EL NEORREALISMO ITALIANO

“¿Qué fue el neorrealismo? ¿Un género, un estilo, un conjunto de cánones? Ante todo, fue una reacción ante el terrible momento histórico que atravesaba Italia.” – Martin Scorsese.

El Neorrealismo Italiano fue un movimiento o tendencia que surgió en Italia a finales de la Segunda Guerra Mundial, el cual se desarrolló entre 1945 y 1952 aproximadamente, y que retrató la difícil situación de la vida diaria en una Italia devastada por la guerra. “El movimiento se desarrolló alrededor de un círculo de críticos cinematográficos que se agrupaban en torno a la revista "Cinema", entre los que se encontraban Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Gianni Puccini y Giuseppe de Santis”. Otros de los directores destacados fueron Roberto Rossellini y Vittorio De Sica, pero hay que darle crédito también a los guionistas, quienes fueron responsables directos, tanto como los directores. Entre los guionistas que sobresalen se encuentran Cesare Zavattini y Federico Fellini, este último, ademas de escribir, llego a dirigir películas neorrealistas.

Este movimiento se caracteriza por sus filmaciones al aire libre, en locaciones, pueblos y ciudades italianas reales, debido a que los estudios Cinecittà, donde se realizaban la mayoría de producciones de la época, no estaban disponibles por los daños recibidos durante los bombardeos en la guerra y porque fueron utilizados como albergue durante dos años después de la misma. La crítica situación económica obligó a utilizar actores no profesionales para papeles secundarios e incluso para los principales en algunas ocasiones. Se utilizaron en muchas ocasiones a niños, cuya constante presencia fue un rasgo característico de este movimiento. Siempre se utilizó gente de los pueblos y ciudades italianas durante sus actividades diarias y nunca a extras. (Cris)

RECOMENDAMOS LEER:

"Neorrealismo Italiano" por Sean Bauer en el Blog "SOLO CINE CLÁSICO".
"El Cine Neorrealista Italiano" por Francisco Fernández Verdeal.
"Neorrealismo Italiano" por David Caldevilla Domínguez.

Obsesión (1943)

NEORREALISMO ITALIANO._ En 1943, en su Opera Prima, Luchino Visconti, junto a otros guionistas, adapta para el cine la novela "The Postman Always Rings Twice" del escritor estadounidense James Cain, utilizando una copia que le había sido regalada durante los años que trabajó en Francia, por el cineasta francés Jean Renoir, de quien Visconti fue asistente, y quien fue de gran influencia para este movimiento.
    Por esos años, Visconti, como la mayoría de cineastas Italianos, sufría las dificultades de la censura del régimen fascista. A su estreno en 1943 no fue bien recibida por el régimen ni por la iglesia católica. Fue censurada y eventualmente destruida, pero Visconti conservó secretamente una copia. Después de la guerra, esta película tuvo problemas de distribución y no fue hasta 1976 que salió de Italia.
    Aunque ha habido discusión al respecto, “Ossessione” es considerada por muchos como la primera película del Neorrealismo, sobre todo porque reune todas las características estéticas del mismo, como la utilización de actores no profesionales, filmaciones al aire libre y no en estudio, y la forma de mostrar la realidad y los problemas sociales. (Cris)

Ossessione aka Obsession

AÑO: 1943
DURACIÓN: 135 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Luchino Visconti
GUIÓN: Luchino Visconti, Giuseppi De Santis, Mario Alicata, Gianni Puccini, Antonio Pietrangeli (Novela: James Cain).
MÚSICA: Giuseppe Rosati.
FOTOGRAFÍA: Aldo Tonti, Domenico Scala (B&N).
ELENCO: Clara Calamai, Massimo Girotti, Juan De Landa, Dhia Cristiani, Vittorio Duse,Michele Riccardini, Elio Marcuzzo.
PRODUCTORA: Industrie Cinematografiche Italiane.

Giovanna (Clara Calamai) es una hermosa joven malcasada con el viejo, propietario de un restaurante. Su sórdida vida cambiará con la aparición de un vagabundo que se convierte en su amante y al que inducirá a matar a su marido. Adaptación de la novela de James Cain "El cartero siempre llama dos veces". (FILMAFFINITY)

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Roma, ciudad abierta (1945)

NEORREALISMO ITALIANO._ A finales de la Segunda Guerra Mundial, hacer cine en Italia era casi imposible, no solo por la falta de financiamiento debido a la dura situación económica, sino por la falta de recursos cinematográficos y la imposibilidad de utilizar los estudios Cinecittà. En 1944, Roberto Rossellini conoció a una señora que quería financiar la producción de dos documentales, uno sobre el cura católico Don Pieto Morosini, quien había ayudado a la resistencia Italiana durante la ocupación nazi y otro sobre los niños romanos que habían peleado contra sus ocupantes. Rossellini se reunió con los escritores Federico Fellini y Sergio Amidei, y acordaron filmar una película que uniera ambos temas. El resultado fue uno de los ejemplos más puros del Neorrealismo; Una película que a excepción de Aldo Fabrizi y Anna Magnani, contó con actores no profesionales, en locaciones de Roma y cuya motivación era mostrar al mundo la realidad del ciudadano común durante la guerra. Me llamó la atención algo que dijo Rossellini sobre esto y lo cito a continuación: “Es un film acerca del miedo, el miedo que todos nosotros sentimos, yo en particular. Yo también tuve que esconderme. Yo también huí. Yo también tuve amigos que fueron capturados y asesinados.”
   Esta cinta no tuvo muy buena repercusión en Italia, pero sí lo tuvo fuera de ella. Fue nominada al Oscar a mejor guión y ganó el prestigioso “Grand Prix” del Festival de Cannes, lo que hoy sería la Palma de Oro. Esta es la primera película de la Trilogía de Guerra de Rossellini, que incluye a "Paisá" (1946) y "Germania, anno zero" (1948) y que publicaremos más adelante. (Cris)

