Directores - Los Hermanos Wachowski

Los Hermanos Wachowski (Chicago, Illinois, USA).

Laurence Wachowski aka Larry o Lana Wachowski (21 de Junio de 1965) .

Andrew Paul Wachowski aka Andy Wachowski (29 de Diciembre de 1967).

Son guionistas, directores, escritores, y productores de cine estadounidense.

Son dos personajes de ascendencia Polaca aparentemente normales. Larry, graduado de High School (1983) asiste a la Universidad de Bard College en New York. Mientras que Andy en 1986 se matricula en Emerson en Boston. Ambos desertan en sus carreras, y forman una pequeña empresa familiar de carpintería. Tienen como pasatiempo la creación de Cómics, siendo esta parte de su vida la que dio origen a "The Matrix".

La búsqueda del entretenimiento cinematográfico es la esencia de sus filmes, según Larry buscan que sus filmes no sean predecibles ni aburridos, sino que te mantengan en vilo. (Debo contradecir a este respecto el guión y trama de Assasins, siendo esta una película MALA con actores conocidos, mal utilizados -o deberé decir explotando su máximo e limitado potencial actoral-).
Admiradores de J.R.R. Tolkien, autor de la trilogía de Sr. de los Anillos. Se confiesan influenciados por su facilidad de crear mundos inexistentes (pseudoreales).

Antes de trabajar en la industria del cine, los hermanos Wachowski escribieron los libros de la serie la serie Ektoid (creado por el novelista de terror Clive Barker)

para Marvel Comics de la Historieta "Razorline" en 1993, así como la para EPIC Comics: "Clive Barker's Hellraiser" y "Clive Barker's Nightbreed".

En 2003, crearon Burlyman Entertainment y han publicado libros de cómics basados en The Matrix, así como dos series bimestrales:
* Shaolin Cowboy - (guión y creación) y el arte por Geof Darrow
* Doc. Frankenstein - creado por Geof Darrow y Steve Skroce, escrito por los hermanos Wachowski, con dibujos de Skroce.
Durante el trabajo de Skroce la serie de Marvel Comics "Gambit", ayudó a crear un par de cazadores de recompensas, los Hermanos Mengo (Stanislaus y Gregori Mengochauschras), como adversarios, que se parecen físicamente a los hermanos Wachowski.

Demuestran ser lectores ávidos en The Matrix, siendo esta una película con interpretaciones diversas y casi ilimitadas, con influencias y paralelos de la Historia Universal, del hombre, la religión, tecnología y visión a futuro.
Si bien es cierto, no son los mejores creadores ni guionistas del mundo, y sus películas han ido perdiendo el 'toque' prometedor y esa sensación de 'pedir más' que creó "The Matrix" allá por 1999.
Si deseas conocer algo del cine Cómic, no puedes perderte "Animatrix" (claro y la trilogía de Matrix o la primera parte en el peor de los casos), "Con V de Vendetta", ni la última producción: "El Ninja Asesino".

PS: Página de Facebook aquí: http://www.facebook.com/group.php?gid=5641804331

FILMOGRAFÍA
• 2009 – "El Ninja Asesino" - Ninja Assasin

• 2008 – "Meteoro" - Speed Racer

• 2009 – "Con V de Venganza" - V for Vendetta

• 2003 – "Animatrix"

• 2003 – "The Matrix Revoluciones" - The Matrix Revolutions

• 2003 – "The Matrix Reloaded" - The Matrix Recargado

• 1999 – "The Matrix"

• 1996 – "Lazos Ardientes" - Bound

• 1995 – "Asesinos" - Assasins

Complemento publicado por Bruz el 01/10/11

FILMOGRAFÍA LOS WACHOWSKI._ Es verdad que es noticia vieja que Larry ahora es Lana, y “Los Hermanos Wachowski” ahora son apenas “Los Wachowski”. Pero si ya Larry/Lana iba al set de filmación vestido de mujer y desde entonces Larry Wachowski fue substituido por Lana Wachowski en IMDb, ¿entonces porqué no colocarla en los créditos de Sped Racer? (denle doble click al poster para ampliarlo). Según el alegato de los productores, la película del Macht 5 era un estreno familiar, y si removían mucho en el asunto de Lana y el cambio de sexo, y la novia dominatrix, y las relaciones sadomasoquistas, y ... Y tanta lata podría perjudicar la película. De hecho el único que apareció para el estreno fue Andy. Ahora están en etapa de filmación de “Cloud Atlas”, con estreno previsto para Octubre de 2012. ¿Será que al fin Lana va tener su lugar en los créditos?. Lo sabremos dentro de un año.
Y por cierto.... Larry/Lana continua con su novia dominatrix, solo que ahora son una Pareja Gay... Chúpense esa mandarina. (Bruz)

Directores - Makoto Shinkai

Makoto Niitsu aka. Makoto Shinkai, (Prefectura de Nagano, Japón, 09 de febrero de 1973). Guionista, director, productor, editor, sonidista, músico, actor y seiyū japonés ganador del premio DoGA CG Animation en el año 2000.

Estudió literatura japonesa en la universidad. Su pasión por la creación se debe al manga, anime y novelas que leyó mientras estaba en la secundaria.

Su anime favorito es Laputa: El castillo en el cielo* de Hayao Miyazaki. Shinkai ha sido llamado El nuevo Miyazaki en diversos artículos, incluyendo Anime Advocates y ActiveAnime, aunque él no está de acuerdo con esta comparación, aduciendo que "es una sobreestimación". Su popularidad comenzó en 1999, cuando Shinkai presentó Kanojo to kanojo no neko (Ella y su gato), un corto de cinco minutos hecho en blanco y negro. Con él ganó diversos premios, incluyendo el gram premio en el DoGA CG Animation contest del año 2000. El corto explora los detalles de la vida de un gato, narrados desde la perspectiva de este, y del tiempo que pasa con su dueña, una joven.
Luego de ganar el gran premio, Shinkai empezó a pensar en una continuación mientras trabajaba como diseñador gráfico para Falcom, una compañía de videojuegos. Meses después, en junio del 2000, Shinkai se inspiró en el dibujo de una chica frente al tablero de instrumentos de un avión, sujetando un teléfono celular para empezar Hoshi no Koe. Poco tiempo después, fue contactado por Mangazoo, que le ofreció "trabajar con él", dándole la oportunidad de convertir su idea en un anime que ellos pudieran vender. En mayo del 2001, renunció a su trabajo en Falcom y empezó a trabajar en la idea. En una entrevista, Shinkai señaló que la producción tomó cerca de siete meses de "trabajo de verdad".
Hoshi no Koe fue seguido por el largometraje de 90 minutos Kumo no Mukō, Yakusoku no Basho 雲のむこう、約束の場所 ("Beyond the Clouds, The Place Promised in Our Early Days"), que fue presentado en todo Japón el 20 de noviembre del 2004. Fue aclamado por la crítica, ganando muchos reconocimientos. El siguiente proyecto de Shinkai se tituló 5 Centimeters per Second 秒速５センチメートル (Byōsoku Go Senchimētoru) y fue presentado el 3 de marzo del 2007. Este consiste en tres cortos titulados Oukashou, Cosmonaut y 5 Centimeters per Second. El tiempo total de reproducción es de una hora. Además de sus propios proyectos, Shinkai también asiste en la animación eroge de openings de películas para minori, una compañía dedicada a la producción de novelas visuales.

Filmografía (Largometrajes)[Subida por SCH]
• 2000 – "Voces de una estrella lejana", "Voices of a Distant Star" - Hoshi no Koe (ほしのこえ).
• 2004 - "Más allá de las Nubes", "Beyond The Clouds, The Place Promised in Our Early Days" - Kumo no Mukō, Yakusoku no Basho (雲のむこう、約束の場所).
• 2007 - "5 Centimetros por Segundo" - "5 Centimeters Per Second: a chain of short stories about their distance" - Byōsoku Go Senchimētoru a chein obu shōto sutorīzu abauto zea disutansu (秒速５センチメートルアチェインオブショートストリーズアバウトゼアディスタンス).

Directores – Martin Scorsese

Martin Marcantonio Luciano Scorsese (Flushing, Queens – New York, 17 de noviembre de 1942). Director, Guionista, Actor y Productor de cine estadounidense, mejor conocido como Martin Scorsese. Uno de los más grandes directores de su generación.

