de sólo un año, afirmando que no le inspiraba ese lugar, y decidió mudarse a Europa durante tres años junto a su amigo Jack Fisk con la esperanza de estudiar en la escuela del pintor expresionista Oskar Kokoschka, pero al llegar a Salzburgo, Austria se encontraron con que no era posible, por lo que regresó a los Estados Unidos después de pasar tan sólo 15 días de su prevista estancia de tres años en Europa. Lynch nos cuenta: “No me gustó Europa. Pensaba todo el tiempo, aquí es donde voy a pintar. Y no había ningún tipo de inspiración allí para la clase de trabajo que quería hacer. Tenía la intención de quedarme tres años. En cambio, ¡me quedé 15 días! Me acuerdo de estar acostado en un sótano en Atenas con lagartos que trepaban las paredes, y pensaba en que estaba a ¡7000 millas de McDonalds!" En Filadelfia se matriculó en la Pennsylvania Academy of Fine Arts, tras el consejo de su amigo Jack Fisk, que ya estaba inscrito. Fue ahí donde comenzó una relación con su compañera de estudios, Peggy Reavey, con la que se casó en 1967. Fue en esos tiempos cuando empezó a coquetear con el arte audiovisual. Lynch nos explica que en el año de 1967, mientras pintaba un cuadro, escuchó un viento y vió algo moverse un poco dentro del cuadro. Fue ahí donde todo comenzó. Él quería ver un cuadro con movimiento y sonido. Fue entonces cuando preparó un cortometraje para participar en el Concurso de pintura y escultura experimental que se lleva a cabo todos los años en la Academia donde estudiaba y el resultado fue su primer cortometraje, titulado “Six Men Getting Sick (Six Times)" (1967). Primero de una seguidilla de 5 cortometrajes previos a su primer largometraje. En el documental que dejo en anexo al final de este post, el autor nos da un recorrido por sus inicios y sus cortometrajes.

Filmografía (largometrajes): Aunque él es primariamente un pintor, a partir de 1970 se comienza a dedicar de lleno a la producción audiovisual. En 1971 se muda a Los Ángeles, California, para poder estudiar en el American Film Institute, institución que más adelante le daría una ayuda de 10.000 dólares con los que financiaría su primer largometraje, "Eraserhead" (1977), mismo que venía trabajando desde 1971 y que por lo escaso del presupuesto no logró publicar sino hasta 1977. A pesar de tener una distribución muy limitada en salas de cine, Eraserhead llamó la atención de mucha gente, incluido el productor Mel Brooks, quien contacta a Lynch para ofrecerle la dirección de una película biográfica sobre la vida de Joseph Merrick. En 1980 estrena “The Elephant Man”, película que logra éxito comercial y 8 nominaciones al Oscar, incluidas dos para Lynch como mejor director y mejor guion adaptado. Seguidamente acepta trabajar para el productor italiano Agostino De Laurentiis en la película de ciencia ficción “Dune" (1983) con la condición de que se comprometiera a financiar una segunda película en la que Lynch tuviera control absoluto. Pese al relativo fracaso de “Dune”, De Laurentis cumple su palabra y financia “Blue Velvet” (1986), película que fue aclamada por la crítica y que le valió a Lynch su segunda nominación al Oscar. Después de esto le fue difícil encontrar financiamiento para sus proyectos cinematográficos y empezó a trabajar en varios proyectos para la televisión. Fue entonces cuando conoció al productor Mark Frost, con quien discutió varias ideas entre las que figuraba la serie para televisión “Twin Peaks” (1990), donde dirigió un total de 6 episodios, incluidos los dos primeros, y escribió o coescribió junto a Frost, 29. Dirigió muy pocos capítulos para poder dedicar tiempo a su siguiente película, “Wild at Heart” (1990), roadmovie que fue premiada con la prestigiosa Palma de Oro del Festival de Cannes. Posteriormente, tras la cancelación de la serie "Twin Peaks", Lynch decide volver a la historia pero ya sin Mark Frost y filma una especie de precuela de la serie, titulada “Twin Peaks: Fire Walk with Me” (1992). Aunque continuó trabajando junto a Frost en otros proyectos televisivos, en 1997 regresó completamente al Cine con la cinta “Lost HIghway”. Luego trabajó, basándose en un guion ajeno, en la película “The Straight Story” (1999). Ese año se acerca nuevamente a la televisora ABC con una nueva propuesta. La televisora acepta financiar el episodio Piloto de una nueva serie que se llamaría "Mulholland Drive", pero la rechazan y ponen en pausan indefinidamente. Con el ímpetu que traía y siete millones de dólares que le proporcionó la productora francesa StudioCast, realizó “Mulholland Drive” (2001), película con la que obtendría su tercera nominación al Oscar como mejor director. Aunque la Academia finalmente lo ignoró, Cannes lo reconoció como el mejor director del año. Iniciando el Sigo XXI y con el auge de Internet, Lynch se dedicó a producir algunos materiales que fueron distribuidos a través de su sitio web, davidlynch.com. Y no fue sino hasta 2006 cuando publicó su película “Inland Empire". Lynch se ha mantenido alejado del Cine desde entonces, e incluso se habló de su retiro, aunque luego mencionó en una entrevista que trabajaba en algo. Para éste año (2017) se espera una 3ra temporada de su aclamada "Twin Peaks", entre otros proyectos.