Roma, città aperta aka Open City

AÑO: 1945
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Roberto Rossellini
GUIÓN: Federico Fellini, Sergio Amidei, Roberto Rossellini (Historia: Sergio Amidei & Alberto Consiglio).
MÚSICA: Renzo Rossellini.
FOTOGRAFÍA: Ubaldo Arata (B&N).
ELENCO: Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere.
PRODUCTORA: Excelsa Films.
PREMIOS: Festival de Cannes 1946: Gran Premio del Festival (Ex-aequo); Nominada al Oscar 1946: Mejor guión; Círculo de Críticos de Nueva York 1946: Mejor película extranjera.

Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar a Manfredi, el líder del Comité Nacional de Liberación. Annie Marie ofrece refugio en su casa a Manfredi y a algunos de sus camaradas, pero los alemanes descubren su escondrijo y rodean la vivienda; algunos partisanos consiguen escapar por los tejados, pero Manfredi es apresado. (FILMAFFINITY)

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El Limpiabotas (1946)

NEORREALISMO ITALIANO._ Los niños jugaron un rol fundamental en este movimiento. Los encontramos en muchas de las películas y en este caso, la protagonizan. Este es uno de los principales trabajos de Vittorio De Sica, en el que nos relata la vida de unos niños “Limpiabotas” que a pesar de la situación, sueñan y se esfuerzan por conseguir el dinero necesario para comprar un caballo. La historia me pareció bastante original y muy bien estructurada, y precisamente recibió una nominación al Oscar a mejor guión. Como la mayoría de estas películas, tiene algunas escenas impactantes, con duras situaciones que toman otra dimensión por el hecho de ser niños quienes las viven.
    Esta cinta recibió un Oscar honorario por su calidad y como un reconocimiento al espíritu Italiano por salir adelante a pesar de la gran adversidad. Fué la primera película extranjera en la historia, en ser reconocida por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. (Cris)

Sciuscià aka Shoeshine

AÑO: 1946
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Vittorio De Sica
GUIÓN: Sergio Amidei, Adolfo Franci, Cesare Zavattini, Cesare Giulio Viola.
MÚSICA: Alessandro Cicognini.
FOTOGRAFÍA: Anchise Brizzi (B&N).
ELENCO: Franco Interlenghi, Rinaldo Smordoni, Annielo Mele, Bruno Ortenzi, Emilio Cigoli.
PRODUCTORA: Alfa Cinematografica.
PREMIOS: Nominada al Oscar 1947: Mejor guión original. Oscar honorario a película extranjera; Premio del Sindicato Nacional de periodistas italianos 1947: Mejor director.

En la Roma de la postguerra, dominada por la miseria y el desempleo, dos jóvenes limpiabotas sueñan con comprarse un caballo. La única forma de conseguir el dinero necesario es trapichear en el mercado negro, pero los muchachos no tienen suerte y son detenidos y enviados a prisión. (FILMAFFINITY)

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Ladrón de Bicicletas (1948)

NEORREALISMO ITALIANO._ Cuando se piensa en Neorrealismo, la película de referencia es esta. Obra maestra de Vittorio De Sica, adaptada por Cesare Zavattini –entre otros- de una novela de Luigi Bartolini.
    Después de la controvertida “Sciuscià” (1946), De Sica no encontraba financiamiento para este proyecto, pero finalmente logró reunir entre amigos el dinero necesario. Filmada en locaciones reales y únicamente con actores no profesionales, de los cuales, algunos, tenían una vida similar a la mostrada en pantalla, como Lamberto Maggiorani, actor principal, quien trabajaba en una fábrica y que luego de la película, siguió su lucha por sobrevivir. Maggiorani fue contratado por De Sica cuando llevaba a su hijo para la audición, y según cuenta el propio director, lo escogió a él y a Enzo Staiola (Bruno) por su forma de caminar. Un dato interesante es que Sergio Leone fue asistente de De Sica en esta película.
   Esta cinta aparece casi siempre dentro de las listas de mejores películas de todos los tiempos. Por ejemplo, la revista “Empire” la colocó en 2010 en el puesto #4. En 1952, la revista “Sight & Sound” la colocó en el puesto #1. En 2002 quedó sexta en una encuesta hecha a Directores de todo el mundo, e incluso el Vaticano la tiene en el puesto #4 entre las películas que retratan valores humanos. En 1949 ganó el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera y el BAFTA a Mejor película, entre muchos otros reconocimientos en premiaciones y festivales. También recibió un Oscar Honorario a Mejor Película Extranjera. (Cris)

Ladri di biciclette aka Bicycle Thieves aka The Bicycle Thief
- Top 250 #88
AÑO: 1948
DURACIÓN: 88 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Vittorio De Sica
GUIÓN: Cesare Zavattini, Vittorio De Sica, Suso Cecchi d'Amico & Otros (Novela: Luigi Bartolini).
MÚSICA: Alessandro Cicognini.
FOTOGRAFÍA: Carlo Montuori (B&N).
ELENCO: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Giulio Chiari, Vittorio Antonucci.
PRODUCTORA: P.D.S..
PREMIOS: Nominada al Oscar 1949: Mejor guión. Premio Honorífico a la Mejor película extranjera; Globo de Oro 1949: Mejor película extranjera; Premios BAFTA 1949: Mejor película; 1949: 6 premios del Sindicato Nacional de periodistas italianos, incluyendo, película, director; 2 premios National Board of Review 1949: Mejor película, director; Círculo de Críticos de Nueva York, 1949: Mejor película extranjera; Festival de Locarno 1949: Premio Especial del Jurado. Lista completa de premios y nominaciones, aquí.