Scorsese nació en medio de inmigrantes, siendo sus padres de ascendencia italiana cristiana. Desde muy temprano sintió atracción hacia el cine, lo cual terminó llevandolo a cursar estudios en la Universidad de Nueva York, obteniendo en 1964 la licenciatura en cine. Culmina la maestría en 1966. Su primer largometraje “¿Quién llama a mi puerta?” (1967) fue presentado en el Festival de Chicago, llamando la atención de la crítica.
Conforma junto a Francis Ford Coppola, George Lucas e Brian de Palma, el grupito llamado de “movie brats”, quienes eran el embrión norteaméricano de la “Nouvelle Vague”. Con escasos recursos dirige su segundo largo, “El Tren de Bertha” (1972). En el medio Neoyorkino conoce a Robert De Niro, y junto a Harvey Keitel protagonizan “Calles Peligrosas” (1973), Filme aclamado por la crítica obteniendo premio de la asociación para De Niro. Seguiría con “Alicia ya no vive aqui” (1974), con Keitel nuevamente en rol protagonico, consiguiendo varias nominaciones a los Globos de Oro, Premios Bafta, Oscar y de paso nomeado a la Palma de Oro en Cannes. Con esa bola toda repite a De Niro junto a la preadolescente Jodie Foster en el extraordinario “Taxi Driver” (1976), con el cual se adjudica la Palma de Oro en Cannes y otro viaje de galardones, aunque comienza su calvario con los Oscares donde apesar de obtener 4 nominaciones no se lleva nada. El trabajo con De Niro se repetiría en varios filmes memorables, como en la siguiente producción de Scorsese junto a la talentosísima Liza Minelli, “New Yor, New York” (1977), musical que fue considerado un fracazo por no haber recuperado la inversión en billetería. En realidad el filme fue notorio, pero se había torrado una inmensa cantidad de dinero que Scorsese pensó que recuperaría con su prestigio. Época alucinante regada a drogas y enredos personales.
La filmografía de Scorsese se caracteriza por exposición de violencia made in USA, vista desde una variedad de topicos: Mafia, Machismo, Juventud Trasviada, Pandillas, Sociopatas, Gangsters, Tráfico, Racismo, y hasta Boxeo. Todo esto mezclado con dosis de religiosidad y cinismo. También ha realizado musicales de alta factura que contrastan radicalmente con su obra violenta. Claro que nada serviría si no fuera un maestro en el arte de plasmar el guión con tomas arrojadas y precisas, además de contar con el ojo clínico para descubrir y dirigir actores que trascienden hacia el estrellato después de estar a sus ordenes.
En medio de la depresión y en pleno tratamiento, realiza su redención con “El Último rock” (1978), Un impresionante musical sobre el concierto de una banda en despedida. De nuevo junto a De Niro realiza el sangriento “Toro Salvaje” (1980), por el cual el actor se lleva el Oscar, pero la academia sigue sin perdonar a Scorsese negándole el Oscar de director y Filme. En el Inicio de los 80s realizó películas más leves como: “El rey de la Comedia” (1982), “Después de Horas” (1985) y “El Color del Dinero” (1986), con Paul Newman y el novato Tom Cruise. En 1987 dirige el Videoclip “Bad” del superastro Michael Jackson. A Continuación dirige la superproducción “La Última Tentación de Cristo” (1988), que le trajo más controversias que lucro, pero que lo coloca de nuevo en la boca de medio mundo, incluyendo otra frustrada nominación al Oscar de directores.
Antes de iniciar los 90s, codirije “Historias de Nueva York” (1989) junto a sus amigos Coppola y Allen, para luego realizar su obra más prestigiada por el público; aunque “Buenos Muchachos” (1990) no fue lo suficiente buena para la academía, negándole nuevamente el Oscar de mejor director. Siguieron “Cabo de Miedo” (1991), “La Edad de la Inocencia” (1993), “Casino” (1995) y la bellísima “Kundun” (1997), para cerrar los 90s con el fracaso "Vidas al Límite" (1999), con Nicolas Cage a bordo de una ambulancia.
“Gangues de Nueva York” (2002), fue una apuesta millonaria que contó con buena acogida de la crítica, y apesar de nominada a 10 Oscares sumó nada pal`Pote. Esta vez no hubo depresión y volvió con “El aviador” (2004), la cual fue nominada a más 11 Oscares (ganó 5), pero nada pa`Martin. En 2005 dirige un interesante documental sobre Bob Dylan, mientras preparaba “Los Infiltrados” (2006), con la que vuelve a mover la crítica y al fin se alza con la estatueta del Oscar después de 8 nominaciones personales. Su último gran estreno fue el documental “Shine a Light” (2008), todo un homenaje a la prehistórica y siempre vergataria Banda de los “Rolling Stones”, sobre un concierto realizado en el "Beacon Theatre" de Nueva York en Noviembre de 2006.
Notorio trabajo el realizado por Scorsese, quien se hizo merecedor del Premio "Cecil B. DeMille" 2010 por su contribución al cine, otorgado el pasado 17 de este mes en la ceremonia de los Globos de Oro, por la asociación de críticos de la prensa extranjera en Hollywood. Posteriormente estrenó en la Berlinale "La Isla Tenebrosa" (2010), causando cierto furor y acaparando los flashes junto a Leonardo Di Caprio.

Filmografía (largometrajes)
• 1967 - "¿Quién llama a mi puerta?" - I Call First aka Who's that knocking at my door?
• 1972 - "El tren de Bertha" - Boxcar Bertha
• 1973 - "Calles peligrosas" - Mean Streets aka Malas calles
• 1974 - "Alicia ya no vive aquí" - Alice Doesn't Live Here Anymore
• 1976 - "Taxi Driver".
• 1977 - "New York, New York".
• 1978 - "El último rock" - The Last Waltz aka El último vals (documental, musical).
• 1980 - "Toro salvaje" - Raging Bull
• 1983 - "El rey de la comedia" - The King of Comedy
• 1985 - "Después de horas" - After Hours aka Jo, ¡qué noche!.
• 1986 - "El color del dinero" - The Color of Money .
• 1987: "Bad" (vídeoclip de Michael Jackson).
• 1988 - "La última tentación de Cristo" - The Last Temptation of Christ
• 1989 - "Historias de Nueva York" - New York Stories: "Life Lessons"
• 1990 - "Buenos muchachos" - Goodfellas aka Uno de los nuestros.
• 1991 - "Cabo de miedo" - Cape Fear aka El cabo del miedo
• 1993 - "La edad de la inocencia" - The Age of Innocence ().
• 1995 - "Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano" - A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (documental).
• 1995 - "Casino"
• 1997 - "Kundun".
• 1999 - "Vidas al límite" - Bringing Out the Dead aka Al límite
• 2001 - "The Concert for New York City: "The Neighborhood" (documental, musical).
• 2002 - "Gangs of New York" aka Pandillas de Nueva York.
• 2004 - "El aviador" - The Aviator
• 2005 - "No Direction Home: Bob Dylan".
• 2006 - "Infiltrados" - The Departed aka Los infiltrados
• 2008 - "Shine a Light:The Stones" (documental, musical).
• 2010 - "La Isla Siniestra" - Shutter Island.
• 2011 - "Hugo"
• 2013 - "El Lobo de Wall Street" - The Wolf of Wall Street.

Directores - Jean-Pierre Jeunet

Jean-Pierre Jeunet (Nacido el 3 de septiembre de 1953 en la ciudad de Roanne, Loira en la región de Ródano-Alpes), empezó en el arte de la dirección a los 17 años, cuando se compró su primera cámara. Creó varios cortos mientras estudiaba animación en los Cinémation Studios. (Wikipedia.com)

Jean-Pierre Jeunet es un director autodidacta. Comenzó su carrera dirigiendo comerciales televisivos y video clips (como Julián Clerc en 1984). Por entonces conoció al diseñador y dibujante Marc Caro, con quien hizo dos cortos de animación: L'Évasion, (1978) y Le Manège (1980); por este último recibieron el premio César al mejor cortometraje.

Luego de estos dos éxitos, Jeunet y Caro pasaron más de un año encargándose de cada detalle (escenografía, vestuario, diseño de producción) de su tercer corto: Le Bunker de la dernière rafale (1981). Este trabajo combinaba ciencia ficción con fantástico, en una historia visualmente delirante sobre la creciente paranoia entre un grupo de soldados atrapados bajo tierra. El corto les valió numerosos premios en Francia (este film también significa la primera colaboración con Pilles Adrien, con quien más tarde escribieron las historias para sus dos primeros largometrajes).

Luego de eso Jeunet dirigió otros dos cortos, sin la asistencia de Caro, Pas de repos pour Billy Braco (1984), y Foutaises (1989), en el que ya podemos ver a Dominique Pinon, que se convertiría en su actor fetiche. Ambos trabajos fueron multipremiados en Francia y en Norteamérica; “Foutaises”, además, le mereció al realizador su segundo César.