Influencias y estilo: Stanley Kubrick, Werner Herzog, Jacques Tati, Luis Buñuel, Ingmar Bergman, Roman Polanski y Federico Fellini, son algunos de los cineastas de los que Lynch ha mencionado sentir admiración. "The Wizard of Oz" (1939), “Sunset Boulevard” (1950), “Lolita” (1962) y “Carnival of Souls” (1962) son algunas de las películas que dice, han influenciado su trabajo. Su estilo está muy influenciado por el Dadaismo y el Surrealismo. Algunos de las características recurrentes en sus películas son el mundo onírico, los ambientes industriales, las deformidades físicas, mujeres ultrajadas, los pueblos o comunidades pequeñas de Estados Unidos, entre otros. Algunos de los detalles estéticos son un sonido envolvente y perturbador, por lo regular de media y baja frecuendia, cámara lenta durante las escenas violentas, cortinas rojas, luces estroboscópicas, canciones de Roy Orbison, referencias de Francia y la cultura francesa, acercamientos a los ojos, el resaltar el sonido peculiar de la respiración y métodos de narración poco ortodoxos. Nunca explica el significado de sus películas.

Reconocimientos: Entre los varios reconocimientos recibidos, sobresalen 3 nominaciones al Oscar, el premio Cesar a la mejor película extranjera dos veces, La Palma de Oro del Festival Internacional de Cannes y El León de Oro por los logros alcanzados durante su carrera, entregado en el Festival de Venecia. El gobierno francés lo condeciró con la Legión de Honor, la distinción de más alto rango entregada a un civil, como Caballero en 2002 y como Oficial en 2007.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes publicados en el Blog)
• 1977 - “Cabeza Borradora“ – Eraserhead
• 1980 - “El Hombre Elefante“ – The Elephant Man
• 1984 - “Dune”
• 1986 - “Terciopelo Azul” – Blue Velvet
• 1990 - “Corazón Salvaje“ – Wild at Heart
• 1992 - "Twin Peaks: fuego camina conmigo" - Twin Peaks: Fire Walk with Me
• 1995 - "Lumiere y Compañia" - Lumière et compagnie
• 1997 - “Carretera Perdida“ – Lost Highway
• 1999 - “Una Historia Verdadera“ – The Straight Story
• 2001 - “Mulholland Drive“
• 2006 - “Inland Empire“
• 2007 - "Cada uno con su Cine" - Chacun son cinéma

Fuentes:
http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2333/David%20Lynch
https://es.wikipedia.org/wiki/David_Lynch
https://en.wikipedia.org/wiki/David_Lynch
http://www.imdb.com/name/nm0000186/
http://www.davidlynch.es

Anexo
The Short Films of David Lynch
Desde "Six Men Getting Sick" (1966), hasta "The Cowboy and the Frenchman" (1988), David Lynch nos lleva de la mano y nos muestra sus inicios y sus primeros cortometrajes.