En la Roma de la posguerra, un obrero en paro consigue un sencillo trabajo pegando carteles a condición de que posea una bicicleta. Obra maestra del neorrealismo italiano que forma junto con "Umberto D." y "Miracolo a Milano" la famosa trilogía de De Sica. (FILMAFFINITY)

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La Tierra Tiembla (1948)

NEORREALISMO ITALIANO._ El Neorrealismo Italiano era más una tendencia y no tanto una escuela con principios rígidos. Por eso es que se dice que hubo una línea idealista, representada por Rossellini, y otra con tendencia Marxista, representada por Visconti.
    Luchino, golpeado por los acontecimientos de la guerra, siempre quiso expresarse a través de historias que tuvieran fuertes cargas de humanismo. Entonces, cuando el Partido Comunista lo comisionó para hacer un documental sobre los pescadores, el cuál iba a ser utilizado como propaganda, aprovechó la oportunidad para hacerlo, valiéndose de la tendencia Neorrealista, y adaptó la novela “I Malavoglia” (1881) de Geovanni Verga, de la cuál había adquirido los derechos en 1941, y realiza una combinación entre documental y película, la cual se puede clasificar como “Docuficción”. Inicialmente, Visconti tenía planeada una trilogía, que incluiría una película sobre los campesinos y otra sobre los mineros, pero finalmente desechó la idea.
    Esta película se desarrolló en Aci Trezza (Islas Ciclope), poblado de Sicilia, al sur de Italia. Contó, como era de esperarse, con un elenco de auténticos pescadores del lugar, y nos cuenta sobre la lucha de esta gente, quienes han vivido del mar por generaciones y que en ese determinado momento, peleaban contra las injusticias sociales y la explotación.
    Aunque era en parte financiada por el Partido Comunista, hubo un momento en el que el dinero escaseó, por lo que Visconti tuvo que vender algunas de las joyas de su madre y un apartamento de la familia, situado en Roma, para poder terminarla.
    Esta cinta ganó el Premio del Jurado Internacional en el Festival de Venecia de 1948. (Cris)

La Terra Trema: Episodio del mare aka The Earth Trembles

AÑO: 1948
DURACIÓN: 152 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Luchino Visconti
GUIÓN: Luchino Visconti (Novela: Giovanni Verga).
MÚSICA: Willy Ferrero.
FOTOGRAFÍA: G.R. Aldo (AKA Aldo Graziata) (B&N).
ELENCO: Maria Micale, Sebastiano Valastro, Antonio Arcidiacono, Giuseppe Arcidiacono,Salvatore Vicari, Antonino Micale, Nelluccia Giammona.
PRODUCTORA: Universalia.
PREMIOS: Festival de Venecia, 1948: Premio Internacional.

Es la primera parte (El episodio del mar) de una trilogía sobre Sicilia. Narra la historia de la lucha de un pescador ('Ntoni Valastro) y su familia para liberarse de la explotación de los mayoristas de la pesca. Libre adaptación de una novela de Giovanni Verga (I Malavoglia). (FILMAFFINITY)

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Arroz Amargo (1949)

NEORREALISMO ITALIANO._ Otro de los exponentes del Neorrealismo, fue Giuseppe De Santis, quién seguía una línea Marxista, al igual que Luchino Visconti y quién precisamente había participado en la creación del guión de “Ossessione” (1943). Sus películas se caracterizaron por reflejar luchas sociales y por una fuerte influencia del cine Norteamericano en su estilo de filmación. Nacido en Fondi, Lazio, fue parte de la resistencia anti-nazi en Roma durante la Segunda Guerra Mundial y fue miembro del Partido Comunista Italiano.
    El título de su segunda película y primera incursión en el Neorrealismo, “Riso Amaro”, tiene doble sentido, porque la palabra “Riso” en italiano, tiene dos significados: “Arroz” y “Risa”. Por lo que se puede interpretar tanto como “Arroz Amargo” o “Risa Amarga”. Es una combinación de melodrama, con intriga criminal y un toque de erotismo, que para aquella época, era algo fuerte. Se filmó con algunas técnicas novedosas para el cine Italiano, tomadas del cine Estadounidense, como "el uso de grúas, barridos descriptivos, "travellings" de observación y giros de seguimiento". Todo lo anterior, con los elementos del Neorrealismo que ya hemos mencionado: Actores no profesionales oriundos del lugar, retratos de la realidad y los problemas sociales, etc. Sobresale la actuación de la bella Silvana Mangano, Miss Roma 1946.
    Esta producción le valdría a De Santis su única nominación al Oscar. En este caso, por Guión Original. (Cris)

Riso amaro aka Bitter Rice

AÑO: 1949
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Giuseppe De Santis
GUIÓN: Carlo Lizzani, Gianni Puccini, Giuseppe de Santis.
MÚSICA: Goffredo Petrassi.
FOTOGRAFÍA: Otello Martelli (B&N).
ELENCO: Silvana Mangano, Vittorio Gassman, Doris Dowling, Raf Vallone, Checco Rissone.
PRODUCTORA: Lux Film.
PREMIOS:
1950: Nominada al Oscar: Mejor historia.