En 1991 Jeunt y Caro dieron su primer paso en la realización de largometrajes: Delicatessen (1991). Fue tal el suceso, que ganó 4 Césars, incluyendo el premio al mejor director y a la mejor escenografía. El éxito sorprendió incluso a la pareja de directores, pero éstos capitalizaron este éxito para hacer posible un proyecto que llevaba casi 10 años y, que les tomó más de 4 años llevar a cabo. Le cité des enfants perdus (1995), una oscura fábula que resultó tan innovadora para el período que incluso debieron desarrollar software nuevo para realizar los efectos especiales (realizados en su mayoría por Pitof). La fotografía corrió por cuenta del iraní Darius Khondji (que ya había trabajado con ellos en Delicatessen), la música por Angelo Badalamenti y el vestuario de Jean-Paul Gaultier. Se suponía que la película sería apropiada para la audiencia infantil, pero muchos la consideraron demasiado “oscura”, a lo que Jeunet y Caro replicaron que no era más “oscura” que “Pinocchio” (1940) o “Bambi” (1942). Terminó siendo un éxito, y eso atrajo inevitablemente la atención de Hollywood.
En 1997 Jean-Pierre Jeunet marchó a EE.UU para hacerse cargo de la dirección de la cuarta película de la saga Alien. "Alien resurrection" (1997), realizada junto con muchos de sus usuales colaboradores (Dominique Pinon, Pitof, Khondji, Perlman). En el 2000, Jeunet regresa a Francia para realizar un film que si bien fue co-escrito con Guillaume Laurant, puede considerarse un proyecto más personal, después de los trabajos en colaboración con Caro. Utilizó en ella material de su trabajo anterior (Foutaises). El resultado fue Le fabuleux destin d’Amélie Poulain (2001), su mayor éxito hasta el momento, con el que cosechó innumerables premios, incluyendo 4 premios César.

Tras el éxito de Amélie, Jeunet decidió adaptar el libro de Sébastien Japrisot Un long dimanche de fiançailles (2004). La cual ha sido una de las películas de mayor presupuesto en la historia de la cinematografía francesa y ha tenido un buen recibimiento internacional. (Fuente: Veinticuatrofps.com)

Su último largometraje, Micmacs à tire-larigot (2009), protagonizado por Danny Boon, una comedia que aborda el tráfico de armas, todavía tiene pendiente su estreno en españa. (Fuente: wikipedia.com)

Filmografía
• 1978 – "L'évasion" - The Escape (cortometraje)
• 1980 – "La Manège" (cortometraje)

• 1981 – "Le Bunker de la dernière rafale" - The bunker of the last gunshots (cortometraje)

• 1984 – "Pas de repos pour Billy Brakko" (cortometraje)
• 1989 – "Foutaises" - Things I Like, Things I Don't Like (cortometraje)
• 1991 – "Delicatessen"
• 1995 – "La ciudad de los niños perdidos" (La cité des enfants perdus) - The city of the lost children
• 1997 – "Alien Resurrección" - (Alien Resurrection) - Alien 4
• 2001 – "Amelie" - (Le fabuleux destin d'Amelie Poulain) - El fabuloso destino de Amelie Poulain
• 2004 – "Largo domingo de noviazgo" - (Un long dimanche de fiançailles) - Amor eterno
• 2009 – "Micmacs à tire-larigot" - Micmacs

Directores – Éric Rohmer

Jean-Marie Maurice Scherer (Nancy, Lorraine - Francia, 04 de abril de 1920), Escritor, Director, Guionista y crítico de Cine, integrante de la corriente “Nouvelle Vague” francesa. Mejor conocido como Éric Rohmer. Murió en Paris el 11 de enero de 2010, a la edad de 89 años.

Hijo de Mathilde y Lucien Scherer. Estudió en el Lycée de Nancy. Licenciado en literatura francesa en 1942, ejerció como profesor en el mismo instituto hasta 1949, cuando se traslada a Paris. En ese tiempo escribió y publicó la novela "Elizabeth" (1946) con el seudónimo de Gilbert Cordier. En Paris orientó sus pasos hacia el cine, mientras escribía críticas en varias revistas. En ese entonces conoce a Godard, Rivette, Truffaut y Chabrol, con quienes funda La Gazette du Cinéma. En 1957 se convierte en jefe de redacción de Cahiers du Cinéma (célebre revista que se constituyó en embrión del movimiento conocido como Nouvelle Vague). Escribe con Claude Chabrol el libro Hitchcook, que es cuando adopta el seudónimo de Eric Rohmer en homenaje a dos artistas de su época. Su primer guión para cine, “Tous les Garçons S'Appellent Patrick”, fue llevado a la pantalla en 1958 por su amigo Jean-Luc Godard. Luego por cuenta propia, inicia una serie de cortometrajes experimentales.
Su primer largometraje “Le signe du lion” (1959), tuvo una fría acogida y duró poco en el circuito comercial, pero eso no desmoronó al duro Rohmer, quien realizó una serie de trabajos para la televisión mientras preparaba nueva oportunidad.
En 1962 inicia una serie de películas que encaja en una misma idea: «Seis cuentos morales», comenzando con los mediometrajes “La boulangère de Monceau” (1962) y “La carrière de Suzanne” (1963). En 1963 abandona la revista Cahiers du Cinéma, para embarcarse con Barbet Schroeder en la fundación de la productora “Les Films du Losange”. En la serie seguiría con “La coleccionista” (1967), premio especial del jurado en el Festival de Berlín; “Mi noche con Maud” (1969), nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa; “La rodilla de Claire” (1970), premio a la mejor película en San Sebastián, y “El amor después del mediodía” (1972).
Los años 60 fueron importantes para embalar el movimiento “Nouvelle Vague” francés. Caracterizado por películas de directores-autores realizadas con bajo presupuesto. Trataban temas del cotidiano en locaciones externas junto a noveles actores, en una continua transgresión al orden dramático establecido por el cine tradicional de estudio. Rohmer fue de los principales junto a Jean-Luc Godard, François Truffaut, Alain Resnais, Jacques Rivette, Claude Chabrol. La “nueva onda” terminó influenciando el cine en todo el mundo.
En especial, la obra de Rohmer es caracterizada por contar historias sobre la conducta humana, donde profundiza en la psicología de los personajes y hace que estos intercambien ideas en un continuo análisis que nunca termina. Usa y abusa de la sensualidad femenina sin llegar a ser grosero en sus planteamientos. Por otro lado, las relaciones amorosas son fundamentales, variando entre el drama y la comedia.
En los años 80 inició otra serie llamada de, «Comedias y proverbios», incluyendo “La mujer del aviador” (1980); “La buena boda” (1981); “Pauline en la playa” (1982), que le valió el Oso de Plata y el premio Fipresci en el Festival de Berlín en 1983; “Las noches de la plena luna” (1984); “El rayo verde” (1986), León de Oro y premio de la crítica internacional en Venecia, y “El amigo de mi amiga” (1987). En la década de los noventa realizó la serie «Cuentos de las cuatro estaciones», formada por “Cuento de primavera” (1990); “Cuento de invierno” (1991), premio Fipresci en Berlín; “Cuento de verano” (1996), y “Cuento de otoño” (1998), premio al mejor guión original en Venecia.
Sus últimas 3 películas representan temas diferentes. “La Dama y el Duque” (2001), Un drama de época basado en los diarios de la inglesa Grace Elliot; “Triple Agente” (2004), una historia de espionaje de comienzos de siglo XX; y la Fábula “Los Amores de Astrée y Céladon” (2007), Todoas mantienen la misma estructura que lo caracterizó.
Éric Rohmer se apagó ayer, pero su cine seguirá encendido en su homenaje.

FILMOGRAFÍA ERIC ROHMER (Largometrajes publicadis en Negrita)
• 1959 – “Le Signe du Lion”
• 1963 – “La Boulangère de Monceau” - Contes moraux (mediometraje)
• 1963 – “La Carrière de Suzanne” - Contes moraux (mediometraje)
• 1965 – “Paris visto por...” - (Paris vu par...Episodio: 'Place de L'Etoile) •
• 1967 – “La coleccionista” - (La collectionneuse) - Contes moraux
• 1969 – “Mi noche con Maud” - (Ma nuit chez Maud) - Contes moraux
• 1970 – “La rodilla de Claire” - (Le genou de Claire) - Contes moraux
• 1972 – “El amor después del mediodía” - (L'amour, L'apres-midi) - Contes moraux
• 1975 – “La marquesa de O” - (Die Marquise Von O) •
• 1978 – “Perceval Le Gallois” •
• 1980 – “La mujer del aviador” - (La femme de L'aviateur) - Comédies et Proverbes
• 1981 – “La buena boda” (Le beau marriage) - Comédies et Proverbes
• 1982 – “Pauline en la playa” (Pauline a la plage) - Comédies et Proverbes
• 1984 – “Las noches de la plena luna” (Les nuits de la pleine lune) - Comédies et Proverbes
• 1986 – “El rayo verde” - (Le rayon vert) - Comédies et Proverbes
• 1986 – “4 aventuras de Reinette y Mirabelle” - (4 Aventures de Reinette et Mirabelle)
• 1987 – “El amigo de mi amiga” - (L'ami de mon amie) - Comédies et Proverbes
• 1990 – “Cuento de Primavera” - (Conte de Printemps) - Contes des quatre saisons
• 1991 – “Cuento de invierno” - (Conte D'Hiver) - Contes des quatre saisons
• 1993 – “El árbol, el alcalde y la mediateca” - (L'Arbre, le maire et la mediatheque) •
• 1994 – “Tres romances en París” - (Les rendez-vous Paris) •
• 1996 – “Cuento de verano” - (Conte d'été) - Contes des quatre saisons
• 1998 – “Cuento de Otoño” - (Conte d'automme) - Contes des quatre saisons
• 2001 – “La Dama y El Duque” – (L' anglaise et le duc)
• 2003 – “Triple Agente” – (Triple Agent)
• 2007 – “Los Amores de Astrée y Céladon” – (Les Amours d'Astrée et de Céladon)

Quien es este viejito bailando Pop?