AÑO: 2002     DURACIÓN: 97 min.     PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch
ELENCO: Richard White, Virginia Maitland, Dorothy McGinnis, Robert Chadwick, David Lynch, Catherine E. Coulson, Harry Dean Stanton, Tracey Walter, Talisa Soto.
FICHA COMPLETA EN FILMAFFINITY

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The Short Films of David Lynch (2002)
Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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David Lynch por Michel Chion. eBook.

"Este libro, el más completo publicado hasta el momento sobre Lynch, cuenta con detalle la génesis de todas sus películas, no sin tener en cuenta el papel desempeñado en ellas por sus colaboradores, sean actores o técnicos. Chion realiza un minucioso análisis temático y estilístico de cada obra, sitúa a Lynch en relación con la historia del cine y, de este modo, hace emerger las múltiples caras de un realizador inclasificable: perturbador y neurótico, minucioso y obsesivo, pero también con gran capacidad de abstracción, respetuoso con la tradición, un gran investigador de la imagen y el sonido. Fabulador de la sexualidad pervertida y violento fustigador de la vida convencional, Lynch es también un romántico de nuestro tiempo y un creador de himnos al mundo y al amor."

Autor: Michel Chion.
Año: 1995
ISBN: 9788449314537
Formato: PDF
Tamaño: 4.77mb
Servidor: Depositfiles

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Twin Peaks Temporada 3 (2017)

FILMOGRAFÍA DAVID LYNCH._ Tras un largo tira y afloja con la cadena Showtime, David Lynch y Mark Frost llegaron a un acuerdo para producir una nueva temporada de la aclamada serie de culto de los 90s, Twin Peaks. El plan inicial de una temporada de 9 capítulos se extendió finalmente a 18. 25 años después de que la cadena ABC cancelara la serie, Lynch vuelve a la pantalla pequeña recuperando a la mayoría del reparto original y agregando nombres interesantes como Mónica Belucci, Amanda Seyfried, Jim Belushi Jennifer Jason Leight, Tim Roth, los músicos Eddie Vedder (Pearl Jam) y Trent Reznor (Nine Inch Nails) además de varios de sus actores regulares como Naomi Watts, Balthazar Getty, Harry Dean Stanton y su musa Laura Dern. Lynch dirigió todos los capítulos y además encarnó nuevamente al agente Gordon Cole.
   Disfrutemos de esta que puede ser una de las últimas producciones de este director, ya que en una entrevista reciente mencionó lo siguiente: “Las cosas han cambiado mucho… Muchas películas no han rendido bien en la taquilla últimamente a pesar de haber sido grandes películas, y el tipo de películas que ahora rinden bien en taquilla no son del tipo de cosas que me gusta hacer”. Concuerdo con lo que dice Lynch, porque estamos viendo que así como en los años 60 la TV ayudó a mermar la asistencia del público al Cine, ahora es el Streaming el que las resta aún más. Creo que no veremos mucho más de Lynch a menos que alguno de los gigantes del Streaming se anime a financiar alguno de sus proyectos. (Cris)

Twin Peaks aka Twin Peaks: The Return (TV Series) aka Twin Peaks II
               
AÑO: 2017
DURACIÓN: 60 min.
PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch, Mark Frost.
MÚSICA: Angelo Badalamenti.
FOTOGRAFÍA: Peter Deming.
ELENCO: Kyle MacLachlan, Monica Bellucci, David Duchovny, Laura Dern, Hailey Gates, Balthazar Getty, Ernie Hudson, Ashley Judd, David Koechner, Matthew Lillard, Jim Belushi, Jeremy Davies, Trent Reznor, Tim Roth, Amanda Seyfried, Tom Sizemore, Eddie Vedder, Sheryl Lee, Sherilyn Fenn, Dana Ashbrook, Naomi Watts, Jennifer Jason Leigh, Mädchen Amick, Alicia Witt, David Patrick Kelly, Peggy Lipton, Wendy Robie, Everett McGill, Russ Tamblyn, Harry Dean Stanton, Michael Horse, Grace Zabriskie, Caleb Landry Jones, Robert Knepper, Robert Forster, Miguel Ferrer, Kimmy Robertson, Harry Goaz, Andrea Hays, James Marshall, Larry Clarke, David Dastmalchian, Patrick Fischler, Ana de la Reguera, Hugh Dillon, Candy Clark, Jessica Szohr, David Lynch, Derek Mears, Jane Levy, Bonnie Aarons, Michael Cera.
PRODUCTORA: Emitida por Showtime; Lynch/Frost Productions.