Perseguida por la policía, la cómplice de un ladrón se une a un grupo de jornaleras que se dirigen a las plantaciones de arroz del valle del Po. Una vez allí, se reúne con ella su amante que proyecta apoderarse, con la ayuda de unos amigos, de la cosecha. (FILMAFFINITY)

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Stromboli, tierra de Dios (1950)

NEORREALISMO ITALIANO._ En 1948, la actriz Sueca, Ingrid Bergman, quién llegó a ganar 3 premios Oscar, fue junto a su marido en aquél entonces, Peter Lindstrom, a una sala de cine para ver “Roma, citta aperta”, de donde cuentan que salió en lágrimas. Poco después, vio otra película de Rossellini: “Paisà” y su fascinación fue tal, que le escribió una carta que decía lo siguiente: “Señor Rossellini: he visto sus dos filmes y me han gustado mucho. Si necesita una actriz sueca que hable inglés perfectamente, que no ha olvidado el alemán, a quien apenas se entiende en francés y que del italiano sólo sabe decir ‘ti amo’, estoy dispuesta a acudir para hacer una película con usted”. Rossellini aceptó encantado y mientras filmaban esta película, se vieron envueltos en una relación amorosa, a pesar de que ambos estaban casados. De esta relación, Bergman quedaría embarazada de Robertino, hijo de ambos. Todo esto levantaría una gran polémica, sobre todo en Estados Unidos, donde Bergman fue muy criticada. Hollywood la boicoteó y no pudo volver a trabajar en EE.UU. por 3 años. En 1950, Bergman se divorció de Lindstrom y se casó con Rossellini, con quién tendría otras dos hijas, las gemelas Isotta e Isabella Rossellini. Eventualmente, años después, se divorciaron.
    Esta película fue coproducida por la productora RKO, propiedad de Howard Hughes y una empresa creada por Bergman y Rossellini, específicamente para esta película, Berit Films. Esto crearía una batalla legal, porque cada compañía hizo una edición diferente de la película, significativamente diferentes una de la otra. Nosotros, presentamos la versión remasterizada, que está basada en la versión de Rossellini. Esta película ha sido más recordada por la relación entre Bergman y Rossellini, que por cualquier otra cosa, pero es el más puro Neorrealismo italiano. Es Rosellini, Es Ingrid, Es indispensable para cinéfilos. (Cris)

Stromboli, terra di Dio aka Stromboli

AÑO: 1950
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Roberto Rossellini
GUIÓN: Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari, Roberto Rossellini.
MÚSICA: Renzo Rossellini.
FOTOGRAFÍA: Otello Martelli (B&N).
ELENCO: Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana, Mario Sponzo, Roberto Onorati,Gaetano Famularo.
PRODUCTORA: Coproducción Italia-Estados Unidos; Berit Films / Bero Productions / RKO Radio Pictures.
PREMIOS: Italian National Syndicate of Film Journalistas, 1951: Mejor Actriz extranjera en una película Italiana (Bergman); Bambi Awards, 1951: Mejor Actriz Internacional (Bergman).

Para poder escapar de un campo de concentración, una mujer desesperada acepta casarse con un pescador de una pequeña isla llamada Stromboli. Pero escapar de una prisión la lleva al final a meterse en otra, y su vida en la isla es también una condena. (FILMAFFINITY)

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Vida de Perros (1950)

NEORREALISMO ITALIANO._ Mismo que no la van a encontrar en ninguna lista del Neorrealismo ni al gran Mario Monicelli como representante del género, consideramos que esta película es suficientemente "icónica" para la época, además de sí presentar razgos como para incluirla dentro del movimiento. Podríamos decir que es dramática, cómica, sensual, picaresca, pero también nos presenta una italia que se va desarrollando despues de la guerra, la presencia de la fatalidad y la burguesía que explorarán más tarde Antonioni y Fellini.
La película nos muestra varias vivencias de los integrantes de una pequeña compañía de repertorio comandada por Nino Martoni (excelente interpretación de Aldo Fabrizi, a quien ya tuvimos oportunidad de ver en "Roma, Citta Aperta"), mientras en una história paralela una bella mujer busca un marido rico para mudar de vida. Marcello Mastroianni en un pequeño papel (aunque yá presentado como gran figura), y la diva italiana Gina Lollobrígida apenas en sus inicios y antes de ser considerada la mujer más bella del mundo por Hollywood. La cinta fue producida por Carlo Ponti y es también una de las primeras dirigidas por el duo Mario Monicelli-Steno, que harían época y son considerados maestros de la "Comedia a la Italiana", género que comienza a ser representativo a partir de los 50's, y será una de las variantes del Neorrealismo. Disfruten que vale la pena verla. "Tutti siamo italiani"!!!!. (Bruz)

Vita da Cani

AÑO: 1950
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Mario Monicelli, Steno
GUIÓN: Steno, Mario Monicelli, Ruggero Maccari, Sergio Amidei, Aldo Fabrizi, Nino Novarese, Fulvio Palmieri.
MÚSICA: Nino Rota.
FOTOGRAFÍA: Mario Bava (B&N).
ELENCO: Aldo Fabrizi, Gina Lollobrigida, Delia Scala, Marcello Mastroianni, Tamara Lees.
PRODUCTORA: Carlo Ponti Cinematografica.