Directores - Quentin Tarantino

Quentin Tarantino, (Knoxville, Tennessee, EEUU, 27 de marzo de 1963). Guionista, director y actor estadounidense ganador del Premio Óscar y de la Palma de Oro de Cannes.

Cuando tenía dos años, su madre (soltera) se mudó con él a South Bay, al sur de Los Ángeles, su hogar durante las siguientes dos décadas.Su barrio en la ciudad de Torrance era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años 70. Tarantino abandonó los estudios a los 17 años para dar clases de interpretación y mantenerse con trabajos esporádicos. A los 22 años encontró una especie de segundo hogar en Video Archives, en Manhattan Beach, donde sus grandes conocimientos en películas antiguas le fueron muy útiles.

Junto a Roger Avery y Jerry Martínez, Tarantino convirtió Video Archives en una improvisada escuela de cine. Empezó a escribir para poder ofrecer escenas prácticas en sus clases de interpretación.Tras un tiempo trabajando con Avery y otros amigos, Tarantino pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de su frustración por la dificultad de poder hacer una "película de verdad" con un escritor desconocido como director, Tarantino escribió en 1991 Reservoir Dogs , con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigotes de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, un ambicioso productor, Lawrence Bender leyó el guión de "Dogs" y le fascinó. Le pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar hacer de ella una "película de verdad". Fue Bender quien hizo llegar el guión al actor Harvey Keitel , y fue el entusiasmo de Keitel lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía a Michael Madsen , Steve Buscemi , Tim Roth , Lawrence Tierney , Chris Penn y el propio Tarantino, además de Keitel, Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo.

De repente, Tarantino estaba de moda y los dos guiones en los que había estado trabajando antes de "Reservoir Dogs" se vendieron enseguida: fueron True Romance (Amor a quemarropa) (1992, dirigida por Tony Scott ) y Natural Born Killers (Asesinos natos) (1993, reescrita y dirigida por Oliver Stone ). En 1994 llegó Pulp Fiction , un collage de ficción interpretada por John Travolta y Uma Thurman .Tras tres años de descanso, Tarantino escribió y dirigió Jackie Brown en 1997, un embrollo policíaco inspirado en la novela de Elmore Leonard , Rum Punch. Pam Grier logró estar nominada tanto a los Globos de Oro como a los premios SAG por su actuación en el papel principal, y el coprotagonista, Robert Foster , fue nominado al Premio de la Academia en la categoría de Mejor Actor Secundario. Completaban este reparto único Samuel L. Jackson (nominado también para un Globo de Oro), Robert De Niro , Bridget Fonda y Michael Keaton . El primer objetivo profesional de Tarantino era ser actor y ha seguido interpretando papeles en sus propias películas como en las de otros, como en Jackie Brown, Reservoir Dogs, Pulp Fiction, The Man From Hollywood, Four Rooms, Del crepúsculo al amanecer, Destiny Turns on the Radio y Girl 6 de Spike Lee. Durante los cuatro años que pasaron entre el estreno de Jackie Brown y la producción de Kill Bill, Tarantino trabajó duro en el guión de una película bélica, Inglorious Basterds, que se estrenó en agosto del 2009. En 2007 estrenó Death Proof, película nominada a la Palma de Oro, escrita y dirigida por Quentin Tarantino, y protagonizada por Kurt Russell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito y Jordan Ladd, entre otros. Death Proof y Planet Terror (Robert Rodriguez) componen la sesión doble de cine Grindhouse.

Filmografía (Como Director)
• 1987 – “El cumpleaños de mi mejor amigo” – My Best Friend's Birthday (Reconstruída/inconclusa)

• 1992 – “Reservoir dogs”

• 1994 – “Tiempos violentos” – Pulp Fiction

• 1995 – “Four Rooms”

• 1997 – “Jackie Brown”

• 2003 – “Kill Bill Vol.1”

• 2004 – “Kill Bill Vol.2”

• 2007 – “A prueba de Muerte” – Grind House: Death Proof

• 2009 – “Bastardos sin Gloria” – Inglorious Basterds

Jackie Brown (1997)

FILMOGRAFÍA QUENTIN TARANTINO._ História ideal, el malo recibe su merecido y los buenos (aparentemente buenos) también. Película nominada a los 3 premios más importantes de cine como mejor película. Historia fría y con moraleja: "Lo que se hace, se paga"...(ScH)

Jackie Brown

Año: 1997
DURACIÓN: 154 min.
PAÍS: USA.
DIRECTOR: Quentin Tarantino, Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodríguez.
GUIÓN: Quentin Tarantino, Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodríguez.
MÚSICA: Varios.
FOTOGRAFÍA: Guillermo Navarro.
ELENCO: Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert De Niro, Robert Forster, Bridget Fonda, Michael Keaton, Michael Bowen, Chris Tucker, Lisa Gay Hamilton, Tommy 'Tiny' Lister, Sid Haig, Aimee Graham.
PRODUCTORA: Miramax Films / Band Apart /
GALARDONES: Oso de Plata 1998 a Samuel L. Jackson como mejor actor ; Quentin Tarantino Nominado al Oso de Oro. 2 Nominación al Globo de Oro 1998; 1 Nominación al Oscar 1998.

Jackie Brown (Pam Grier) es una azafata de vuelo que, necesitada de dinero, hace de correo para Robbie, un mafioso buscado por la policía. Todo parece ir bien, hasta que un día es sorprendida en la aduana y acusada de tráfico de drogas y evasión. Para evitar ingresar en prisión, la policía sólo deja a Jackie una salida: ayudarles a llegar hasta Robbie. (FILMAFFINITY)

Revisar otras críticas en FILMAFFINITY

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Jackie Brown (1997) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip - rmvb
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Directores – Andrei Tarkovsky

Andrei Arsenyevich Tarkovsky (Zavrazhye, Unión Soviética, 4 de abril de 1932), Director, Guionista, Editor y escritor Ruso. Considerado uno de los grandes de la cinematografía Mundial. Murió en Paris el 29 de diciembre de 1986 con apenas 54 años.