Serie de TV (2017). 18 episodios. Continuación de la serie de culto "Twin Peaks", que volverá a contar con gran parte del reparto original además de nuevas incorporaciones. La historia continúa alrededor de los personajes de Dale Cooper (Kyle MacLachlan) y Laura Palmer (Sheryl Lee) pero 25 años después.(FILMAFFINITY)

Revisa otras críticas en FILMAFFINITY

Parte 1

Un hombre observa una misteriosa caja de cristal, la policía de Dakota del Sur descubre un crimen horrible y Hawk recibe un mensaje críptico sobre el agente especial Dale Cooper.

Parte 2

Hawk busca algo en el bosque mientras Cooper descubre que su destino en la Logia Negra no puede ser sellado después de todo.

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Parte 3

Cooper pide ayuda; Los agentes Gordon Cole, Albert Rosenfield y Tammy Preston investigan los asesinatos de la caja de vidrio.

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Parte 4

Coop asume la vida de Dougie Jones, mientras Gordon y los agentes Rosenfield y Preston investigan la situación que rodea al doppelganger de Coop.

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Parte 5

Coop todavía está atrapado como Dougie, pasando por los movimientos, como sus esquemas doppelganger en la cárcel. Mientras tanto, la nueva información sobre el mayor Garland Briggs aparece.

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Parte 6

Gordon Cole le ordena a Albert que se reúna con un viejo contacto. Hawk hace un descubrimiento que implica "la pieza que falta" que le ayudará a encontrar a Coop. Janey-E arregla la deuda de juego de Dougie, mientras que Coop todavía está luchando por poner lo que sabe sobre su pasado y la Black Lodge en palabras. La tragedia se produce después de un acuerdo de drogas.

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Parte 7

Dougie y Janey-E reciben una sorpresa desagradable en la oficina 7. Mientras tanto, Gordon y Albert intentan enlistar a Diane para averiguar el misterio del hombre que creen que es Cooper en la cárcel.

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Parte 8

El doppelganger de Coop enfrenta una situación de vida o muerte. En 1945, una bomba se deja caer y el mal del hombre moderno es personificado.

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Parte 9

Más sobre Dougie Jones sale a la luz después de un atentado contra su vida. Mientras tanto, Gordon Cole descubre conexiones a Cooper con respecto a un caso de Blue Rose y el mayor Garland Briggs.

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Parte 10

Los hermanos Mitchum descubren más acerca de Dougie Jones. En Twin Peaks, Richard Horne comete actos horribles, y Hawk obtiene más pistas de la Dama del tronco.

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Parte 11

La puesta en marcha de los hermanos Mitchum y Dougie llega a su clímax, mientras que cosas más extrañas comienzan a pasar tanto al equipo del FBI como al Departamento del Sheriff de Twin Peaks.

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Parte 12

Un viejo caso del FBI consigue nuevos reclutas después de muchos años mientras que los residentes bien conocidos de Twin Peaks hacen frente a varios problemas.

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Parte 13

Dougie llega a casa llevando regalos mientras Anthony es enviado en una misión arriesgada, Cooper malo quiere venganza.

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Parte 14

Gordon recuerda un momento importante de su pasado. Andy, Bobby, Hawk y Truman van al bosque. James oye una historia sobre un guante en su cumpleaños. Una faceta desconocida de Sarah es revelada.

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Parte 15

Big Ed y Norma tienen un avance en su relación. El Cooper malo trata de reconectarse con un viejo amigo, mientras que Dougie Jones llega a un descubrimiento electrizante.

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Parte 16

Los seres queridos de Dougie cuidan de él en el hospital, y el Sr. C se dirige hacia las coordenadas. Mientras tanto, Diane hace una confesión al FBI.

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Parte 17

Cooper llega a Twin Peaks.

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Parte 18

Cooper y Diane conducen 430 millas. Cooper intenta ayudar a una mujer en problemas que él cree es Laura Palmer.

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