Tragicomedia que relata los avatares de los miembros de una revista de variedades. (FILMAFFINITY)

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Bajo el Sol de Roma (1948)

NEORREALISMO ITALIANO._ Otro representante importante del Neorrealismo fue Renato Castellani. De madre Argentina, nació en la región de Liguria en Italia, pero creció en Rosario de Santa Fe, Argentina. Regresó a Italia a los 12 años. Comenzó a trabajar en el Cine en 1936 como asistente, escenógrafo y algunos otros trabajos detrás de cámara. Su debut como Director llegó en 1942 con la cinta “Un colpo di pistola”. Fue considerado importante dentro de este movimiento, sobre todo porque introdujo una de sus variantes, El Neorrealismo Rosa, que básicamente fue lo mismo pero con un enfoque más esperanzador, con una visión más positiva en cuanto al futuro. La principal muestra de esta variante es la trilogía de Castellani compuesta por “Bajo el Sol de Roma” (1948), “È primavera...” (1950) y “Dos Centavos de Esperanza” (1952). Desafortunadamente no logramos encontrar la segunda película. Si alguien de ustedes la tuviera y quisiera compartirla con todos, por favor escribir al correo del Blog.
   Probablemente el Neorrealismo comenzaba a pasar de moda y la situación en general mejoraba, por lo que la gente demandaba un cambio. Fue ahí donde empezaron a surgir variantes como esta y como el “Neorrealismo Burgués y existencialista" de Antonioni, el "Realismo Mágico” de Fellini o las comedias de Monicelli, entre otras. (Cris)

Sotto il Sole di Roma

AÑO: 1948
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Renato Castellani
GUIÓN: Sergio Amidei, Renato Castellani, Emilio Cecchi, Ettore Maria Margadonna, Fausto Tozzi.
MÚSICA: Nino Rota.
FOTOGRAFÍA: Domenico Scala (B&N).
ELENCO: Oscar Blando, Liliana Mancini, Francesco Golisano, Ennio Fabeni, Alfredo Locatelli,Gaetano Chiurazzi, Anselmo Di Biagio, Ferruccio Tozzi, Maria Tozzi, Giuseppina Fava, Raffaele Caporilli, Ilario Malaschini, Omero Paoloni, Gisella Monaldi, Alberto Sordi.
PRODUCTORA: Universalcine.
PREMIOS: Festival de Venecia 1948: Mejor película italiana.

Narra el tránsito de la juventud a la madurez en un grupo de jóvenes durante el fin de la etapa fascista y el comienzo de la ocupación. (FILMAFFINITY)

Ficha en FILMAFFINITY

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Bellísima (1951)

NEORREALISMO ITALIANO._ Como dijimos al principio, los escritores fueron tan responsables de este movimiento como los directores. Uno de los principales escritores fue Cesare Zavattini, prolífico guionista Italiano al que se le acreditan varios de los éxitos de la época. Se llegaron a filmar más de 80 películas con guiones suyos y escribió para todos los directores importantes de esos años.
    Esta película fue filmada, en parte, en los estudios Cinecittà, que después de haber sido bombardeados durante la guerra y haber servido como albergué durante dos años, finalmente fueron habilitados para hacer cine en 1950. Esta cinta contó con la muy buena actuación de la hermosa Anna Magnani, a quién ya tuvimos en “Roma, Citta Aperta” (1945), y qué tiene una personalidad que me encanta. El que se empezara a utilizar más frecuentemente a actores profesionales y que se habilitaran los estudios Cinecittà, era señal de que la cosa mejoraba y que este movimiento comenzaba a llegar a su fin, aunque como comentamos anteriormente, no desapareció por completo, sino que fue evolucionando. (Cris)

Bellissima

AÑO: 1951
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Luchino Visconti
GUIÓN: Suso Cecchi D'Amico, Francesco Rosi, Luchino Visconti.
MÚSICA: Franco Mannino.
FOTOGRAFÍA: Piero Portalupi (B&N).
ELENCO: Anna Magnani, Walter Chiari, Tina Apicella, Gastone Renzelli, Alessandro Blasetti,Tecla Scarano.
PRODUCTORA: Film Bellissima.
PREMIOS: Italian National Syndicate of Film Journalists, 1952: Mejor Actriz para Anna Magnani.

En los estudios de Cinecittà, el director Alessandro Blasetti está haciendo un casting para seleccionar a la niña que actuará en su nueva película. Entre las madres que han llevado a sus hijas está Maddalena Cecconi, una mujer de barrio que sueña con ver a su hija en el Olimpo de las grandes estrellas. Contra la voluntad de su marido, Maddalena no repara en medios para conseguir su objetivo: inscribe a María en un curso de baile y actuación, le paga fotógrafo y peluquera, le encarga vestidos a medida. En su obsesión, confía incautamente en Alberto Annovazzi, un especulador sin escrúpulos que dice tener los contactos necesarios para que María realice la prueba. (FILMAFFINITY)

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Milagro en Milán (1951)