Hijo del Poeta Arseny Alexandrovich Tarkovsky (quien desapareció en la II Guerra) y Maria Ivanova Vishnyakova, graduada del Instituto de literatura Maximo Gorki.
Luego de ser evacuados y volver a Moscú, Tarkovsky continuó sus estudios a la vez que aprendía a tocar piano. Del 47 al 48, estuvo internado con tuberculosis. Al término de la escuela secundaria, ingresa en el Instituto Oriental de Moscú para estudiar Árabe. Después se cambiaría para el Instituto de Ciencias Geológicas, y participa de una expedición en la provincia de Krasnoyarsk. Cuando vuelve, toma la decisión de estudiar cine, y consigue entrar para el Instituto Estatal de Cine (VGIK). Allí conoce a Irma Raush con quien se casa en 1957.
La era Khrushchev ofrece una apertura a las artes, y hubo mayor acceso a películas del “Neorrealismo Italiano” y la “Nouvelle Vague francesa”, además de directores como Akira Kurosawa, Luis Buñuel, Ingmar Bergman, Bresson y Mizoguchi. Tarkovsky estaba convencido de que para crear era necesario transcribir la propia idea. Como estudiante dirige su primer cortometraje junto con Alexander Gordon “Los Asesinos” (1956), basada en una historia de Ernest Hemingway. Sigue el mediometraje “Hoy no habrá salida libre” (1959) de nuevo junto a Gordon. En la VGIK conoció a Andrei Konchalovsky, con quien escribió el guión “Antártica – País Distante”, lo enviaron a Lenfilm y fue rechazado. Tuvieron más suerte con el guión “La aplanadora y el violín”, el cual fue producido por Mosfilm. Con este mediometraje Tarkovsky alcanza su diploma en 1960.
De personalidad nerviosa, bravucón introvertido y extremadamente angustiado, el realizador mantuvo siempre control total de su trabajo. Su obra se caracteriza por los temas metafísicos y espirituales, largas tomas, estructura dramática poco convencional, agua (bastante agua), e imágenes oníricas de excepcional belleza. Su compromiso artístico queda plasmado en su libro “Esculpir el Tiempo” (obra de culto para todos los que aman el 7° arte), donde desarrolla la teoría de “la capacidad de fijar el tiempo”. Según Tarkovsky: “El cineasta debe esculpir un bloque de tiempo para dejar al descubierto la imagen cinematográfica”.
En 1962 realizaría su primer largometraje gracias a un proyecto abortado del cineasta Eduard Abalov. “La infancia de Iván” fue aclamada por la crítica, ganando el León de Oro en el Festival de Venecia y el Premio Golden Gate del Festival de San Francisco. Entonces Tarkovsky cayó sobre la mirada de las autoridades rusas, que temían que el realizador mostrase más allá de lo permitido. Su segunda película “Andrey Rublev” (1966), fue sometida a escarnios de la censura teniendo que hacer reiteradas ediciones. De esa manera mantuvieron al director parado durante años hasta que al fin fue estrenada en el Festival de Cannes de 1969. Mismo presentada a última hora, ganó el premio FIPRESCI (otorgado por La prensa especializada). En 1970 se divorció de Irma Raush, por causa del romance que mantuvo con su asistente Larissa Kizilova, con quien tendría a su hijo Andrei Tarkovsky en agosto de ese año.
Su siguiente película, “Solaris” (1972), basada en la novela homónima del escritor polaco Stanisław Lem, cayó en gracia de las autoridades rusas las cuales la presentaron como la respuesta Soviética a “2001 – Una Odisea en el Espacio”. Tarkovsky luego diria que jamás tuvo conocimiento de la película de Kubrick. Ese era el estado de trabajar en medio de la censura socialista, y para un realizador tan rebelde como Andrei era perder el tiempo y casi la libertad, como casi sucede con “El Espejo” (1975), la cual fue considerada peligrosa por las autoridades, pero al fin liberada después de algunos “ajustes”. La película es semibiográfica y considerada de un estilo innovador en cuanto a la estructura narrativa.
Las posibilidades de hacer cine en la URSS disminuían para Tarkovsky. Pero aún tenía muchos amigos ligados a los estudios Mosfilm y, a pesar de miles de contratiempos con las autoridades, discrepancias con su equipo técnico, pérdida de material en un incendio y un ataque cardíaco en 1978, consigue presentar “Stalker” (1979), película de corte fantástico inspirada en la novela “Roadside Picnic” de los hermanos Arkady y Boris Strugatsky. Ese mismo año viaja a Italia a convite de su amigo Tonino Guerra, y juntos realizarían el Documental para TV “Tiempo de Viaje” (presentado en 1983).
En el 81 vuelve a Italia para ultimar detalles de su primera coproducción, aunque aún bajo vigilancia de la censura soviética. Mosfilm se retira del proyecto y hubo que apelar a la RAI. En 1983 presenta “Nostalgia” en Cannes y es aclamada obteniendo el Premio del Jurado Ecuménico, el FIPRESCI y elegido como mejor director. Luego se exila en Suiza y a partir de 1984 comienza a trabajar en su primera película libre, donde aplicará todas sus teorías de cinematografía y tiempo. El resultado rodado en Suecia es “El Sacrificio” (1986), Aplaudida y galardonada en Cannes y, considerada como una de las grandes obras del 7° Arte. Tarkovsky no pudo ir a recoger los aplausos porque es aquejado con un cancer terminal de pulmon. Muere en Paris hace exactos 23 años de la fecha de este post. En su túmulo creado por el escultor ruso Ernst Neizvestny, se puede leer “Para el hombre que vio el Angel”... No se hasta que punto haya visto Andrei, pero nos ha dejado un legado demasiado intenso.

Filmografía (toda en el Blog)
• 1956 – “Asesinos” – Ubiytsy [Убийцы] aka The Killers (Cortometraje)
• 1959 – “Hoy no habrá salida libre” - Segodnya uvolneniya ne budet [Сегодня увольнения не будет] aka There Will Be No Leave Today (Mediometraje)
• 1961 – “La aplanadora y el violín” - Katok i skripka [Каток и скрипка] aka The Steamroller and the Violin (Mediometraje)
• 1962 – “La infancia de Ivan” – Ivanovo detstvo [Иваново детство] Aka My Name Is Ivan
• 1969 [1965] – “Andrei Rublev” - Andrey Rublyov [Андрей Рублёв] aka The Passion According to Saint Andrew
• 1972 – “Solaris” - Solyaris [Сталкер]
• 1975 – “El Espejo” – Zerkalo [Зеркало] aka The Mirror
• 1979 – “Stalker” - [Сталкер] aka La Zona
• 1981 – “Tiempo de Viaje” - Tempo di viaggio aka Voyage in Time (TV-Documental)
• 1983 – “Nostalgia” - Nostalghiya [Ностальгия] aka Nostalghia
• 1986 – “El Sacrificio” - Offret aka The Sacrifice

Bibliografía >>> AndreiTarkovsky.org/bibliografía
- Tarkovsky, Andrei, Sculpting in Time (Faber, London 1989)
- Tarkovsky, Andrei, Time within Time: the Diaries 1970-86 (Faber, London, 1994)
- Andrei Tarkovski, Esculpir en el tiempo. Reflexiones sobre el cine, trad. Enrique Banús, Rialp, Madrid 1991.
- Andrei Tarkovski, Esculpir el tiempo, ed. Rodolfo Peláez, tr. Miguel Bustos García, Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, Universidad Nacional Autónoma de México, México D. F., 1993.
- Andrei Tarkovski, Andrei Rubliov (guión literario).Ediciones Sígueme (2006), Col. «El peso de los días», nº 50 - 288 páginas.

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Directores - Alexander Sokurov

Aleksandr Nikolayevich Sokurov (Podorvikha, Union Sovietica, 14 de junio de 1951), Director y Guionista Siberiano, considerado como una de las vacas sagradas del cine Ruso.

Hijo del veterano de la segunda guerra mundial Nikolai Alexandrovich Sokurov y de Maria Andrianovna. Devido al padre militar, Sokurov realiza estudios primarios en varias localidades como el Turcomenistán, Polonia y Stavropol (Sur de Rusia). En 1968 ingresa al curso de historia en la Universidad de Gorky, ciudad industrial del centro Ruso ahora llamada Nizhni Novgorod. Trabaja como asistente de producción en la Televisora local, donde aprende sobre la realización audiovisual y tiene la oportunidad de dirigir algunos programas en vivo.
Al terminar sus estudios de historia en Gorky, buscó especializarse en la producción cinematográfica. Obtiene la beca Einsestein e ingresa en la Moskow Filmschool VGIK, famoso Instituto de Filmografía de la Unión Soviética. Es allí donde conoce a Andrei Tarkovski, quien queda impresionado por sus ideas y convierte a Sokurov en su principal discípulo. La amistad de estos realizadores durará a pesar del maestro migrar para occidente.
En 1979 se gradúa en la VGIK, y Gracias a la influencia de Tarkovski fue contratado por los Estudios LenFilm en 1980. Desde el comienzo su postura fue considerada como transgresiva y antisoviética. Todas sus películas son censuradas hasta la llegada de la Perestroika de Gorvachev, que es cuando hace parte de la Unión de Realizadores de Cine de Rusia y pasa a presidir el Consejo de Arte de los Estudios Lenfilm.
Aunque ha sido principalmente un Documentalista, Sokurov admite la influencia del lenguaje poético y plástico de “Serkalo” [El Espejo] de Andrei Tarkovski, imprimiéndole a su producción características propias del mundo de los sueños, en una deconstrucción del arte cinematográfico para llevarlo al plano de la pictografía en movimiento. En parte de su obra utiliza filtros de colores y de distorsión de imagen, la cual trabaja para darle un efecto que acentúe el motiv. Según él mismo, su estilo refleja el contenido que explora el dolor, la nostalgia, el aislamiento, la soledad y la muerte; todo esto dentro de una circunstancia histórica precisa. Algunas de sus obras son tan intimistas e incomprensibles, que el propio Sokurov ha tenido que desmentir lo que la crítica ha querido entender de ellas.
En 1987 estrena su primer largometraje de ficción “La voz Solitaria del Hombre”, ganadora del Leopardo de bronce en el Festival de Locarno. “Días de Eclipse” (1988) fue ganadora de menciones en el festival de Berlín y por los críticos de la Academia Europea de Cine. Durante el inicio de la década de los`90, las producciones de Sokurov marcaron presencia en diversos festivales, recibiendo premios internacionales como el Fipresci y el Tarkovski Award. El documental “Voces Espirituales” (1995) de 327 min divididas en 5 capítulos, impresiona por su lenguaje metafórico y austero sobre un puesto militar en la frontera Tayikistan-Afganistán.
“Madre e Hijo” (1997) fue su primer largometraje de ficción internacionalmente aclamado, que tiene su contraparte títular “Padre e Hijo” (2003). Llama la atención su trilogía sobre políticos del siglo XX: “Moloch” (1999) sobre Hitler; “Taurus” (2000) sobre Lenin; y "El Sol" (2004) sobre el emperador Hirohito. En tanto, su película más exitosa ante la crítica como en taquilla, ha sido “El Arca Rusa” (2002), aplaudida por sus imágenes visuales hipnóticas y su laaarga toma sin edición, realizada en el Museo de La Hermitage en San Petesburgo. También ha realizado un trabajo de “Elegías”, constituido por cortometrajes y largometrajes, siendo la última a estrenarse “Elegía de Vida: Rostropovich, Vishnevskaya” (2006). En cuanto a su última ficción "Alexandra" (2007), es un reflejo de los efectos del mundo militar en los familiares de los soldados. La tan esperada “Fausto” extrena llevándose el León de oro en el Festival de Venecia 2011.

Filmografía (14 Largometrajes ficción y 9 documentales) En Negrita las Postadas.
• 1981 – “Sonata para viola. Dmitri Shostakovich” – Altovaya sonata. Dmitriy Shostakovich Aka Sonata for Viola. Dmitri Shostakovitch (Documental)
• 1987 – “Penosa Indiferencia” – Skorbnoye beschuvstviye [Скорбное бесчувствие] aka Mournful Unconcern
• 1987 – “La Voz Solitaria del Hombre” – Odinokiy golos cheloveka [Одинокий голос человека] Aka The Lonely Human Voice
• 1987 – “Elegía de Moscú” - Moskovskaya elegiya Aka The Moscow Elegy (Documental)
• 1987 – “Y nada más” – I nichego bolshe Aka And Nothing More (Documental)
• 1988 – “Días de Eclipse” – Dni zatmeniya [Дни затмения] Aka The Days of Eclipse
• 1989 – “Seguro y Protegido” - Spasi i sokhrani [Спаси и сохрани] Aka Save and Protect
• 1990 – “El Segundo Círculo” - Krug vtoroy [Круг второй] Aka The Second Circle
• 1992 – “Piedra” - Kamen [Камень ] Aka The Stone
• 1993 – “Elegía desde Rusia” - Elegiya iz Rossii Aka The Elegy from Russia (Documental)
• 1994 – “Las Páginas Susurrantes” - Tikhiye stranitsy [Тихие страницы] Aka Whispering Pages
• 1995 – “Voces espirituales” - Dukhovnye golosa Aka Spiritual Voices (Documental)
• 1997 – “Madre e hijo” – Mat i syn [Мать и сын] Aka Mother and Son
• 1997 – “Una vida humilde” – Smirennaya zhizn Aka A Humble Life (Documental)
• 1999 – “Diálogos con Solzhenitsyn” - Uzel aka The Dialogues with Solzhenitsyn (Documental)
• 1999 – “Moloch” - Molokh [Molox]
• 2000 – “Dolce...” – [Nezhno] (Documental)
• 2001 – “Taurus” - Telets [Телец]
• 2002 – “El Arca Rusa” - Russkiy kovcheg [Русский ковчег] Aka Russian Ark
• 2003 – “Padre e Hijo” - Otets i syn [Отец и сын] aka Father and Son
• 2005 – “El Sol” - Solntse [Солнце] Aka The Sun
• 2006 – “Elegía de Vida: Rostropovich, Vishnevskaya” - Elegiya zhizni. Rostropovich. Vishnevskaya. Aka Elegy of Life: Rostropovich, Vishnevskaya (Documental)
• 2007 – “Alexandra” - Aleksandra [Александра]
• 2011 – "Fausto" - aka Faust

Filmografía en el site de Sokurov

Directores – Jim Jarmusch

Jim Jarmusch, (Akron, EEUU, 22 de enero de 1953), Director, y guionista de cine norteamericano.

Jarmusch salió de Ohio para estudiar en la "Escuela Universitaria de Cine de Nueva York", y luego también en la “Cinematheque Francaise” de Paris. Su primer trabajo fue como asistente de una película de Nicholas Ray y Wim Wenders "Lightning Over Water" (1980).
Con propios recursos hizo su primer largometraje “Permanent Vacation” (1982), filmada con una sola cámara de 16 mm y cuyo presupuesto total fue la bagatela de 15,000 U$. En 1984 con un equipo de producción mínimo realiza “Stranger Than Paradise”, que le valió el Premio "Camera d'Or" del Festival de Cannes, junto a la aclamación de la crítica por crear una singularidad fílmica, convirtiéndose en marco del cine independiente Norteamericano.
Sus películas están cargadas de pesimismo, ocupándose de personajes marginados, atropellados por condiciones sociales o de conducta. Sus aperturas preferidas son paneos en movimiento mostrando vagas construcciones o bocas de lobo donde descansan mendigos, todo regado a Jazz o con los más sordidos raps de compositores como: Tom Waits, Joe Strummer, Iggy Pop, John Lurie y Screamin Jay Hawkings, quienes también aparecen como actores en sus producciones. En algunas ocasiones la musicalización es totalmente minimalista bien acorde con lo que quiere decir cuadro a cuadro. Otra característica que observamos, es que siempre emplea una variedad étnica que no llega a ser meollo de la trama. La diferencia racial apenas está allí, como fiel exponente de la mixigenación del mundo en que vivimos.
Su primera gran producción es “Down by Law” (1986), donde además de Waits y Lurie, participa Roberto Benigni, otro de sus amigos consecuentes. “Daunbailó” (como me encantó que la titularán los italianos y brasileros), fue fuerte concorrente a la Palma de Oro y se constituyó en su coronación ante la crítica, que aplaudió de pié el estilo Jarmusch. En sus dos siguientes producciones “Mystery Train” (1989) y “Night on Earth” (1991), abandonó el Blanco & Negro pero continuó con su estética, sus paneos de cámara, sus cortes y el relato de perdedores. En 1995 realizó “Dead Man”, un Western protagonizado por Johnny Depp y calificado como "Anti-Western" o "Póst-Western". La película en Blanco y Negro cuenta con la fotografía de Robby Müller y la banda sonora es compuesta y ejecutada por Neil Young, otro de sus "altos panas" con el cual haría el documental "Year of the Horse" (1997), sobre la tourne de Neil y su banda.
Considerado como uno de los pocos directores verdaderamente independiente y respetado por la crítica, y con la garantía de que millares de fans por todo el mundo iran a las salas de cine, se da el lujo de explorar hacia otro patatar de violencia con “Ghost Dog: The Way of the Samurai” (1999), donde aborda la mafia y el crimen en New Jersey. Film protagonizado por Forrest Whitaker y banda sonora original compuesta por RZA de Wu-Tang Clanen. En 2002 participa de un documental realizado por varios directores “Ten Minutes Older: The Trumpet”. Luego concreta una de sus obras más emblemática e idiosincráticas. “Coffee and Cigarettes” que remonta a una série de cortometrajes iniciados en 1986 con Roberto Benigni y el comediante Steve Wright; en 1989 los músicos Cinqué Lee, Joie Lee hacen lo suyo frente al comediante Steve Buscemi; El protagonizado en 1993 por Iggy Pop y Tom Waits se lleva la Palma de Oro en Cannes. La série va siendo progresivamente expandida con nombres como Cate Blanchett, RZA, GZA, Bill Murray, Steve Coogan, Alfred Molina e integrantes de los The White Stripes, Hasta ser completada y presentada como largometraje en Sept de 2003, en los Festivales de Venecia y Toronto.
En 2005 realizó “Broken Flowers”, una película con Bill Murray que será apreciada por cualquiera, no así "The Limits of Control" (2009), que es de un minimalismo para ser entendido como el espectador quiera, lo que la hace riquísima para fans y "sinsentido" para el resto. Con Uds... Jarmusch.

FILMOGRAFÍA JIM JARMUSCH._ (largometrajes)
• 1980 – “Vacaciones Permanentes” – Permanent Vacation
• 1984 – “Estraños en el Paraiso” – Stranger than Paradise
• 1986 – “Dounbailó” - Down by Law
• 1989 – “Tren Misterioso” – Mystery Train
• 1991 – “Noche en la Tierra” – Night on Earth
• 1995 – “Dead man” – Dead Man
• 1997 – “Year of the Horse” - Year of the Horse
• 1999 – “Ghost Dog, el camino del samurái” - Ghost Dog: The Way of the Samurai
• 2002 – “Ten Minutes Older: The Trumpet” - (Dirige uno de los episodios)
• 2003 – “Sobre Café y Cigarros” - Coffee and Cigarettes
• 2005 – “Flores Rotas” - Broken Flowers
• 2009 – “Los límites del Control” - The Limits of Control

La Bella Michele Pfeiffer

Michelle Marie Pfeiffer (Santa Ana, California; 29 de abril de 1958) es una actriz estadounidense. 3 veces nominada al Oscar; Ganadora del Globo de Oro, del BAFTA y del Oso de Oro.