NEORREALISMO ITALIANO._ Cuenta la leyenda que Cesare Zavattini y Vittorio De Sica concibieron Milagro en Milán como una reacción a la ola de críticas y censura que el movimiento neorrealista debió padecer en su país. Si bien películas como Roma, Ciudad Abierta y Ladrón de Bicicletas fueron grandes éxitos a nivel internacional; a la coalición democrata-cristiana que encabezaba el gobierno de posguerra no le gustaba nada la imagen que estos filmes presentaban de una Italia en supuesta “reconstrucción”. “Los trapos sucios se lavan en casa” pensaban muchos italianos a los que las películas neorrealistas les parecían amargas y deprimentes. La respuesta de Zavattini y De Sica sería “Hacemos estas películas justamente porque vivimos en una realidad amarga y deprimente”. Sin embargo, deciden tomar esa realidad y mostrarla pero en tono de fábula mágica y costumbrista. El resultado es una Obra Maestra absoluta llamada Milagro en Milán, que bebe en fuentes tan ricas como las de Charles Chaplin o René Clair, para crear una comedia fantástica que no traiciona en ningún momento su fondo neorrealista. (HarryHaller)

Miracolo a Milano aka Miracle in Milan

AÑO: 1951
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Vittorio De Sica
GUIÓN: Cesare Zavattini, Vittorio De Sica, Suso Cecchi D'Amico, Mario Chiari, Adolfo Franci.
MÚSICA: Alessandro Cicognini.
FOTOGRAFÍA: G. R. Aldo.
ELENCO: Emma Gramatica, Francesco Golisano, Paolo Stoppa, Guglielmo Barnabò, Brunella Bovo, Alba Arnova, Anna Carena.
PRODUCTORA: P.D.S. / E.N.I.C..
PREMIOS: Cannes 1951: Palma de Oro; Círculo de Críticos de Nueva York, 1951: Mejor película extranjera; Premios BAFTA, 1952: Nominada a mejor película y actor extranjero (Francesco Golisano).

Totó es un bondadoso huérfano que vive, igual que otros muchos desharrapados, en un mísero barrio de chabolas en las afueras de Milán. Cuando en los terrenos donde viven se descubre petróleo, Totó, tan ingenuo como bienintencionado, decide enfrentarse al poderoso señor Mobbi, el dueño del suelo. Aunque contiene elementos fantásticos, constituye con "Ladrón de bicicletas" y "Umberto D." la gran trilogía neorrealista de De Sica. (FILMAFFINITY)

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Europa ‘51 (1952)

NEORREALISMO ITALIANO._

Europa ‘51 aka Europe ‘51 aka The Greatest Love

AÑO: 1952
DURACIÓN: 113 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Roberto Rossellini
GUIÓN: Roberto Rossellini, Sandro De Feo, Mario Pannunzio, Ivo Perilli, Brunello Rondi.
MÚSICA: Renzo Rossellini.
FOTOGRAFÍA: Aldo Tonti (B&N).
ELENCO: Ingrid Bergman, Alexander Knox, Ettore Giannini, Teresa Pellati, Giulietta Masina, Marcella Rovena, Tina Perna, Sandro Franchina, Giancarlo Vigorelli, Maria Zanoli,Silvana Veronese, William Tubbs, Alberto Plebani, Eleonora Barracco, Alfred Brown, Alfonso Di Stefano.
PRODUCTORA: Ponti-De Laurentiis Cinematografica.
PREMIOS: 1952: Festival de Venecia: Premio Internacional. Nominada al León de Oro (mejor película).

Un rico matrimonio estadounidense que lleva en Roma una vida despreocupada, ve cómo su hijo se suicida. La madre, traumatizada y sintiéndose culpable por no haber atendido más a su hijo desde la infancia, decide ayudar a la gente más necesitada en los barrios más humildes de la ciudad. Sin embargo, su ayuda a un delincuente la pondrá bajo sospecha a ojos de la policía. (FILMAFFINITY)

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Europa ‘51 (1952) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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Umberto D. (1952)

NEORREALISMO ITALIANO._ Nuevamente en colaboración con Cesare Zavattini, Vittorio De Sica nos lleva por otra historia muy real y humana. En “El Limpiabotas” (1946) nos mostró a un grupo de niños y sus sueños, en “Ladrón de Bicicletas” (1948) la aflicción un hombre adulto. Esta vez, nos muestra el sufrimiento y lucha de un anciano, al que sus años productivos se le fueron, y sobre eso, tiene que enfrentarse a la dura vida en la Italia de posguerra, sin más apoyo que el de su perro. De Sica cuenta que tomó inspiración de la vida de su propio padre, a quién le dedicó esta película.
    “Umberto D.” fracasó en taquilla y fue muy criticada en su tiempo. Hoy es considerada una Obra Maestra. En 2005, la revista Time la incluyó en su lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos (All-Time 100 Movies). Para la mayoría de los expertos, esta fue la última película del Neorrealismo Italiano.
    Como hemos venido comentando, la situación económica mejoraba. Italia comenzó a vivir, más o menos a partir de 1950, el llamado “Milagro Económico Italiano” y el público demandaba otro tipo de Cine. Las autoridades tampoco consideraban correcto mostrar al mundo dichas películas; querían que se mostrara una mejor cara de Italia y preferían que “La ropa sucia se lavara y tendiera en casa”. Esta forma de hacer cine no desapareció, solo evolucionó. Dejó una gran marca en la historia y su influencia en el Cine Mundial se sintió por muchos años.
    Nosotros seguimos nuestro viaje por Italia, no solo conociendo su cultura y sus lugares, sino también su historia, a través del Cine de cuatro de sus mejores exponentes. (Cris)

Umberto D. aka Humberto D.