Excelente actriz y siempre considerada como una de las mujeres más bellas del mundo. Comienza en los años 80's con la secuela "Greese 2", con la cual gana el premio de actriz revelación. Pero fue solo con "El Precio del Poder" y "Lady Halcon" que tiene verdaderamente reconocimientos, que termina por consolidarse en "Las Brujas de Eastwick", junto a Cher, Susan Sarandon y Jack Nicholson. En 1988 obtiene su primera nominación a los Globos de Oro por su interpretación en "Casada con Todos", y se anota otras nominaciones con su interpretacion en "Relaciones Peligrosas" de Stephen Frears, junto a Glen Close y John Malcovich; pero es en 1989 que gana casi todo con su Fabulosa interpretación en "Los Fabulosos Hermanos Baker". En 1992 protagoniza la mejor Mujer Gato de la historia en "Batman Regresa" de Tim Burton. En 1993 obtiene otro racimo de premios y nominaciones con gran interpretación en "La Edad de la Inocencia" de Martin Scorsese. En 1995 tuvo un éxito notorio con "Mentes Peligrosas", y luego aparece en varias comedias románticas. En el presente siglo se ha venido un poco abajo, pero siempre se le ha visto junto a grandes y noveles actores. En 2009 estrenó "Chery" y "Efectos Personales", las cuales traemos juntas en esta selección.
Bella Michelle. Siempre he estado enamorado no solo por su belleza sino por su trabajo. Si eres también fan, puedes acceder a fotografias y wallpapers apretando AQUI.

Directores - Milos Forman

Jan Tomáš Forman, conocido artísticamente como Milos Forman (Cáslav - Checoslovaquia, 18 de febrero de 1932), Director, actor y guionista de cine naturalizado estadounidense. Con pocas películas ha ganado 3 Globos de Oro, 2 Oscares, 1 BAFTA y el Oso de Oro de la Berlinale.

Huérfano a los nueve años, después que sus padres fueron arrestados por la Gestapo al estar ligados a grupos de Resistencia Checa. Murieron en el campo de concentración de Auschwitz, dejando 3 hijos al cuidado de parientes.
En los años 50, Miloš estudió dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga. Tras graduarse en el 55, pasó a trabajar para la televisión, donde fue ayudante del realizador Alfred Radok y de Pavel Blumenfeld. Escribió sus primeros guiones y realizó obras semi-documentales al inicio de los 60. Su primera producción importante “Pedro el negro” (1964), trata de un adolescente en una pequeña ciudad Checa. Con esa cinta llamó la atención en varios festivales, incluyendo Cannes, Montreal y Nueva York. Realizó otros dos films en Checo, “Los amores de una rubia” (1965) y “¡Al fuego bomberos!” (1967).
Cuando la URSS invadió Checoslovaquia en el 68 para poner fin a la llamada "Primavera de Praga", Forman estaba en París negociando la producción de su primera película americana. Antes que volver a la instaurada cortina de hierro, se trasladó a Nueva York donde trabajó como profesor mientras estudiaba el guión de "Society For the Parents of Fugitive Children", el cual rodaría como “Juventud sin esperanza” [Taking Off](1971). En el año 72 se encarga junto al director Jim Clark de un proyecto documental sobre las Olimpiadas de Munich. A partir del 73 trabajó sobre el best Seller de Ken Kesey, filmando la obra que lo hizo conocer mundialmente, “Atrapado sin salida” (1975), obteniendo 5 oscares y catapultando la carrera de Nicholson.
Luego le sucedieron grandiosas puestas en escena, como los musicales “Hair” (1979) y “Amadeus” (1984), este último le significó el volver a dirigir en su tierra natal, y la obtención de 8 Oscares. Antes de "Amadeus", había filmado “Ragtime” (1981) que le valió 15 nominaciones entre Oscares y Globos de Oro y no se llevó un solo galardón. En (1989) rueda la coproducción USA- Francia “Valmont”, un drama de época que fue un poco ignorado por la crítica, para luego lanzarse sobre 2 personajes bastante controversos y llevarse otra andanada de premios: “El Pueblo vs Larry Flint” (1996) y “El Mundo de Andy” (1999), esta última con el impagable Jim Carrey en su mejor inerpretación.
Después solo ha presentado una coproducción con España, "Los Fatasmas de Goya" (2006), con el ganador del Oscar Javier Bardem. Tiene dos proyectos en andamiento. No ha sido un director muy prolífico, pero reúne lo mejor de la escuela europea y Hollywodiense, tiene fuerte personalidad dentro del set sacando lo mejor de quien dirige, y aprovecha a fondo el capital para crear fenomenales puestas en escenas. Como Mejor Director ha ganado el Óscar por “Atrapado sin Salida” y “Amadeus”; el BAFTA por “Amadeus”; El Oso de Oro del Festival de Berlín por “El Pueblo vs Larry Flynt”; y el Globo de Oro por “Amadeus”, “El Pueblo vs Larry Flynt” y “Atrapado sin Salida”. Sin lugar a dudas, uno de los grandes de la historia.

Filmografía._ (largometrajes)
• 1960 – “Linterna Mágica II” - Laterna magika II
• 1963 – “Audición” – [Konkurs] – Audition
• 1964 – “Pedro el Negro" - [Černý Petr] Black Peter
• 1965 – “Los Amores de una Rubia” - [Lásky jedné plavovlásky] A Blonde in Love
• 1967 – “¡Al fuego Bomberos!” – [Horí, má panenko] The Fireman's Ball
• 1971 – “Juventud sin esperanza” – Taking Off
• 1975 – “Atrapado sin Salida” - One Flew Over the Cuckoo's Nest
• 1979 – “Hair”
• 1981 – “Ragtime”
• 1984 – “Amadeus”
• 1989 – “Valmont”
• 1996 – “El Pueblo vs Larry Flynt” – The People vs Larry Flynt
• 1999 – “El Mundo de Andy” – Man on the Moon.
• 2006 – “Los Fantasmas de Goya” - Goya's Ghosts

Directores – Bigas Luna

José Juan Bigas Luna , conocido artísticamente como Bigas Luna (Barcelona - España, 19 de marzo de 1946), Director y guionista de cine español. Ganador del León de Plata al Mejor Director. Muere el 5 de Abril de 2013 a los 67 años.

Después de estudiar diseño industrial, se introduce en el mundo del cine rodando pequeños formatos a mediados de los 70. Con su primer largometraje, “Tatuaje” (1976), inicia una trilogía que muestra la degradación de España en medio de la democratización. Adquiere prestigio internacional con “Bilbao” (1978), la cual es seleccionada para el Festival de Cannes. Con “Renacer” (Reborn, 1981), realiza su primera coproducción internacional conociendo el cine norteamericano y consiguiendo recursos para contratar actores independientes y de mayor prestigio. De vuelta a Barcelona rueda “Lola” (1986). Al año siguiente estrena “Angustia” (1987), un film de Terror diferente a su propuesta hedonista y erótica, tornándose un punto de incognita dentro de su filmografía. Luego se retira a Tarragona y decide dedicarse a la pintura.
Un retiro de 3 años donde se produce el cambio de estilo, ya que entrado los 90 el productor Andrés Vicente Gómez le encarga un nuevo proyecto que lo hará revivir. Con “Las Edades de Lulu” (1990) consigue llegar a un publico más diversificado obteniendo la atención de la crítica.
Siendo un glotón declarado, decide hacerle un homenaje a la comida con la “trilogía Gastronómica”, compuesta por “Jamón Jamón” (1992), “Huevos de Oro” (1993) y “La Teta y la Luna” (1994). Películas bastante hispánicas y menos agresivas que todas las anteriores, con lo cual se quitó un poco el mote de “director maldito” o “proscrito”. Las dos primeras de este ciclo sirvieron para darle notoriedad internacional a Penélope Cruz y a Javier Barden.
Bigas Luna también es considerado por muchos como heredero de Buñuel, ya que sus cintas están repletas de fantasías e irrealidades, pero es el erotismo el que marca la pauta de la historia en sus últimas realizaciones. Generalmente todo gira en torno de fuertes personajes femeninos, en busca de felicidad y placer en medio de sus bisoñas vidas; como en “Lola” (1985), “Las Edades de Lulu” (1990), “La camarera del Titanic” (1997) y “Yo soy la Juani” (2006). Ha rodado tanto en catalán como en castellano, francés e italiano, llevando su propuesta más allá de su Barcelona original. Sus últimos proyectos han sido propuestas experimentales. Hacia el clasismo con “Volavérunt” (1999), y la más evolutiva (o tal vez retro) “Yo soy la Juani” (2006), donde hay todo un estudio de comportamiento de periferia urbana y aplicación de nuevas formas de filmación y exposición de tecnología.

Filmografía (largometrajes)
• 1976 – “Tatuaje”
• 1978 – “Bilbao”
• 1979 – “Caniche”
• 1981 – “Renacer” - [Reborn]
• 1986 – “Lola”
• 1987 – “Angustia”
• 1990 – “Las Edades de Lulu”
• 1992 – “Jamón, Jamón”
• 1993 – “Huevos de Oro”
• 1994 – “La Teta y la Luna” - [La teta i la lluna]
• 1996 – “Lumiere y Compañía” (Director de uno de los cortos)
• 1996 – “Bámbola”
• 1997 – “La Camarera del Titanic” [La femme de chambre du Titanic].
• 1999 – “Volavérunt”
• 2001 – “Son de Mar”
• 2006 – “Yo soy la Juani”
• 2010 – “Di Di Hollywood”.