AÑO: 1952
DURACIÓN: 84 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Vittorio De Sica
GUIÓN: Cesare Zavattini, Vittorio De Sica.
MÚSICA: Alessandro Cicognini.
FOTOGRAFÍA: G. R. Aldo.
ELENCO: Carlo Battisti, Maria Pia Casilio, Lina Gennari, Memmo Carotenuto, Alberto Albani Barbieri.
PRODUCTORA: Rizzoli Film.
PREMIOS: Nominada al Oscar 1956: Mejor guión; Círculo de Críticos de Nueva York, 1955: Mejor película extranjera; Cannes 1952: Nominada al Gran Premio del Festival.

Umberto Domenico Ferrari es un jubilado que intenta sobrevivir con su miserable pensión. Sumido en la pobreza, vive en una pensión, cuya dueña lo maltrata porque no consigue reunir el dinero necesario para pagar el alquiler de su habitación. Los únicos amigos que tiene en este mundo son una joven criada y sobre todo su perro Flike. (FILMAFFINITY)

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Directores-Woody Allen

Allan Stewart Königsberg. (Brooklin, Nueva York, 1 de Diciembre de 1935), actor, director, escritor, guionista y músico. Comenzó a escribir antes de aprender a leer. Desde niño, era capaz de crear historias y escribirlas en su propio estilo.
Se conoce como Woody Allen desde la edad de 16 años cuando empezó a escribir chistes para columnistas de prensa, tiempo después trabajó 4 años en clubes nocturnos como humorista y es allí donde le proponen participar como actor y guionista en “What's New, Pussycat?” al siguiente año, 1966, empieza a dirigir. Su primera película es realmente Take the Money and Run aunque fue con What's up, Tiger Lilly? donde aparece por primera vez su nombre en los créditos como director, pero allí él solo adaptó los diálogos de una mala película japonesa. En el 77 Annie Hall gana 4 premios Oscar (mejor película, mejor guion, mejor director y mejor actriz), ceremonia a la que no acudió ya que estaba en su otra pasión: El Jazz.
Se consagra como director con Manhattan incorporando la ciudad como personaje, para muchos su mejor trabajo, donde muestra el amor hacia la ciudad de Nueva York. Siendo esto de destacar dentro de su filmografía; sólo un par de veces ha mostrado otras ciudades estadounidenses, en Annie Hall filmó un pasaje en Los Angeles para dar constancia de su desagrado por California -ratificándolo en Hollywood Ending - y en 1969 situó parte de la trama de Take the money and run en San Francisco y 44 años después retorna a esa ciudad con “Blue Jasmine”.

Para el año 2004 solo rodaba en NY pero con Match Point en 2005 muestra su gusto por Londres donde hace cuatro películas. De ahí siguieron producciones en Barcelona, Paris y Roma, sus películas podrían transcurrir en cualquier ciudad, siempre que sea sofisticada como NY, pero no podría hacer una película en Sudán o el Amazonas. Aunque en Nueva York el cineasta es un residente destacado en Londres no es más que un turista; esto queda claro en la manera en la que se acerca a cada ciudad: a Nueva York es capaz de mirarla en perspectiva, como en la secuencia inicial de Manhattan ; mientras que Londres es el de las revistas y las guías turísticas, lo que se repite con las demás ciudades. Cabe anotar que es por falta de financiación y los altos presupuestos que implica grabar en NY que tuvo que salir hacia Europa.

Tiene su estilo característico; una mezcla entre drama y comedia, sus enfoques son muy humanos, toca temas como la dualidad, la contradicción, el psicoanálisis, la pareja, la religión y la mujer, todo enmarcado dentro de cierta clase social intelectual neoyorkina, lo que a veces puede llegar a ser hostigante, sin embargo en Broadway Danny Rose se nota un aprecio hacia los artistas de clubes nocturnos que no hacen parte de ese círculo social, también la mayoría son elaboradas con rasgos autobiográficos, con personajes que interpretan su sensibilidad, no solo revelando sus conflictos internos sino también develando los motivos ulteriores de muchos lo que puede llegar a chocar a tantos y él es consciente de eso y lo muestra en varias de sus producciones.

Otra de sus características es la constante producción de películas, casi una por año, aunque en algunas hay repetición en ciertos aspectos del guion como Crimes and Misdemeanors con Match Point o Interiors con Hanna and her sisters y Zelig con Take the money and run, por mencionar algunos.

No es un secreto su admiración por Ingmar Bergman, es notorio la influencia del director sueco en sus dramas como en Another woman, September o Interiors y elementos muy similares en Deconstructing Harry . Tampoco oculta su simpatía por la cultura francesa o su personalidad nerviosa o su gusto por la mujer intelectual, sus comentarios clasistas o excluyentes por la capacidad de raciocinio y el amor a su hermana Letty.

Sobra hacer referencia del uso de magistrales bandas sonoras y su constante presencia en los Premios Oscar -Ganador de 3 como Guionista y 1 como Director- 8 Premios BAFTA -6 como Guionista y 2 como Director- y 2 Globos de Oro como Guionista.
Para terminar cabe mencionar en lo que algunas de las actrices y actores que han trabajado con él han coincidido: "Es muy cariñoso y respetuoso con los sistemas de trabajo de cada actor y maneja a la perfección la inseguridad de cada uno de ellos". Cuando se le plantean "versiones diferentes de alguna escena", accede a rodarlas, pero sin obtener nada concreto porque al final es él quien tiene un absoluto control sobre lo que quiere.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes publicados en el Blog)

• 1965 - ¿Qué hay de Nuevo, Pussycat?"– What's new, Pussycat?
• 1966 - “ Lily, la Tigresa “ – What's up, Tiger Lily?
• 1969 - “ Toma el dinero y corre / Robó, huyó y lo pescaron “ – Take the money and run
• 1971 - "Hombre en crisis" - Men of crisis: The Harvey Wellinger story
• 1971 - “ Bananas/La locura está de moda” – Bananas
• 1972 - “ Sueños de un Seductor” – play it again, Sam
• 1972 - “ Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar ” – Everything you always wanted to know about sex (But were afraid to ask)
• 1973 - “ El dormilón” – Sleeper
• 1975 - “ La última noche de Boris Grushenko / Amor y muerte” – Love and death
• 1976 - “ La Tapadera” – The Front
• 1977 - “ Annie Hall / Dos extraños amantes” – Annie Hall
• 1978 - “ Interiores” – Interiors
• 1979 - “ Manhattan” – Manhattan
• 1980 - “ Recuerdos / Recuerdos de una estrella” – Stardust memories
• 1982 - “ comedia sexual de una noche de verano” – A midsummer night's sex comedy
• 1983 - “ Zelig” – Zelig
• 1984 - “ Broadway Danny Rose” – Broadway Danny Rose
• 1985 - “ La rosa púrpura de El Cairo” – The purple rose of Cairo
• 1986 - “ Hannah y sus hermanas” – Hannah and her sisters
• 1987 - “ Días de radio” – Radio days
• 1987 - “ Septiembre” – September
• 1988 - “ Otra mujer / La otra mujer” – Another Woman
• 1989 - “ Edipo reprimido, episodio de Historias de NY” – Oedipus wrecks, NY Stories episode
• 1989 - “ Delitos y faltas / Crímenes y pecados” – Crimes and Misdemeanors
• 1990 - “ Alice” – Alice
• 1992 - “ Sombras y Niebla” – Shadows and fog
• 1992 - “ Maridos y mujeres / Maridos y esposas” – Husbands and Wives
• 1993 - “ Misterioso asesinato en Manhattan” – Manhattan murder mystery
• 1994 - “ Balas sobre Broadway” – Bullets over Broadway
• 1994 - “ Los USA en zona rusa” – Don't drink the water
• 1995 - “ Poderosa Afrodita” – Mighty Aphrodite
• 1996 - “ Todos dicen I Love You / Todos dicen que te amo ” – Everyone says I love you
• 1997 - “ Desmontando a Harry” – Deconstructing Harry
• 1998 - “ El precio del éxito” – Celebrity
• 1999 - “ Acordes y desacuerdos / Dulce y melancólico” – Sweet and lowdown
• 2000 - “ Granujas de medio pelo” – Small time crooks
• 2001 - “ La maldición del escorpión de jade” – The curse of the jade scorpion
• 2002 - “ Un final made in Hollywood / El ciego” – Hollywood Ending
• 2003- “ Todo lo demás / Muero por ti” – Anything else
• 2004 - “ Melinda & Melinda” – Melinda & Melinda
• 2005 - “ Match point” – Match point
• 2006 - “ Amor y muerte” – Scoop
• 2007 - “ El sueño de Cassandra / Los inquebrantables” – Cassandra's dream
• 2008 - “ Vicky Cristina Barcelona” – Vicky Cristina Barcelona
• 2009- “ Si la cosa funciona” – Whatever works
• 2010- “ Conocerás al hombre de tus sueños” – You will meet a tall dark stranger
• 2011- “ Medianoche en París” – Midnight in Paris
• 2012- “ A Roma con amor” – To Rome with love
• 2013 - “Jazmín Azul” – Blue Jasmine

Anexo
Woody Allen: El documental - Capítulo 1

La intención de toda esta filmo no es hacer de WA un ídolo, es verlo como una persona trabajadora que nos brinda su talento con creatividad y humor. Una buena presentación es este documental.

AÑO: 2011     DURACIÓN: 113 min.     PAÍS: USA.
DIRECTOR: Robert B. Weide
GUION: Robert B. Weide
ELENCO: Documentary, Woody Allen, Letty Aronson, Antonio Banderas, Marshall Brickman, Josh Brolin, Dick Cavett, Penélope Cruz, John Cusack, Larry David, Seth Green, Mariel Hemingway, Annette Insdorf, Charles H. Joffe, Scarlett Johansson, Julie Kavner
FICHA COMPLETA EN FILMAFFINITY

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Woody Allen: El documental (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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Woody Allen: El documental - Capítulo 2

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Woody Allen: El documental (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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Anexo
Meetin' WA

Realizado por Jean-Luc Godard en 1986 a Woody Allen, lo curioso es que antes de la masificación del internet, este documento fílmico lo conocian menos de 100 personas.

AÑO: 1986     DURACIÓN: 26 min.     PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Jean-Luc Godard
GUION: Woody Allen
ELENCO: Documentary, Jean-Luc Godard, Woody Allen.
FICHA COMPLETA EN FILMAFFINITY

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Meetin' WA (1986) / Audio Original - Subtítulos en Español y Francés / DVDrip > rmvb
140 Mb en 1 Parte / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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