A Bigas Luna no le importa que los internautas se descarguen gratis sus películas. Al revés, le encanta. En medio de la controversia en torno a la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, y su polémica ley antipiratería, el cineasta español ironiza sobre el asunto: “Pondría una alfombra roja a quienes se descargan mis películas. Yo sólo quiero que la gente las vea. Ir contra las personas que se las descargan es una hipocresía brutal”. Para seguir leyendo PULSA AQUI

Muestra Internacional de cine de São Paulo tiene El 1° festival Online

La 33ª MUESTRA DE CINE DE SÃO PAULO y THE AUTEURS, en una iniciativa pionera, ofrecen el 1° FESTIVAL ONLINE del mundo.

Esta es la primera vez en la historia que un festival de cine importante dispone una vasta selección de películas de su programación, y esperamos que se torne un modelo para que todos los festivales promuevan el cine internacional más allá de su público local.

El acceso en streaming, estará disponible para los primero 300 que accedan después de la primera exhibición de la película dentro de la programación de la 33ª MOSTRA, dentro del período de su realización, en la página www.theauteurs.com/saopaulo

THE AUTEURS es la mayor comunidad online de películas independientes y clásicos de todo el mundo, con películas incluidas en el archivo por cinéfilos. Fundada en 2007, es patrocinada por la Celluloid Dreams, la mayor productora de cine independiente del mundo; Criterion Collection, mayor sello internacional de DVDs de arte; y la Costa Films, la cual es asociada exclusiva de la World Cinema Foundation, fundación para la preservación de películas presidida por Martin Scorsese, con oficinas en Palo Alto (EUA), Nueva York, Paris y Londres.

“Así mismo, las ideas más visionarias cuando no encuentran resonancia en otros y no son seguidas, acaban por morir. Es maravilloso ver este espíritu en equipo (con la Muestra). Estamos lanzando juntos el primer festival online del mundo y haciendo historia. La Muestra de São Paulo está al frente de otros Festivales”, afirmó Hengameh Panahi, dueña de Celluloid Dreams, una de las más importantes productoras independientes de cine del mundo, responsable por películas vencedoras de grandes festivales, como Cannes 2009 (Un Profeta – Gran Premio del Jurado 2009) y Venecia (Hana-Bi, León de Oro 1997; Lebanon, León de Oro 2009).

Vea los títulos y las fechas de exhibición online en el programa del 1° FESTIVAL ONLINE:
(fuente: Jornal da Mostra)

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Amores Etilicos

Vivió una vida de mierda, pero la providencia lo hizo famoso después de cumplir 50, y jamás abandonó su amor a la bebida.
Charles Bukowski es considerado por muchos como un escritor maldito, de prosa basura con olor a mugre, aunque algunos ven solo la verdad de un hombre sin complejos. Lo cierto del caso es que pudo gozar parte de ese culto aún en vida y recien cumple 15 años de fallecido.
No conozco a fondo la prosa de Buk más allá de ciertos extractos, pero me cayó por casualidad el interesante documental "Bukowski - Born into this", por el que pude adentrarme en la figura. El documental es preciso y bien logrado, al punto que consideré crear una Muestra sobre cine de Amores etilicos, para acompañar el doc en el Blog.
Pues bien, afinen que el menú es bueno. Hay cine de mano de los excelentes chefs: Babenco, Schroeder, Figgis y Payne. El plato principal es la opera prima de John Dullaghan. Disfruten... y comenten. (Bruz)

Tallo de Hierro (1987)

MUESTRA DE AMORES ETÍLICOS._ Después del éxito alcanzado con "El Beso de la Mujer Araña", los estudios Tristar le encargan a Hector Babenco, la dirección del laureado romance de Willian Kennedy. Aunque representó nominaciones al Oscar a los multigalardonados Jack Nicholson (3 Oscares en 12 nominaciones) y Meryl Streep (2 Oscares en 15 nominaciones), la película no tuvo el esperado retorno en taquilla. Pero los dos actores lucen convincentes y aparentemente peos de bola, acompañados del siempre emblemático Tom Waits. (Bruz)

Ironweed

AÑO: 1987
DURACIÓN: 143 min.
PAÍS: USA.
DIRECTOR: Hector Babenco
GUIÓN: William Kennedy (Novela: William Kennedy).
MÚSICA: James Horner.
FOTOGRAFÍA: Lauro Escorel.
ELENCO: Jack Nicholson, Meryl Streep, Carroll Baker, Michael O'Keefe, Tom Waits, Fred Gwynne.
PRODUCTORA: TriStar.
GALARDONES: Meryl Streep y Jack Nicholson nominados al Oscar 1988; Jack Nicholson nominado al Globo de Oro 1988; Jack Nicholson ganador como mejor actor por la Asociación de críticos de Los Ángeles y por el Círculo de Críticos de New York

1938. Durante la época de la Gran Depresión Francis Phelan, un antiguo jugador de beísbol, abandona a su familia tras un trágico accidente, convirtiéndose en un borracho vagabundo que, junto a una antigua novia y compañera de borracheras, intentan escapar del doloroso recuerdo de un pasado que le persigue.... (FILMAFFINITY)

Revisar otras críticas en FILMAFFINITY

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Ironweed (1987) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
564 Mb en 3 links / No Pass / Film alojado en Depositfiles

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Directores - Wim Wenders

Wilhelm Wim Ernst Wenders (Düsseldorf - Alemania, 14 de agosto de 1945), guionista, productor, actor y director de cine alemán.

De 1967 a 1970 frecuenta la Hochschule für Film und Fernsehen en Munich, pero ya en 1967 realiza su primer corto Escenario (Schauplätze). Al año siguiente hace otros tres: El mismo jugador dispara de nuevo (Same Player Shoots Again), Klappenfilm, dirigido junto a Gerhard Theuring, y Victor I. El mismo año empieza a colaborar como crítico en "Filmkritk" y "Suddeutsche Zeitung".
Habiendo nacido en una época en la que Alemania comenzó a girar hacia la cultura estadounidense para olvidar su propio pasado, Wenders tiende a explorar en sus películas la presencia estadounidense en el inconsciente europeo, o más concretamente la americanización de la Alemania de posguerra.
Con su película El amigo americano (1977), basada en la novela El juego de Ripley, de Patricia Highsmith, Wenders obtuvo reconocimiento internacional. A partir de ese momento Wenders comenzó lo que podría denominarse su etapa más prolífica, encadenando títulos experimentales como Lightning Over Water (Relámpago sobre el agua) (1980), documental sobre la agonía y muerte del director Nicholas Ray, que lo co dirigió, y El estado de las cosas (1982) con historias intimistas y más convencionales como Paris, Texas (1984), Cielo sobre Berlín (1987) o su secuela Tan lejos, tan cerca (1993) .

Filmografía (largometrajes)
• 1970 – “Verano en la ciudad” - Summer in the city
• 1971 – “El miedo del arquero al tiro penal” - [Die Angst des Tormanns beim Elfmeter]
• 1972 – “La letra escarlata” - [Der scharlachrote Buchstabe]
• 1974 – “Alicia en las ciudades” - Alice in the Cities [Alice in den Städten]
• 1974 – “Falso movimiento” - [Falsche Bewegung]
• 1975 – “En el curso del tiempo” - [Im Lauf der Zeit]
• 1977 – “El amigo americano” - [Der amerikanische Freund]
• 1980 – “Relámpago sobre el agua” - [Lightning over water]
• 1982 – “El estado de las cosas” - [Der Stand der Dinge]
• 1982 – “Hammet - El Halcón Maltes” - Hammett
• 1984 – “París, Texas”
• 1985 – “Tokio-Ga”
• 1987 – “Cielo sobre Berlín” - Wings of desire [Der Himmel über Berlin].
• 1991 – “Hasta el fin del mundo” - Until the end of the world [Bis ans Ende der Welt].
• 1993 – “¡Tan lejos, tan cerca!” - [In weiter Ferne, so nah!].
• 1994 – “Lisboa Story” - [Lisbon Story].
• 1995 – “Más allá de las nubes” - [Par delà les nuages]
• 1996 – “Lumiere y Compañía” (Director de uno de los cortos)
• 1996 – [The Gebrüder Skaladanowsky].
• 1997 – “El final de la violencia” - The end of violence
• 1999 – “Buena Vista Social Club”
• 2000 – “El hotel del millón de dólares” - The Million Dollar Hotel
• 2002 – “Ten Minutes Older: The Trumpet” - (Dirige uno de los episodios)
• 2003 – “The soul of a man”
• 2004 – “Tierra de abundancia” - Land of Plenty.
• 2005 – “Llamando a las puertas del cielo” - Don´t come knocking
• 2007 – “Crímenes invisibles” - Invisibles (capítulo)
• 2008 – “Palermo Shooting”
Fuente: Wikipedia